Riproduzione Sessuata

Fermo restando che gli alberi piangono foglie in autunno che avessi impellente necessità di giocare quella pazzesca di Ellen Sheidlin prima di far fagotto e andare a casa, ho deciso di chiudere anche il mio ciclo vitale al museo da dove ero partito, unendo la concenzione biologica a me tanto cara a quell'artistica.

Ellen è una modella e artista russa, che ha acquistato una buona popolarità sui social grazie al suo immaginario unico e mozzafiato, le sue opere fotografiche surrealistiche in cui si autoritrae sotto una lente di immaginazione e distacco dalla realtà, a volte in maniera fortemente critica, spudorata, altre in termini innocenti e sognanti.

Ho preso tre sue opere che mi affascinano molto e che nascono separatamente e completamente avulse le une dalle altre, e le ho unite in una storyline che mi hanno naturalmente evocato, riproducendo attraverso la sua arte la metamorfosi del processo di riproduzione sessuata.

Si parte dal magnetismo dell'attrazione e dell'accoppiamento, in cui si evince il lato più spudorato di Ellen nel rappresentare le sue idee, e una delle sue rappresentazioni meno surrealistiche ma più terrene, come il gesto stesso così naturale e a tratti animalesco, un richiamo forte verso il partner per una spinta intrinseca.

 Successivamente l'atto della fecondazione, in una delle immagini che invece esaltano il lato fiabesco e visivamente armonioso dell'arte di Ellen. Qui ritroviamo la cellula uovo, rappresentata da una sfera floreale, che viene abbracciata da una scarica di semi maschili, candidamente metaforizzati dalle farfalle, pronti a benedire il magico incontro che permetterà lo sviluppo di una nuova vita.

Infine la procreazione, la nascita, la cellula che diviene organismo e man mano cresce e si trasporta, in quest'opera che delicatamente ci accompagna nel surrealismo di Ellen, che fa di uno scenario così basilare, un'epopea di fantasia artistica. Qui lei rinasce, come la nostra creatura alla fine del nostro ciclo.

In Deepest Blue

Dietro queste mie scelte finali non si annida un particolare ragionamento (forse dirlo non rappresenta il migliore biglietto da visita possibile ma lol). Nel mio cellulare ho  tempo fa creato la cartella Art, che vado di volta in volta arricchendo con opere che vado conoscendo e dalla quale ho estratto quasi tutte quelle che ho deciso di esporre in questo nostro museo così speciale e sui generis. Così, anche le prime due delle immagini che compongono questo mio trittico (Sappho e DyD) da lì vengono e sono lavori che avevo valutato di usare anche in sala precedenti, mentre la terza, Intimacy with Christ, è un dipinto in cui mi sono imbattuto la settimana scorsa, mentre ero intento nella ricerca di materiale queer e che mi ha travolto e trafitto, è un'opera che sapevo avrei scelto come commiato a prescindere da quello che sarebbe stato il tema finale.

Se è vero che le tre opere non risultano essere legate da qualcosa di oggettivo e specifico (né per artista, né per corrente artistica, né per soggetto né altro), penso che insieme si presentino comunque molto bene, con quelle varie tonalità di blu che si fanno sempre più profonde da un lavoro all'altro, blu che si fa sfondo di stati d'animo e sensazioni impresse sulla tela (o sulla carta, come nel lavoro di Cavenago) in maniera sempre più intensa e, per quel che mi riguarda, dirompente. La splendida canzone di Joshua Hyslop In Deepest Blue (terza classificata nella categoria Introspezione in Stati d'animo 3A) mi ha suggerito il titolo più idoneo per questa esposizione finale.

Il dipinto dell'artista svizzero Ernst Stückelberg (1831-1903) ha dei tratti molto malinconici, ma allo stesso tempo anche placidi, quieti, come l'azzurro scintillante della distesa marina, 'crudele' perché sembra sfidare la poeta Saffo a lanciarsi, a gettarsi tra le sue acque gelide ma allo stesso tempo così splendenti e serene. La stessa ambivalenza si ritrova nella donna, il cui volto è ermetico, la cui posa precaria suggerisce pericolo, forse la voglia di precipitare, mentre il panneggio della veste, le rose infondono delicatezza e bellezza. Trovo poi molto suggestiva la visione dei templi che si scorgono, aguzzando la vista, all’orizzonte.

Il vero e proprio dipinto in digitale di Gigi Cavenago, il copertinista attuale della serie regolare di Dylan Dog, dal tratto decisamente espressionista, è pervaso di mistero e inquietudine. Le acque sono molto più crespe e attive di quelle che cercano di sedurre Saffo nel dipinto precedente, e imprigionano e incorniciano un volto di difficile decifrazione: la persona protagonista (è irrilevante che sia un personaggio specifico, potrebbe davvero essere chiunque) è vittima di un oblio imperituro, è in preda all’estasi più ineffabile, è – per fare una citazione dylaniata - un ‘riflesso nello specchio dell’anima’? Come le rose di Saffo, le foglie autunnali che si posano sulla superficie aequorea donano all’insieme delle piacevoli suggestioni di una dolce malinconia che attenua l’intensità creata dall’espressione del volto dell’uomo.

Infine, la tela di Richard Stott, pastore metodista e art therapist, è l’ultima di un trittico che l’artista ha dedicato al rapporto tra spiritualità e sessualità, dove un Cristo risorto e un giovane amante si abbandonano a un travolgente eros (nel caso in cui qualcuno avesse voglia di dare un’occhiata alle altre due parti, avviso che la prima è abbastanza esplicita). Qui sembriamo trovarci vicini al metafisico, il blu è ormai denso e scurissimo e sembra attorniare l’avvinghio dei due corpi in una dimensione irreale e aerea, in contrasto con la fisicità scultorea dei due uomini, umanissimi nella loro corporeità fatta di sangue, vene, cicatrici, pulsioni, e allo stesso tempo così lontani da noi, persi in una ebbrezza e in un rapimento senza fine nel tempo e nello spazio.

ALLEGORIA DELL'OLTREMONDO 

Questa sala mi ha messo particolarmente in difficoltà. Non sapevo come approcciarmi, mi erano venute in mente idee che ho bocciato subito perché mi sembravano troppo banali (il bacio piuttosto che il tramonto ).

Ciò che mi piace nel momento in cui mi approccio alla visione di un'opera è provare a dare una mia interpretazione personale di ciò che vedo, abbinando un significato che possa dare una lettura diversa rispetto a quella canonica. Ed è stato proprio questo il punto di partenza per la composizione della mia mostra temporanea: scegliere tre opere famose, che in comune non hanno nulla, provando a creare un filo conduttore secondo una una mia lettura persone relativa ad un immaginario che mi ha sempre affascinato, quello dei regni ultraterreni.

INFERNO: Guernica/Pablo Picasso: il dipinto in questione è un capolavoro dell'arte e non ha bisogno di grosse presentazioni. Con quest'opera Picasso vuole dare una propria interpretazione del bombardamento che colpì la cittadina di Guernica durante la Guerra Civile spagnola. Un massacro generalizzato che colpisce tutti indistintamente, animali e uomini, che condividono lo stesso destino. Non conta il genere, non conta l'estrazione sociale: la sofferenza è sofferenza per tutti. Ho deciso di associare quest'opera all'inferno proprio perché la sofferenza generalizzata è ciò che più caratterizza questo luogo: non importa chi tu sia stato in vita, non importa quale sia il grado della tua colpa, sarai costretto a scontare la tua pena soffrendo per il resto dell'eternità, senza possibilità di redenzione. Non sappiamo se i personaggi raffigurati in Guernica fossero colpevoli di qualcosa: il bombardamento non ha avuto pietà di loro, li ha colpiti in maniera generalizzata. Allo stesso modo le schiere infernali puniscono tutte le anime senza pietà. A livello visivo questi visi così deformati, tipici della pittura di Picasso, mi hanno restituito un po' l'immagine di anime in pena; anche l'assenza di colore fa pensare ad un luogo in cui ormai tutto è spento, dove la speranza non è più una cosa alla quale ci si possa appigliare. 

PURGATORIO: La Persistenza della Memoria/Salvador Dalì 

Arriviamo ai famosi Orologi Molli di Dalì e ci spostiamo dall'Inferno al Purgatorio. Dall'affollatissima scena della Guernica ci spostiamo ad un paesaggio desolato, composto da pochi elementi, le cui uniche forme di vita sono una mosca, un gruppo di formiche e una creatura stesa a terra non ben definita. Ciò che attira maggiormente l'attenzione sono proprio gli orologi, quasi in scioglimento, che si distendono sulle poche superfici presenti nel dipinto: ogni orologio indica un'ora diversa e questo elemento, unito all'inconsistenza degli oggetti va a sottolineare come il tempo, per quanto misurabile, sia in realtà percepibile in maniera diversa da ognuno di noi, a seconda delle situazioni. Il tempo che passa (o che forse non passa) è ciò che in qualche modo mi fa pensare al Purgatorio: un luogo di attesa, di espiazione, dove si aspetta più o meno (a seconda del peso della propria colpa) l'elevazione nel regno celeste. Ogni anima non sa quanto effettivamente dovrà soggiornare in questa terra di mezzo, più accogliente dell'Inferno, più vivida (compare il colore, sebbene sia neutro, poco acceso) ma non ancora così accogliente. E che quella creatura, così distesa, così schiacciata dal peso dell'orologio non sia in realtà un anima distrutta da un attesa ingombrante. Ma è davvero così passato tanto tempo? O è la difficoltà di soggiornare in questo luogo di fatica a farlo percepire come tale?

PARADISO: Luce e Colore (La teoria di Goethe)/William Turner: ed eccoci finalmente giunti in Paradiso, il luogo che maggiormente si aspira in vita (ma anche nella morte): il luogo della completezza, della pace, della luce. E se di luce si parla, non si poteva tirar dentro William Turner, pittore ottocentesco che ha fatto dell'uso sapiente della luce e del colore il suo tratto distintivo. Il dipinto è come se fosse pervaso dalla luce, tant'è che il soggetto non è facilmente identificabile: si tratta tra l'altro proprio di un evento biblico, il Diluvio Universale. Già l'autore stesso, più di quanto avessero fatto gli autori precedenti con gli altri due regni, suggerisce un legame iniziale con il Paradiso grazie a ciò che ha deciso di rappresentare nel suo dipinto: ma è la presenza, quasi ingombrante, della luce che pervade tutto il dipinto a darci la sensazione di trovarci in un luogo celeste, lontani ormai dall'assenza cromatica dell'Inferno e dall'asetticitá del Purgatorio. E che cos'è questa sfera luminosa se non Dio stesso che col suo calore amorevole avvolge qualsiasi cosa, rendendo superflua la presenza di qualsiasi altra cosa attorno, perché appagati dal trovarci nella sua luce. 

I tre dipinti, partendo dall'Inferno, procedono per gradi rispetto a due caratteristiche particolari: l'Inferno è il dipinto più affollato, più caotico: mano mano che si procede nei regni successivi i soggetti ritratti diminuiscono, arrivando al Paradiso dove la luce divina è l'unico soggetto che ci interessa vedere. Altra caratteristica riguarda il colore, anche questo presentatoci per gradi: dalla quasi assenza di colore in Guernica si passa ad una colorazione tenue nell'opera di Dalì fino all'esplosione finale del quadro di Turner.