Per tentare di fare brillare Munch in questa sala delle Sorprese, ho deciso di scendere in campo con The Urn: non un dipinto, come le opere precedenti, ma una litografia. In realtà, per qualche ora mi ero persuaso di condividere questo lavoro nella precedente sala sensoriale (avevo già scelto la mefistofelica ‘Seven Devils’ dei Florence + The Machine come seducente accompagnamento musicale), ma alla fine ho temuto che, priva di una qualche annotazione, non sarebbe riuscita a emergere come spero potrebbe. Come accennavo all’inizio, ci troviamo dinnanzi a una litografia, e non è scontato che tutti siano a conoscenza del fatto che l’artista norvegese si sia dedicato anche a questa tecnica, che consiste nel tracciare, con un materiale grasso, un disegno su una pietra e trattare quest’ultima con sostanze chimiche in modo che sia poi possibile passare l’inchiostro sulle soli parti disegnate della pietra e trasferire infine il disegno dalla pietra alla carta tramite la pressione di una pressa litografica.
Quando mi sono trovato a tu per tu con quest’opera (in maniera del tutto casuale su internet, essendo un lavoro non riportato in nessuno dei libri che possiedo su Munch) sono stato da quest’ultima sedotto, turbato e credo anche ingannato, confuso. Mi era infatti parso di trovarmi davanti a una figura malefica, a una strega rappresentata sul punto di scagliare il proprio maleficio stendendo quelle braccia che la visionarietà dell’artista quasi trasfigura in tentacoli, in protuberanze oscene e perverse. Eppure sentivo che qualcosa non quadrasse, che non tutte le linee tracciate collimassero a giustificare questa sensazione, che proprio ‘in your face’ fosse presente un dettaglio ‘stonato’… ecco, la faccia, il volto! O meglio, la sua espressione! Pensateci bene. In questo volto (che, metamorficamente, può essere identificato con la luna, tanto è pallido), a una visione più attenta, personalmente non ravviso un’aurea malefica, diabolica, leggendovi invece incertezza, un certo timore. Improvvisamente protagonista negativo della scena diventa proprio quell’urna, oscura, tetra, lugubre, ai cui piedi versano le sue vittime, corpi forse ancora in vita ma agonizzanti, torturati, tacitamente urlanti, nei quali volti è possibile riscontrare una caratteristica dell’arte di Munch, l’influenza delle mummie Maya nella loro resa. Ma focalizziamoci sul corpo sulla sinistra: la testa nemmeno si vede, lasciando l’orribile impressione che si tratti di un cadavere decapitato: eppure ciò che resta del corpo sembra gridare, gemere, con quei capezzoli che mi sembrano occhi, con l’ombelico che si fa una bocca implorante. In tutto questo ci troviamo a empatizzare con l’altra protagonista, la donna nel cui animo convivono paura e risolutezza, pronta forse anche a morire nel tentativo di spezzare la maledizione dell’urna.

Sono partito in questo viaggio con Max Rive per rendere onore alla fotografia paesaggistica, in quanto è il suo pane e l'arte in cui è professionista. Fino adesso sono rimasto nella casa che ci accomuna, le Dolomiti, prima con i colori dei boschi delle Odle, e poi con l'alba nebbiosa di un autunno sull'alpe di Siusi, accompagnata dall'angosciante cantico dei This Mortal Coil.

Stupire ora magari è difficile, Max non fotografa oggetti o persone, ma non impossibile. Per questo ho scelto questa foto, proprio perchè è il sentimento di stupore che mi inebria ammirandola.

Fino adesso abbiamo visto le montagne, le Dolomiti, ora ci spostiamo nella gelida terra islandese. La osserviamo da una caverna nevosa, attraversata da un ruscello.
Abbiamo conosciuto il giorno e l'alba di Max, ora guardiamo come il suo obbiettivo si destreggia nella notte.

Ciò che più mi incanta e sbalordisce di questo scatto è il soggetto. Il vero soggetto che per me è proprio la natura, ma a differenza delle scorse volte, è catturata con un approccio più sensazionalistico, riuscendo ad esaltare l'aspetto scientifico di essa, con le sue leggi e il suo continuo mutamento. In questa fotografia abbiamo la capacità di catturare dei fenomeni naturali di incredibile bellezza, le basi della chimica, della fisica, della scienza. Perchè cosa sa sbalordire e scoprire nuovi orizzonti più della scienza?

Abbiamo la fisica: l'aurora boreale con i suoi colori, che ha un fascino lapalissiano, ma così imprevedibile. Essa non è altro che un fenomeno ottico, dovuto all'atmosfera, e all'eccitazione degli atomi che emettono luce di diverse lunghezze d'onda. Io non ho mai avuto la fortuna di poterla osservare, ma questo ventaglio di colori accessi mi illumina anche attraverso uno schermo virtuale, grazie a chi l'ha saputa cogliere nel pieno del suo fascino.

Abbiamo la chimica: la caverna nevosa, che pian piano si scioglie. La neve e i ghiacci creano degli scoli di acqua, liquida, che fluiscono nel ruscello insieme al resto. Abbiamo l'acqua in tutte le sue fasi: solida, liquida, gassosa. La tridimensionalità della foto, la profondità di questi differenti fiumi verticali, ci dà l'idea di essere all'interno della foto.

Abbiamo la geometria: le diverse forme, più o meno regolari, create dallo strato nevoso che si scioglie. I fori attraverso i quali si osserva il cielo e l'aurora, i tagli netti e sinuosi dello sfondo.

L'incanto di poter osservare, ma non totalmente, che ci permette di aumentare il desiderio. La metafora dell'oltre, di voler scavare per vedere ancora di più la bellezza: prima c'è la corteccia nevosa, successivamente c'è la morbidezza dell'aurora, e se si scava ulteriormente, si nota il cielo stellato. Che non è solo un processo concreto, ma anche un interessante meccanismo metaforico, non si può mai sapere cosa si nasconde sotto la superficie. Guardo questa foto con gli occhi lucidi, per le meraviglie della natura e della scienza. Così come la fotografia, che non è solo arte, ma anche tecnica.

Parto dal presupposto che per questa sala rispetto al mio Magritte vedo più lanciati altri artisti, senz'altro più avvezzi all'arte dedita allo choc più che al piacere visivo. In questo caso mi sarebbero senz'altro corsi in aiuto i due artisti che alla fine ho scartato in favore di Margritte, ovvero Marina Abramovic ed Andy Warhol. Ma tant'è, proverò ugualmente a persuadervi nell'apprezzare la peculiarità dell'opera che ho scelto.

Questo dipinto è surrealismo allo stato puro. Questo movimento artistico basava le sue produzioni sull'emersione dell'inconscio nei dipinti, del sogno nel reale (andavano a braccetto con le teorie di Freud, che però non li vedeva molto di buon occhio). Magritte mi piace perché, e qua mi collego all'esordio della mia presentazione, non è quasi mai sensazionalistico: le sue opere a me trasmettono eleganza e calma più che l'inquietudine propria di molti altri suoi colleghi, ed ecco perché ero inizialmente in difficoltà con la ricerca del dipinto...ma alla fine ho trovato ciò che cercavo.

Ed ecco allora Magritte alle prese con questo essere promiscuo, donna dalla vita in giù e pesce dalla vita in su. Una sirenetta al contrario, praticamente, e qua si che il disturbo arriva. Facile romanticizzare e idealizzare la bella sirena come una bellissima ragazza sensuale con una pinna caudale al posto delle gambe, molto più difficile apprezzare una creatura così 'capovolta'. Difficile apprezzarla esteticamente, certo, ma è facile leggerci anche un riferimento all'oggettivazione del corpo femminile (il classico 'basta che respiri...'). Il soggetto è disturbante, non è collocabile né a terra né in mare, né come essere umano né come animale, e l'umanità da sempre fatica ad apprezzare gli ibridi. Credo che questo quadro sia un buon compromesso tra turbamento, riflessioni etiche e piacevolezza (trovo sempre piacevole osservare un Magritte, è questa la peculiarità che me l'ha fatto scegliere).

Attenzione. Cosa succede? La polizia ha chiuso temporaneamente la Sala Sorprendente del MuseoRh! La gente osserva incuriosita le animate discussioni della sicurezza del museo con alcuni agenti. I nastri “crime scene - do not cross” tengono a distanza il pubblico, impedendo ai più ficcanaso di carpire qualche parola, mentre buona parte dei visitatori si diverte a prendere foto di quella che potrebbe sembrare una performance artistica. Eppure no, la questione parrebbe seria. Avranno rubato qualcosa? Un quadro e la sua placchetta didascalica giacciono a terra. Un incidente? Non si riesce a leggere l’indicazione del quadro. Eppure è strano, da lontano si percepiscono alcuni elementi del quadro, sembrerebbe un paesaggio, ma qualcosa non torna…

Intanto, il direttore del museo, Mrnace, si sta recando nel locale della sicurezza con il tenente della dell’ACD (l’Art Crime Department). Vuole guardare le registrazioni delle telecamere di sorveglianza. Questa sezione del museo è aperta da poco tempo, non bisognerà andare troppo indietro nel tempo. E in effetti, dopo qualche ora di registrazioni e una decina di pause caffè, si arriva al momento del fattaccio. Le immagini parlano chiaro. Mrnace è sconvolto che un fatto del genere sia potuto succedere in pieno mercoledì pomeriggio. Sotto il suo naso! Chi si nasconde veramente sotto quel cappello da pescatore? E perché appende quadri?!

Ma diamo un’occhiata ad alcuni fotogrammi che qualche giorno più tardi saranno rivenduti dai due addetti al guardaroba, Kassa e Xello, alla peggior stampa scandalistica del paese, poiché sottopagati dall’illustre direttore di MuseoRh.

Le immagini catturate dalle telecamere purtroppo non saranno sufficienti per rivelare l’identità dell’artista al mondo. Ma questo strano signore, con finta barba e finto naso, avrà comunque avuto il merito di stupire e lasciarci un’opera quantomeno... originale.

Questo del 17 ottobre 2003 è uno dei primi dei tanti “scherzi” di Banksy al mondo dell’arte. Dall’inizio degli anni 2000, queste incursioni artistiche hanno colpito i più grandi e riconosciuti musei del mondo: MoMA, British Museum, Louvre, Natural History Museum...

L’opera sopra rappresentata è stata introdotta alla Tate Britain e appesa alla parete a fianco di un paesaggio bucolico del XIX secolo. La sua esposizione sarebbe potuta durare a lungo, ma alla fine, come spesso accade con le opere degli Street Artists, è durata poche ore. La colla con cui il quadro era tenuto alla parete ha ceduto, l’opera si è schiantata a terra e si è rivelata al mondo. È stata in seguito riposta tra gli oggetti smarriti.

Il quadro, intitolato Crime Watch UK has ruined the countryside for all of us, è un dipinto a olio trovato in un mercatino delle pulci dallo stesso artista, il quale ha modificato il paesaggio rappresentato aggiungendoci del nastro blu e bianco della polizia britannica. Secondo Banksy, il quadro modificato sarebbe una rappresentazione più fedele di come gli inglesi vedano oggigiorno veramente il paesaggio in cui vivono: con paranoia e paura di crimini violenti.

L’artista affermò che il processo per avere un proprio quadro esposto in un museo è troppo lungo e noioso... è molto più divertente andare e appenderlo da soli. Inoltre “La gente si chiede spesso se i graffiti sono arte. Be’, dev’essere così, sono stati appesi alla Tate”. Con questa frase e con il suo gesto, Banksy solletica il pubblico sui temi a lui più cari: l’élitismo nel mondo dell’arte, il potere dei (pochi) forti di decidere sui (tanti) deboli, la forza della Street Art e l’eccessiva sorveglianza generalizzata che a volte, come volevasi dimostrare, non funziona.