Legare Gianluca Grignani e Lady Gaga sembrava una sfida complicata, se non impossibile. Musicalmente su pianeti lontani, abbiamo da subito capito che l'affinità fra i due andasse cercata nei testi. Con le nostre proposte vogliamo mettere in luce la capacità dei due cantautori di raccontare aspetti intimi del proprio vissuto, correlati alla sfera familiare, forse la più personale. Per questo motivo abbiamo scelto "Madre" di Grignani e "Joanne" di Gaga.

Quando Kris mi ha proposto il tema ho pensato a tre pezzi ma poi, anche confrontandomi con lui, ho scelto "Madre".

"Madre" è un brano del 2014 contenuto nel suo undicesimo disco, "A volte esagero". Il pezzo è dedicato alla madre e descrive il rapporto con lei, un rapporto non facile e doloroso. Grignani non hai mai parlato molto della sua famiglia, ma è cresciuto con un padre assente e la madre non è mai stata molto affettuosa, senza quasi mai trasmettere e fargli capire il bene che provava, e solo quando è diventato padre ha capito che non voleva fare lo stesso. Grignani non ha avuto una vita semplice, i suoi problemi di dipendenza e di depressione, di cui ha parlato in diverse canzoni, a volte sono da ricercare nella sua infanzia.

Alla madre dedica questo pezzo, che parla d'amore ma soprattutto delle paure che può avere un figlio che non comprende il perché del comportamento di un genitore. E lo fa come sempre con un testo toccante, senza giri di parole e che va dritto al punto, ma anche con una musica perfetta, che scandisce e ci descrive il rapporto complicato quando Grignani non parla. Anche la scelta del video è particolare, un soldato, solo, che quasi non sa dove andare, e contro chi combattere. E quel soldato poi torna a casa... Qualunque essa sia.

A differenza di altri pezzi di Grignani, non mi identifico nel brano in maniera totale e in prima persona, ho sempre avuto un buon rapporto con mia madre e il sentirmi persa non è mai stata per causa sua. Però quando dice che sarà forte come non è stato mai e come non l'ha mai visto, lì ho pensato a quanto fossero reali quelle parole, sono più di trent'anni che provo a farlo.

Dovrò soltanto stare attento alla sera
Sul cuscino che insieme alle paure
La maschera non cali piano

In questo passaggio ogni volta mi emoziono, la maschera che indosso troppo spesso traballa e non è facile mantenerla bene e composta, anche davanti a chi mi ha donato la vita e dato tutto perché la forza deve venire prima di tutto. Queste parole colpiscono in pieno volto perché esprimono alla perfezione quanto restiamo bambini, con la paura di deludere, con la paura di non essere perfetti. Grignani descrive lui ma descrive anche noi.

"Joanne" è il brano che dà il titolo al quinto album in studio di Lady Gaga, uscito nel 2016. La canzone è dedicata alla zia della cantante, Joanne Germanotta, morta a 19 anni per una malattia autoimmune. Sebbene non l'abbia mai conosciuta, Joanne ha avuto una grande influenza nella vita di Gaga. La cantante - all'anagrafe Stefani Joanne Angelina Germanotta - ha infatti tatuato il suo nome e la data della sua morte (12/18/1974).

Joanne era un'aspirante poetessa, per questo motivo Gaga ha avvertito sempre un forte legame con lei, tanto da inserire una delle sue poesie nel booklet dell'album di debutto "The fame"."Non ha avuto modo di vivere il resto della sua vita, questo mi dà la forza per vivere la mia anche per lei" ha raccontato la cantante.

In "Joanne" Gaga canta in prima persona, come fosse al capezzale della zia, ma dietro la composizione del pezzo c'è il desiderio di narrare la perdita di un'intera famiglia, a partire da suo padre, che ha dichiarato di essere riuscito a convivere meglio con il suo dolore grazie all'ascolto del brano.

In una scena del documentario "Gaga: Five Foot Two" del 2017, la cantante fa ascoltare la canzone al padre Joe e alla nonna Angelina, durante le sessioni di registrazione di "Joanne". Il papà, che ai tempi della morte della sorella aveva solo 15 anni, non riesce a trattenere l'emozione e lascia la stanza, mentre la nonna si complimenta con l'artista per l'accorato omaggio alla figlia perduta.

Le commoventi parole scritte da Gaga parlano a tutti coloro i quali abbiano vissuto la morte di un proprio caro.

Take my hand, stay Joanne
Heaven's not ready for you
Every part of my aching heart
Needs you more than the angels do

"Joanne" è il pezzo in cui Gaga si mette più a nudo nella sua intera discografia. La semplicità disarmante della melodia del cantato, priva di qualsiasi orpello, unita al giro di chitarra country, impreziosito dagli archi che a metà brano entrano a enfatizzare l'emotività dell'armonia, ci restituiscono uno dei brani più sinceri ed evocativi della sua produzione.

I versi composti da Gaga sono talmente dolci e pregni di emozione da commuovermi fino alle lacrime ogni volta che ascolto il brano, anche perché a esso lego il ricordo di mia zia Rosaria, sorella di mio padre, che mi ha cresciuto come fosse una seconda madre, scomparsa nel 2012 a causa di un tumore alle ossa.

Girl, where do you think you're goin'?
Honestly, I know where you're goin'
And baby, you're just movin' on
And I'll still love you
even if I can't see you anymore
Can't wait to see you soar

Ogni Galà é più imprevedibile del precedente, qui però l'asticella é talmente alta che si comincia a soffrire di vertigini.
Se più di un labbro si sarà storto di fronte all'associazione De André / Macklemore, possiamo dire in tutta franchezza che anche l'abbinamento Emm / Chanel non scherza affatto!

Nel prenderci le misure (noi, e i nostri cantanti) abbiamo ragionato sulla proposta di una tematica "importante", che facesse onore all'hashtag Poeti. Vuoi il caso, vuoi l'intuito, vuoi l'approfondimento, vuoi il mettere le mani nel posto giusto, abbiamo individuato due brani che non solo affrontavano la stessa tematica, la dipendenza (da sostanze stupefacenti, da alcol, poco cambia) ma che sfiorasse lo tasto, molto toccante.

"Come potrò dire a mia madre che ho paura?"
"What the fuck are my parents gonna say?" "And you know what pain looks like / When you tell your dad you relapsed".

Non solo l'artista di fronte alla dipendenza, ma l'artista di fronte al senso di colpa e di inadeguatezza verso chi lo ha messo al mondo e di quelli che gli sono vicini.
Nel modo più sintetico (ciao, Emm) possibile, veniamo a tratteggiare i due brani.

E: Più che una canzone, Cantico dei drogati è un’esperienza di vita che va ad accentuare i sensi.
Fabrizio De Andrè, con una forte dipendenza dall’alcol, propone un brano sulla dipendenza sicuramente difficile da ascoltare sotto vari punti di vista.
Va innanzitutto detto che Faber non vuole accondiscendere l'ascoltatore, anzi si percepisce una sorta di compiacimento nel metterlo a disagio, o per meglio di dire nel metterlo a confronto con dei demoni, e seppur da una posizione di debolezza, di sfidarlo.

La melodia trasmette inquietudine, è un crescendo quasi onirico, che avvolge l’ascoltatore e, impedendogli di distrarsi, lo avviluppa fino all’ultima nota, lasciandolo annichilito.

Il testo, come spesso accade nei brani di De Andrè, è un mondo intero racchiuso in poche frasi, e a differenza di altre circostanze, qui non lascia adito a dubbi. Uno degli aspetti che salta subito all’occhio è l’alternanza di metafore liriche con immagini estremamente crude e dirette, già nella prima strofa. Il protagonista ha fatto il vuoto attorno a sé ma anche dentro di sé, ed ora è ridotto a uno stato subumano. E infatti non parla, biascica. Non cammina, striscia. Sa di essere del tutto compromesso, di non poter più tornare indietro: non coglie più le sfumature, ma è perseguitato da visioni orrifiche come i folletti che lo deridono, vorrebbe letteralmente buttarsi via, in una grande pattumiera.

A tratti sembra che le iperboli del brano siano quasi parodistiche, nella loro estremità, per chi non ha avuto contatti con questo mondo.

Da quando lavoro a contatto col pubblico ho avuto modo di constatare come non sia così, anzi. Tutti i giorni viene a comprare le sigarette da me un ragazzo che avrà più o meno la nostra età, che fino a un anno fa rideva, scherzava, a volte rompeva un po’ il cazzo (“la macchinetta automatica non mi ha dato il resto, prossima volta te la rompo”), ora non parla, cammina con la sua banconota in mano, prende e se ne va, si mette alla fermata dell’autobus, lo sguardo perso nel vuoto, a volte il mezzo arriva ma lui non sale neppure. Capita che l'autista scenda, e lo prenda delicatamente per il braccio. De Andrè non esagera.

In compenso, spiazza tutti come solo lui a sa fare. Convinto da sempre che in realtà l’alcol/lo stupefacente esalti i sensi e quindi la creatività dell’artista (e sotto traccia i richiami a Baudelaire sono palpabili) ribalta il punto di vista e sfida l’ascoltatore: tu che non sei corrotto, che sei in posizione di giudicarmi: sapresti fare di meglio? Sei davvero sicuro che la tua vita sia degna di essere vissuta?

A cadenzare il brano quel grido lacerante: come potrò dire a mia madre che ho paura?

C: Starting Over è un brano in cui Macklemore racconta la sua esperienza personale per quanto riguarda la sua battaglia con la dipendenza dalla codeina.

Dopo tre anni di sobrietà, Ben (vero nome di Macklemore) ci ricade. Dopo una serie di brani di grande ispirazione per i suoi fan, in cui traspare un messaggio positivo di rivalsa, Ben cede alla tentazione di drogarsi.

Accompagnato da una melodia intensa che accompagna un rap meno rabbioso ma più emotivo del solito, Macklemore scrive uno dei suoi testi più forti. Vengono fuori tutte le sfumature di uno stato d’animo alterato dalla delusione e dalla profonda vergogna che prova per aver fallito.

Ben inizia a mettere in dubbio sé stesso, considerando che in molti suoi pezzi precedenti aveva raccontato di essere riuscito a superare le sue dipendenze da droghe. Si è sentito quasi di toccare il cielo con un dito durante il periodo di sobrietà, mentre adesso gli è sembrato di raggiungere il baratro. Ben inizia a pensare che forse è meglio portarsi quei bicchieri nella tomba e non dire nulla ai suoi cari e ai suoi fan. Sarebbe troppa la delusione per tutti quelli che da sempre hanno creduto nella sua forza e nella vittoria con i suoi demoni.

What the fuck are my parents gonna say?
The success story that got his life together and changed
And you know, what pain looks like
When you tell your dad you relapsed and look at him directly into his face

Questo è il passaggio più emotivamente distruttivo. Come farà Ben a guardare negli occhi suo padre dicendogli di esserci ricascato? Sono state tante le occasioni in cui ha parlato di come la sua famiglia e la sua compagna fossero stati fondamentali nel suo percorso di riabilitazione. Non era mai riuscito a trovare la forza da solo, ma l’amore che ha percepito intorno gli ha dato la volontà di reagire e superare la sua dipendenza. Loro gli hanno dato fiducia, ma lui l’ha distrutta e ora il rapper pensa che la sua famiglia si arrenderà una volta per tutte.

Ben fa l’esempio dell’incontro con una sua fan che gli dice commossa ma fiera di essere pulita da nove mesi grazie a lui. Adesso come si sentiranno quelli che si sentivano finalmente compresi? Veniva visto come una fonte d’ispirazione, dopo aver combattuto i suoi mostri era riuscito a trionfare e ad aiutare quelli nella sua stessa situazione. Tutti penseranno che ha solo detto cazzate adesso e che non c’è speranza di superare quell’incubo.

Hope that they don't see it, hope that no one is looking
That no one recognizes that failure under that hoodie
Non sono mai stato dipendente da alcun tipo di droga o dall’alcol, ma questo verso mi colpisce molto duramente. La pressione di essere sempre all’altezza delle aspettative degli altri mi ha provocato grossi disagi interiori, nascondere le nostre sconfitte è l’unico modo per proteggerci dagli sguardi e dai giudizi degli altri. La pressione che facciamo a noi stessi è spesso peggiore rispetto a quella che pensiamo ci possano fare gli altri.

Ma Ben (e dovrei farlo anche io) capisce che è meglio dire la verità ed essere giudicato per i propri errori piuttosto che dare false speranze e scrivere di una vita che non è la sua.

If I can be an example of getting sober
Then I can be an example of starting over
If I can be an example of getting sober
Then I can be an example of starting over
Forse se riuscisse a rimanere sobrio e a ricominciare tutto da zero potrebbe essere l’esempio positivo che è stato. Non ci si può vergognare per una ricaduta, mentre non si può andare fieri di non averci provato fino in fondo.

Solo così potrà tornare a guardare negli occhi i suoi genitori, che saranno fieri di lui.

Ecco che il ponte é edificato, si incontrano passato e presente, cantautorato e rap, lingua italiana e tradizione anglofona, tradizione e contemporaneità, musica e musica, senza distinzione. E la fusione, che appariva quasi impossibile, si realizza con la naturalezza di una chiave che entra perfettamente nella toppa, aprendo la porta all'emozione.

Con musica di Shel Shapiro e testo di Mia, ‘Bambolina, bambolina’ è un brano che l’artista calabrese dedica alla madre.

Il punto di vista da cui viene raccontata la storia è quello di un bambino (Mia), che osserva impotente le continue fughe di una pazza (la madre) da Barbablù (suo padre) e la sua vita all’interno di un manicomio.

Rimandi palesi, questi, alle continue liti familiari a cui Mia ha dovuto assistere fin da bambina. Ma non solo.

Mia, infatti, ha descritto in diverse occasioni sua madre come una donna dalla bellezza sconvolgente, che non ha mai accettato il suo ruolo di madre e moglie e il suo progressivo invecchiamento.

Una madre, quindi, incapace di essere tale dal momento che non è mai riuscita a staccarsi dal suo essere bambolina/bambina. E Mia, come emerge da ‘Bambolina, bambolina’, ha dovuto superare tutto ciò immaginando suo madre affetta da una malattia, da una follia inarrestabile che la giustificherebbe da questo atteggiamento ‘innaturale’.

Dell’arrangiamento mi affascina il crescendo musicale e l’atmosfera creata grazie all’uso del violino e dell’arpa, strumenti che aiutano a ricreare quello stato di follia e quell’attaccamento all’età dell’infanzia; non ci meraviglia, quindi, ascoltare una sorta di filastrocca malinconica e straziante.

‘Bambolina, bambolina’, oltre a sottolineare le sue indubbie capacità interpretative, ci mostra una Mia capace di scrivere testi profondi, in cui senza remore mette in gioco spunti autobiografici.

Il pezzo riscontrò un discreto successo anche all’estero tanto da essere coverizzato dal cantante messicano Emmanuel (‘Si ese tiempo pudiera volver’) e dalla cantante finlandese Paula Koivuniemi (‘Pienokainen’).

Il brano mi spinge ancora una volta ad apprezzare l’artista Mia Martini e ancora di più la donna Domenica Rita Adriana Bertè, una donna che nella sua vita ha dovuto affrontare ostacoli di ogni genere. Si, anche quello impensabile di non sentirsi figlia a causa di una madre che non è mai stata capace di esserlo. E per uno come me, per cui la madre è TUTTO, tutto questo è straziante.

Affinità.

Questa è la parola chiave di questo Gala.

Quella formata da Melanie e Stromae può sembrare una coppia strana, e molto probabilmente lo è, eppure è una stranezza intrigante, nuova, originale.
Entrambi cantautori ed entrambi due personaggi molto particolari.
Quando ci è stato chiesto di mostrare l'affinità tra i nostri due cantanti, abbiamo iniziato ad intimorirci, ma alla fine abbiamo scoperto che i due hanno più cose in comune di quanto pensassimo. Partendo dalle loro storie, fino ad arrivare alla loro musica e al loro immaginario.

Scavando nelle loro discografie abbiamo trovato due brani che parlano di un tema comune, tuttavia spesso sottovalutato, ossia quella della famiglia.

E per parlare di un tema così spinoso, ci siamo serviti di Dollhouse e Dodo.

Il primo brano scelto è “Dollhouse”. La canzone è scandita dal rumore dell'orologio e Melanie (che in questo caso utilizza il suo alter ego, ovvero Cry Baby) fa sia da protagonista che da narratrice dell'intera storia. Nel testo viene descritto un quadro familiare all’apparenza perfetto, ma che nasconde dietro la sua facciata patinata innumerevoli problemi, come una madre alcolizzata, un padre che va a prostitute e un figlio che fuma marijuana.
In questa "casa delle bambole", la figlia, ossia Cry Baby, è l'unica che riesce realmente a vedere la tragedia che la circonda. La sua famiglia viene così accostata a una casa delle bambole e la bambina padrona di questa casa rappresenta tutte le persone esterne. Con questa prima canzone viene così tracciato il filo conduttore che Stromae riesce a riprendere sapientemente e ad elaborare in modo diverso nella sua "Dodo" Qui Stromae si rivolge a un bambino, figlio di una coppia sull'orlo della rottura, che è costretto ad assistere ai numerosi litigi dei suoi genitori. In questa sorta di ninna nanna Stromae raccomanda al bambino di dormire e di dimenticare tutto ciò che vede. Il rapporto dei genitori è in crisi per diversi motivi, ed entrambi hanno delle colpe, il padre picchia la madre, e quest'ultima lo tradisce con altri uomini. Eppure Stromae dice al bambino di stare tranquillo, poiché nonostante la difficoltà della situazione, riuscirà ad abituarsi ad essa.
Entrambi gli artisti trattano così il tema con estrema onestà, in maniera analoga ma lasciando trasparire delle sfumature diverse.
Musicalmente entrambi utilizzano un cantato molto intimo e una base "fanciullesca", in grado di portare l'ascoltatore in una dimensione delicata e pura come l'infanzia. Nel caso di Melanie avviene grazie all'ausilio del Carillon. Nel ritornello la produzione però si fa più decisa, grazie all'apporto del basso, che riesce a dare profondità.
Per quanto riguarda Stromae invece il piano può essere ricondotto appunto a una ninna nanna e nel ritornello si aggiunge una base dance che però non sovrasta la canzone, ma valorizza ancora di più il brano, esaltando il ritmo.

Emergono delle differenze nell'approccio al tema.
Melanie lo affronta con un tono decisamente più crudo e inquieto, grazie a un linguaggio molto più diretto ed esplicito.

La canzone si apre così, con un invito verso la bambina a giocare con questa famiglia apparentemente perfetta.

"Hey girl, open the walls
Play with your dolls
We'll be a perfect family"

Quando la bambina smette di giocare con loro e distoglie lo sguardo, però, mostrano il loro lato oscuro :

When you walk away, is when we really play
You don't hear me when I say
"Mom, please wake up,
Dad's with a slut,
And your son is smoking cannabis"

Nel ritornello Melanie parla di come la famiglia sia costretta a fingere in presenza di qualcuno di estraneo, e di come lei sia l'unica a conoscere il vero volto di tale famiglia :

Places, places, get in your places
Throw on your dress and put on your doll faces
Everyone thinks that we're perfect
Please don't let them look through the curtains
Picture, picture, smile for the picture
Pose with your brother, won't you be a good sister?
Everyone thinks that we're perfect
Please don't let them look through the curtains
D-O-L-L-H-O-U-S-E
I see things that nobody else sees

Stromae invece si approccia al brano in maniera differente. Servendosi di alcune figure immaginarie, sussurra con grande leggerezza questa canzone, che nonostante le sonorità fiabesche, nasconde un messaggio davvero duro e triste.

Nella prima strofa, il bambino viene in qualche modo calmato. Gli viene chiesto di abituarsi a questa situazione, nonostante il dolore iniziale, tutto con il tempo diventerà normale :

Eh petit bébé, il faudra se taire
Ouai même si papa frappe ta mère
Bah il faudra s'y faire
Je sais qu'il fait mal
Même quand il s'en va
Mais c'est tout à fait normal

Il ritornello può essere accostato a una vera e propria canzone della buonanotte, in cui Stromae cerca di far addormentare il bambino, per non costringerlo ad assistere ai continui litigi dei genitori :

Dodo, l'enfant Do
Bébé dormira bien vite

Quanto abbiamo visto abbinati Billie Eilish e Coldplay ci siamo chiesti: "e ora?". Non è stato facile trovare un punto d'incontro tra i due artisti, che appartengono a due generazioni totalmente diverse e che trattano spesso di argomenti che poco hanno in comune. Trovare due canzoni che fossero affini sia a livello di tematica che di sound è stato un compito arduo, ma alla fine ci siamo riusciti e abbiamo scelto due canzoni accomunati da un argomento molto delicato e alquanto inaspettato: il suicidio. Abbiamo quindi scelto "Amsterdam" dei Coldplay e "Listen before I go" di Billie Eilish.

"Amsterdam" fa parte dell'album del 2002 "A rush of bood to the head", la cui tematica è l'impulsività. In "Amsterdam" Chris Martin interpreta una persona disperata e in crisi che ha raggiunto il suo limite. Egli dice che la sua stella si sta spegnendo e che sta perdendo il controllo. Vuole uscire dal buco in cui è finito ma non ci riesce, una situazione che personalmente attribuisco allo scorrere del tempo. Il tempo è un'entità irrefrenabile che domina la vita delle persone, che impone scadenze, responsabilità, difficoltà da superare e addii. Il protagonista ha perso il controllo del tempo, che lo ha sopraffatto e portato alla disperazione. Nel ritornello della canzone il protagonista dice che "il tempo è ora dalla tua parte, non ti schiaccia e non ti spinge più, non devi più preoccupartene" come se la decisione di farla finita significasse riprendere il proprio controllo sul tempo. Ora è il protagonista a decidere la propria scadenza e può dimenticare tutte le responsabilità e i pesi che ha sulle spalle. Nella parte finale della canzone, dove si sfoga, dice di essere su un ponte con un cappio attorno al collo, con lo stomaco contratto. Spiega a una seconda persona che qualsiasi cosa lei dica è inutile. E' sull'orlo, quando improvvisamente questa persona lo salva, liberandolo metaforicamente dal cappio che indossa. La canzone ha dunque, nonostante il tema, un lieto fine raggiunto grazie all'amore.

Diversamente, nella canzone di Billie l'amore è una condanna e non una salvezza. "Listen before I go" è un brano del suo ultimo album "When we all fall asleep, where do we go"; come si può evincere dal titolo Billie interpreta una persona che si appella a un destinatario - probabilmente il suo ragazzo - prima di suicidarsi. La ragazza dice di essere su un tetto e che desidera vedere il mondo mentre smette di respirare. Durante tutta la canzone sono vani i tentativi del ragazzo di salvarla, le sue parole di incoraggiamento sono inutili. Lei gli dice di lasciarla andare, come aveva già fatto in passato rompendo la loro relazione (usa il termine "deja-vu" quando gli dice "leave me"), e nel ritornello insiste che è troppo tardi e non c'è più nulla che possa farle cambiare idea. Dice che non c'è via d'uscita se non andando giù. Conclude il pezzo dicendo al ragazzo di inviare un messaggio finale del suo amore ai suoi amici.
Questa è una canzone molto importante per Billie e una delle sue preferite, in quanto lei stessa ha ribadito di aver sofferto di depressione. Nonostante il messaggio della canzone, la cantante non vuole far intendere che non ci sia via d'uscita dal suicidio, ma vuole piuttosto mettere in risalto i terrificanti effetti della depressione.

Le due canzoni non sono solo accomunate dalla tematica, ma anche a livello musicale hanno molti aspetti in comune. Il cantato di Billie è delicato e soave, così come lo è quello di Chris per la maggior parte del pezzo. Nonostante il testo dei due brani, ciò che trapela è un senso di tranquillità. Entrambi i brani sono abbastanza lenti e hanno un accompagnamento molto minimalista, con protagonista il pianoforte.

I CANTAUTORI: @Krishoes CON LADY GAGA e @amers CON GIANLUCA GRIGNANI - 32 PUNTI