Eccoci: chi arriva in taxi, chi ha preso il bus navetta. Due supergreen che abitano vicino, con la bicicletta. Entriamo, dai. Mettiamoci in fila al gate RH per imbarcare i bagagli. Nell'attesa perchè non ci parli della tua artista mio caro/a primo gareggiante?

Classe 1979, Alex Prager è una giovane fotografa e regista californiana. Ho scelto di esporre le sue opere all’interno del MuseoRH perché ammiro il loro messaggio e il loro concetto, così come la loro tecnica di produzione. Sono spesso opere che ho osservato dal vivo, attraverso cui ho camminato, che ho scrutato fino a sentire mie.
Ho deciso di presentarvi Alex Prager con Crowd #7 (Bob Hope Airport), con cui l’ho conosciuta anche io. Ho visto di fronte a me quest’enorme immagine sulla parete e ho subito pensato che fosse un quadro. Ci ho messo un po’ a capire che si trattava di una fotografia, che coglieva un attimo come tanti all’interno di un aeroporto. Esplorando la mostra, però, erano sempre più chiari gli indizi che quella foto, come le altre, non era poi così casuale, piuttosto una costruzione meticolosa. Ritornando ad osservarla, mi si è aperto un universo.
Le opere di Alex Prager, infatti, sono il frutto di un’esecuzione e di un’accurata regia. Potremmo definirla un’artista antinaturalista, ma la finzione si intreccia inevitabilmente e continuamente con la realtà. Emerge l’essenza stessa dell’umanità. I suoi personaggi sono attori, attori che spesso riconosciamo nella moltitudine indistinta ritratta nelle sue fotografie, ma per quanto ognuno stia recitando una parte, è impossibile controllare la folla. E la folla è uno dei temi che Alex Prager ama esplorare con più interesse.
L’aeroporto, anche se oramai possiamo svelare che si tratta di uno studio cinematografico, ci appare come uno spazio bianco e asettico su cui la luce non proietta ombre. Una scacchiera. A dare colore sono le persone, le pedine.
Dando un’occhiata superficiale, la folla ci appare come una massa indistinta e insignificante. Più soffermiamo lo sguardo, però, più riusciamo a distinguere le persone, a cogliere le loro sfumature, a conoscerle. Ognuno, se ci limitiamo a guardare la folla, ci sembra anonimo, un’inutile comparsa nella nostra importantissima vita. Ognuno di loro, però, ha la sua storia, il suo bagaglio di esperienze che si trascina dietro nel suo personale viaggio. Non è un caso, dunque, se ci troviamo proprio nella sala d’attesa di un aeroporto.
I colori rendono unici ognuno di noi, ci rendono diversi e ci fanno risaltare tra la massa. Non ombre, ma volti tra la folla (Face in the Crowd, per usare le parole di Alex Prager). Tra un minuto, ognuno proseguirà per la sua strada, e il bianco della tela si colorerà di nuove sfumature.

Sì, proprio così. Arriverà un uomo d'affari dal volto imbronciato (decisamente grigio antracite) o una bambina felice di volar per la prima volta (giallo evidenziatore).

Ci siamo, tutti hanno fatto il check-in, siamo pronti per salire. Ecco il nostro aereo privato. Come dite? E' bellissimo, è vero. Non vi sembra sicuro? Fidatevi è perfetto. L'ha pensato e progettato, tratto dopo tratto, qualche anno fa Jacek Yerka, stimato illustratore e pittore polacco. Lascio la parola al suo alter ego, che saprà rassicurarvi.

Quest’opera si sposa perfettamente con il tema della sala perché attraverso l'uso del colore più che della forma il pittore è in grado di evocare. Il quadro rappresenta due diverse dimensioni, speculari l’una dell’altra. Una è la dimensione della realtà, che nei quadri di Yerka assume spesso la dimensione della realtà industriale, capitalistica del mondo moderno; dall’altro emerge la dimensione onirica che si nutre di natura, della quotidianità e delle piccole cose. Emerge prepotentemente l’utilizzo e la contrapposizione del colore nei due “mondi”. Nel mondo “in superficie” dominano colori freddi, metallici, cupi: si parte dal grigio che sovrasta la parte superiore del dipinto, rappresentata dall’aereo e degli ingranaggi, insieme alle matite che sono segno dell’istituzionalità e del rigore, alla gamma del marrone della fila di libri in primo piano, che man mano evolve in tonalità fredde di grigio, verde e azzurro. Il cielo stesso è grigio, buio. Dall'altro lato, i colori cupi lasciano spazio a sfumature vivaci, con tonalità calde; è rappresentata tutta la gamma dell’iride, come si nota bene dall'arcobaleno dello steccato. Il cielo è di un colore rosa vivido, rasserenante. Così come lo sono gli altri elementi, che rappresentano aspetti di una vita quotidiana, bucolica, a stretto contatto con la natura e “materna”. Entrambi i mondi sono in contatto, speculari. Lo testimonia la mela, elemento ricorrente nei quadri del pittore polacco, divisa a metà. Da notare che la dimensione che noi vediamo come quella “vera” è quella cupa e grigia, ma dall' altro lato c’è un mondo fatto di colore, basta solo cambiare la prospettiva. Ho scelto Yerka perché sintetizza nella contemporaneità tutti i tratti di artisti e correnti del passato che amo molto: c’è il realismo fiammingo di Bosch e Bruegel, c’è l’uso del colore e delle forme di Cézanne e Klee e soprattutto il surrealismo dei grandi Dalí e Magritte. Insomma, con le sue opere è sempre un incanto e una sorpresa continua.

Siamo in volo, la giornata è bellissima. Il cielo è limpido, qualche nuvola sporadica e... Cosaaa? Una roccia? Il dipinto in questione è ispirato dal fatto storico che avvenne nel 1918, la battaglia delle Argonne, del 1918, in cui francesi e alleati ebbero la meglio sulla compagine tedesca.
La battaglia è riassunta come la sua poetica in senso surrealista per cui alla naturalezza della pace (la nuvola) si contrappone la fredda roccia (guerra). L'immobilità degli elementi e le tonalità evidentemente pensate creano un attesa di speranza che la natura avrà il soppravvento sulla forza bruta. Grazie al Colore rassicurante, incoraggiante persino un pericolo come un masso di quelle dimensioni non spaventa.
L'esecutore, René Magritte è stato uno dei più grandi pittori del Belgio è tra i massimi esponenti del surrealismo. È noto con il soprannome “le saboteur tranquille” per la sua capacità di insinuare dubbi nel reale, rappresentando soggetti apparentemente realistici che però stupiscono per dettagli misteriosi che conferiscono all’opera un significato nuovo e insolito. Confermi gareggiante?

Sì Mrnace. Uno degli aspetti che maggiormente mi fanno apprezzare Magritte è la sua capacità di dipingere ciò che rappresenta in quel suo modo a metà tra il realistico e il fantastico: ecco allora la verosimiglianza della campagna, ritratta con davanti a sè un mare (di acqua o nebbia non è chiaro), e la fantasiosità del cielo, con una nuvola, uno spicchio di luna e un grande sasso che si libra nell'aria, contrariamente ad ogni legge fisica.
Bellissimo il blu intenso sopra ai tre oggetti (nuvola, luna e sasso), l'azzurrino sottostante e poi quella striscia colore caldo ad indicare l'alba in corso. Misterioso e confortante al tempo stesso.

Continuamo con il nostro volo intercontinentale e sorvoliamo le nostra bella Italia. E' l'autunno fuori e ci rapisce con la sua magia e il suo foliage. Chiediamo dettagli all'alter ego di un bravissimo fotografo.

Il mondo che ho deciso di voler rappresentare in questo viaggio a museo RH è la fotografia, non una qualunque, ma più precisamente quella paesaggistica.
Fotografare la natura sta assumendo nel tempo una connotazione un po' spicciola, tra social e fruibilità, ma è in realtà secondo me una delle forme d'arte più pure, in quanto l'espressione della mutevolezza naturale, si connette facilmente alle emozioni dello spettatore, e saperla catturare è in realtà una combinazione di diverse abilità e caratteristiche, che rendono il fotografo un artista.
Fotografare la natura è anche una mia passione, specialmente la montagna, ed è per questo che ho voluto cercare di presentarmi con uno tra i migliori fotografi a me noti, ovvero Max Rive. Come me si trattava di un semplice studente innamorato dei viaggi, delle montagne e della macchina fotografica, ma a differenza mia, lui ha saputo trasformare questa passione in arte e professione.
Per il tema dei colori ho fatto una scelta istintiva, e sono ricaduto sui suoi servizi nelle Dolomiti, che per me sono come una seconda casa. La foto che ho scelto è "Afternoon at St. Johann Church" e si tratta di una cattura di un nebbioso pomeriggio d'autunno di questa pittoresca chiesa, alla base delle meravigliose Odle.
L'autunno è sempre stato il periodo di mutazione, in cui la natura si dipinge e prende in realtà vita cromaticamente proprio nel momento in cui sta lentamente decadendo in termini fisiologici. E secondo me proprio questo riesce a far risaltare l'importanza del colore, nella vita e nella fotografia. Il modo in cui l'arancione dipinge gli alberi, cattura l'occhio della spettatore, destando la sua curiosità e la sua meraviglia per la mutevolezza di un paesaggio che prima era spento. Max gioca con il contrasto dato dalla nebbia, il grigiore dello sfondo che nasconde l'imponente montagna, permette di rendere ancora più protagonista il processo di tinteggiamento del bosco e della natura.
In termini tecnici, saturazione ed equilibrio cromatico sono il punto chiave di questo scatto. Gli stessi colori autunnali , richiamano quelli antropologici della chiesa, tracciando un fil rouge dal punto di vista cromatico non indifferente, e rendendo la chiesa stessa, frutto dell'uomo, una componente essenziale del paesaggio naturalistico.
Per me la centralità del colore nell'espressione su pellicola della stagione autunnale, è in realtà concettualmente e visivamente più forte ed intrigante di un tramonto, di un arcobaleno, di una combinazione di colori accesi. Il modo in cui ha catturato questo passaggio mi emoziona.

Alex Prager, Crowd #7 (Bob Hope Airport), 2013
Jacek Yerka, Tangeri Dream, 2008
René Magritte, La battaglia delle Argonne, 1959
Max Rive, Afternoon at St. Johann Church
John Everett Millais, La ragazza cieca, 1856
Edvard Munch, Edera Rossa, 1898-1900
William Blake, Beatrice si rivolge a Dante da un carro, 1824-1827
Banksy, Unwelcome Intervention, 2005

Le didascalie ingannano, cambiando appositamente il formato e l'approccio da un gareggiante all'altro. Chi è chi?
Vi ricordo i Benefici utilizzabili (da comunicare privatamente)
Narciso: primo posto nella top5
Bari: postare una fake top5
Buona Ventura: punti bonus
Bacco: quarto posto nella top5

Buona visione a tutti, avete tempo fino a Mercoledì 25 ore 12.00 per la vostra top5.

@KassaD1 @xello @amers @Casadelvino @Emm @Waves of Music @mrnothing @Alby @NotturnoManto @monechiapi 

Ciao ragazzi, grazie mille... Siete stati tutti bravi, anche viste sul telefono le proposte son proprio belle belle

Sì, vi ricordo, siete in incognito (qualcuno sta scomodo con quella camicia ottocentesca?)

Ricordo a tutti i benefici che valgono SOLO per una sala e NON VANNO PALESATI ma comunicati in privato, altrimenti perdono il loro senso che è confondere

narciso, la mia opera è in assoluto la più bella e mi metto al primo posto della TOP5

bari, posto una faketop5 e comunico in privato quella giusta 

buona ventura, cumulabile con gli altri, ho dei punti bonus

bacco, mi nascondo come Caravaggio nel dipinto e mi metto al quarto posto in una TOP5

Pensateci, non c'è fretta.. Potete commentare le top5 come nelle Sale di Prova o no, insomma fate come vi pare (che è il mio motto da sempre)...

Opinionisti? Tutto bene, ci siete?

@xello 

@KassaD1 

Bene, ecco cosa si nasconde dietro le vostre due shopper Caravaggesche. Per scoprirlo dobbiamo guardare nel dettaglio i dipinti riprodotti sopra le stesse. Cominciamo da Ragazzo morso da un ramarro, 1593

Logicamente dietro la tela c'è un significato simbolico: il morso della lucertolina allude alla delusione e ai pericoli della vita, all'insidia che si nasconde dietro l'angolo, che ci aggredisce all'improvviso, quando non ce l'aspettiamo. Ma noi del MuseoRh, più pratici e superficiali, guarderemo ad altro. Il ramarro ha appena morso il ragazzo, quindi **** **** Ahia che male...
Ecco xello la prima Opinione per te è l'Opinione Ahia! (in realtà avevo pensato a un'altra parolaccia, ma per evitare di chiudere prima ancora di cominciare ho cambiato subito): quando un'opera non incontra il tuo gusto, non la trovi pertinente con il tema della Sala o comunque ti sembra la meno a fuoco puoi giocarti l'Opinione Ahia! e al gareggiante verranno sottratti 3 punti dalla classifica. Puoi esprimerla liberamente sul topic.
Ma hai anche un Opinione premiante a disposizione: l'Opinione Rosa. E' così bella, sola nel vaso. La più profumata, appena colta. Con l'Opinione Rosa puoi premiare regalando tre punti in classifica all'opera che ti è piaciuta maggiormente. Anche per questa basta scrivere in topic l'Opinione e il dipinto/foto/illustrazione in questione.
Non è obbligatorio usarle entrambe, ad esempio se sei incerto fra due o tre opere migliori e non riesci a decidere puoi segnalare solo la "peggiore" o viceversa, se ritieni che tutte siano meritevoli puoi evitare l'Opinione Ahia! e scegliere di premiare la "migliore" con l'Opinione Rosa.