Il tema di questo gala è stato abbastanza ostico ma fin da subito ho avuto in mente che cosa proporre anche a dispetto di tutte le critiche fatte nello scorso galà.

Per questo gala ho deciso di schierare COPYCAT.Questo è un brano un po’ particolare, probabilmente possiamo considerarlo un anello di congiunzione tra il suo primo EP ed il suo ultimo album per la musica e la produzione.

A dispetto dei brani giocati fin ad ora, questo brano è molto più cupo e oscuro, il testo parla di gente falsa ed emulatrice, di gente che cerca di non essere se stessa cercando di imitare altre persone al fine di magari di rendersi più accettabili. Non mancano nel testo i vari riferimenti a tutte quelle persone che cercando di copiare il suo stile e i suoi comportamenti.

La musica e la base sono molto d’impatto e infatti rendono il testo molto più forte e cercano di rendere il messaggio molto più chiaro e conciso, infatti non a caso il titolo della canzone è scritto in maiuscolo.

Probabilmente Billie in questo pezzo è davvero arrabbiata con queste persone infatti più di una volta ho provato un senso di ansia, minaccia, senso di inquietudine che accompagna quasi tutta la canzone. Ho detto quasi perché per circa 30 secondi dal minuto 2:00 la canzone si ferma e la musica diventa molto più dolce, tranquilla e rilassante anche grazie al tono della sua voce, proprio per cercare di non appesantire tutta la canzone.

Personalmente non sono solito ascoltare questa canzone, ma per una questione di stile e di emozioni. Essendo già di mio una persona abbastanza ansiosa non tendo ad ascoltare canzoni molto cupe, con musica e produzioni cosi forti, anzi in alcuni punti trovo la musica forse troppo eccessiva magari e forse supera magari il messaggio che vuole trasmettere. In particolare la parte del ritornello (dove trovo la musica particolarmente psichedelica) la trovo molto inquietante, nel senso buono del termine.

Ho trovato questa scelta coerente perché trovo la musica e la produzione pazzesche in questa canzone, non si poteva scegliere canzone migliore per innescare nell’ascoltatore medio un senso di ansia e poi di dolcezza sempre nella stessa canzone e Billie ci è riuscita perfettamente. Coerentemente ho voluto mostrare un lato di Billie molto più oscuro, cupo ma ho voluto anche ancorarmi sempre al lato dolce che contraddistingue e che preferisco di Billie.

Il 2012 è stato un anno buio e la mia playlist ne ha fortemente risentito, era formata quasi interamente da pezzi tristi e malinconici che mi lasciavano crogiolare nel dolore. La musica non mi stava aiutando molto.

Dopo aver scoperto Thrift Shop nel 2012, ho iniziato ad ascoltare l’intera discografia di Macklemore. Uno dei primi pezzi che ho scoperto è stato proprio And We Danced, che per quanto fosse di forte impatto, mi era sembrato un pezzo troppo allegro e spensierato per poterlo capire completamente. Mi sembrava impossibile apprezzarlo fino in fondo, in quanto non mi ci potevo immedesimare per lo stato d’animo che avevo in quel momento. Alla fine questa era solo una canzonetta che ascoltavo di tanto in tanto per rilassarmi, ma cosa poteva lasciarmi di concreto?  

Nonostante la mia chiusura mentale, ho iniziato ad ascoltarla molto spesso, ritrovandomi a canticchiarla e a ballarla senza rendermene conto. Mi sono accorto che ascoltare solo ed esclusivamente ballate struggenti o pezzi cupi e introspettivi non mi rendeva diverso dagli altri, mentre ascoltare un pezzo di questo genere mi dava una carica che non riuscivo ad ottenere in nessun’altro modo.

Musicalmente è un brano esaltante come pochi, tant'è che anche il testo passa in secondo piano. Sarà stato il ritmo trascinante, il ritornello orecchiabile, i suoni pop ed elettronici, ma per quattro minuti riuscivo a non avere pensieri negativi e a godermi della buona musica. Quando partiva la potentissima intro strumentale avevo soltanto voglia di fare baldoria, ballare e uscire dalla mia stanza. 

Non so se mi capirete, ma avete presente quella carica esplosiva che sentite quando ascoltate delle musica che vi comunica qualcosa? Mentre ballavo e cantavo And We Danced mi sentivo capace di spaccare tutto, eliminare ogni pensiero negativo e di certo sentivo di ballare molto meglio di Susy Fuccillo e Roberto Bolle messi insieme.

Ovviamente rimaneva pur sempre una canzone, non ha avuto il potere di farmi superare quel periodaccio, ma per qualche minuto era bello farsi trascinare da quella musica così coinvolgente e immaginare di ballarla con gli amici che in quel momento non avevo. Ascoltarla era un po’ come andare in terapia con Macklemore, mi faceva sfogare e stare meglio. 

And we cried
And we laughed
And had a really, really, really good time
Con questa canzone in effetti ho ballato, ho pianto, ho riso e mi sono divertito.

Inizio con il ringraziare tutto il pubblico per avermi salvato (se leggerete ciò significa che sono andato avanti , altrimenti beh siete tutti cattivi ). Per questo terzo gala ho scelto una delle canzone che preferisco di Stromae : Carmen.

Dal punto di vista personale apprezzo molto questa canzone di Stromae poichè l'artista non si limita al solo uso di simboli, immagini, parole (come suo solito) per esprimere il messaggio, ma parte dalla scelta di una determinata base musicale. 

Carmen è infatti la rivisitazione di una delle arie liriche più famose al mondo, ovvero l'habanera della carmen di Bizet. Ho fatto questa scelta poiché penso che la canzone sposi bene il tema del gala per diversi motivi, in primis,  la sonorità è molto coinvolgente , si riconosce sempre lo stile dance\elettronico di Stromae ma grazie all'ispirazione classica trovo che sia anche molto particolare e quindi di gran impatto; in secundis (si sto parlando in latino ) come ho detto precedentemente, il motivo della scelta di questa aria (quindi della base musicale) non è casuale ma bensì ben pensata.

La canzone infatti punta a ribaltare il messaggio d'amore della classica versione lirica. Mentre nel capolavoro di Bizet viene messa in scena un'appassionata storia d'amore (anche se turbolenta), nel brano dell'artista belga, la storia d'amore è avvelenata dalla ormai dilagante mania dei social network. Nel video infatti si può riconoscere che a dare inizio alla base è l'uccellino di twitter, che si presenta al giovane come un amico innocuo e tenero, ma per poi diventare sempre più ingombrante nella vita quotidiana (dal postare una cena, un film, un momento d'intimità), a tal punto di renderlo suo schiavo.

Questo porta alla luce il vero messaggio che Stromae vuole far veicolare, l'alienazione del genere umano al giorno d'oggi, rappresentato sia nella scena dell'incontro con la bambina (l'incapacità di stringere amicizie reali) e sia nella scena finale, dove ormai tutti (anche personaggi notevoli) sembrano semplici macchine indirizzati verso una fine vuota. Molto suggestiva anche la scena in cui l'uccellino ricomincia il suo "lavoro" dalla bambina , che sta a indicare come questa situazione è in un loop senza fine.

Il mio pensiero su questa tematica è abbastanza concorde (odio infatti alcuni tipi di social) , ormai si dà sempre più importanza all'apparire, all'essere e non a quel che si è, non si godono più alcuni momenti , ma si "gode" solo in relazione al numero dei "mi piace" ricevuti. Detto ciò non condanno assolutamente i social , che usati in maniera misurata e giusta, sono una grandissima fonte di ricchezza, ma condanno la società di oggi che porta tutto all'eccesso , perdendo così numerosi valori.

Valori che però la musica (tema di questo gala) e artisti come Stromae cercano di esprimere in maniera eterna.

Quando ho scelto Melanie nella mia testa si stava già delineando il percorso da fare. Non è stato per nulla facile arrivare a questa decisione, perché a primo impatto Melanie può sembrare un personaggio troppo complicato e costruito, però sono convinto che per capire un progetto bisogna entrarci dentro completamente, capirne i passi e gli interrogativi.

Melanie è una ragazza di ventiquattro anni come tante altre, ma che ha avuto la fortuna di incontrare la musica. Melanie non ha paura di raccontare la sua storia e le sue debolezze, debolezze che si riflettono nelle storie di milioni di ragazzi adolescenti (e non solo). Ed è solo grazie all'immedesimazione che si può veramente capire chi è Melanie Martinez. Nella sua musica troviamo lo scontro continuo tra il bene e il male, l'alternarsi dell'infanzia e della maturità. Attraverso il suo linguaggio e anche attraverso la componente visiva, è in grado di raccontare in modo diretto e sincero quella che è l'adolescenza, con tutti i suoi pregi e i suoi difetti.

Per questo Gala ho deciso di riportare al centro il tema dell'amore, raccontato grazie a Carousel, un brano che può contare su una produzione insolita, caratterizzato da rumori sinistri e atmosfere circensi. Può sembrare una scelta azzardata, ma ho deciso di portare questa canzone perché credo sia una vera chicca all'interno della discografia di Melanie e soprattutto a livello sonoro, credo possa essere qualcosa di unico in questo Gala. La produzione non è invasiva, probabilmente non così esplosiva, tuttavia la vera essenza del brano si trova proprio nella parte musicale. Senza di essa il brano non avrebbe la stessa forza, e non risulterebbe così originale e particolare. L'accompagnamento musicale infatti, dona al pezzo un'atmosfera terribilmente ipnotica, tanto seducente quanto macabra, esaltando ancora di più il testo. Inoltre nel brano percepisco anche una vena piuttosto malinconica che si sposa perfettamente con il ritmo, e che nel bridge è ancora più evidente.
La musica così evocativa, sembra così avvolgere l'intero brano con un alone di mistero.

Grazie all'utilizzo della fisarmonica e delle percussioni, la canzone richiama appunto un ambiente circense, tanto da essere scelta come colonna sonora della quarta stagione di American Horror Story, serie televisiva di genere horror, tra le più celebri degli ultimi anni.

La storia è incentrata sui sentimenti che Cry Baby prova per un ragazzo che, però, non la corrisponde.
Il testo parla di un amore irraggiungibile a tal punto da tenere l'artista imprigionata. Melanie lo paragona ad una giostra che gira su se stessa, dove è impossibile raggiungere il cavallo successivo. Melanie è così bloccata in un circolo vizioso, reso con la metafora della giostra, da cui non riesce ad uscire.

Il fulcro dell'intero brano è il ritornello, nel quale Melanie, con un tono visibilmente rassegnato, dice di sentirsi come se fosse incastrata, e sembra sempre così vicino a ciò che ama, ma alla fine non riesce mai a raggiungerlo e ad afferrarlo :

"Round and round like a horse on a carousel, we go,
Will I catch up to love? I could never tell, I know,
Chasing after you is like a fairytale, but I,
Feel like I'm glued on tight to this carousel"

Nella seconda strofa, parla di questo "amore", che inizialmente sembra magico ma che si rivela solo tossico. Si ritrova così in un rapporto unilaterale, nel quale solo Melanie è veramente coinvolta :

"Oh, come, take my hand
And run though playland
So high, too high at the carnival
And it's all fun and games,
'Til somebody falls in love,
But you've already bought a ticket,
And there's no turning back now"

Questa traccia può essere così definita come una canzone autobiografica, ed è stata scritta dopo la rottura con il suo primo ragazzo.

Grazie al video musicale che accompagna il brano ci immergiamo in un mondo psichedelico, fatto di luci e colori. Lo scenario è un luna park di notte e il risultato è in pieno stile Martinez. Qui si susseguono una serie di scene che riportano a racconti horror, come sparizioni improvvise e bambole voodoo. 

Ho scelto questo brano perché lo considero un po' come il proseguimento della mia storia in Soap, ed è per questo che riesco ad immedesimarmici con estrema facilità.
Infatti una volta che ho confessato i miei sentimenti a questa persona, la relazione ha preso una piega inaspettata. Dall'altra parte, dopo un iniziale rifiuto, sembra esserci stato un ripensamento, ma è come se in qualche modo questa storia si fosse bloccata da quel momento in poi. Mi sento a mia volta come se fossi su una giostra che continua a girare a vuoto e mi sembra di non riuscire mai a saltare sul cavallo successivo.

Quando ho letto velocemente il tema ho pensato: Oddio ma ora devo rivedere tutte le mie idee e dovrò proporre L'Aiuola! Poi ho ragionato, letto meglio e mi sono tranquillizzata.

Quando ho deciso di portare Grignani l'ho fatto per un motivo affettivo ma soprattutto per provare a fare conoscere un suo lato che pochi conoscono.

Il primo pensiero è stato portare un altro pezzo de La fabbrica di plastica, però poi ho ascoltato Campi di popcorn e ho deciso che non potevo non proporre un pezzo di quel disco. Campi di popcorn è il suo terzo album, musicalmente il seguito perfetto de La fabbrica mentre a livello testuale c'è forse più maturità anche se i messaggi non sono sempre immediati.

E dopo alcune indecisioni la scelta è ricaduta su Scusami se ti amo, canzone che riesce a coniugare testo e musica in maniera quasi perfetta. Ritengo il testo uno dei suoi migliori ma senza la sua musica non avrebbe avuto lo stesso effetto disarmante.

Il pezzo è una dichiarazione d'amore in stile Grignani, senza troppi fronzoli e diretta, senza essere dolce nel modo classico ma allo stesso tempo traspare dalle sue parole un amore sincero e incondizionato.
Inizio lento, dove possiamo lasciarci trasportare e pensare quasi a un lieto fine di questa storia, lui la ama e glielo dice quasi con timore. Però Gianluca ci ricorda che l'amore non sempre è semplice e per alcuni motivi non dovrebbe più amarla. In quel passaggio è soprattutto la musica che ce lo ricorda: i suoni diventano più decisi e predominanti, incalzanti in un crescendo musicale ipnotico. Un rock deciso, magnetico.

Grignani mi trasporta nel suo mondo, che spesso è stato anche il mio, di un amore travolgente ma straziante e quasi alienante. Un amore che fa male perché si ha la consapevolezza che finirà, Gianluca non lo esplicita ma la musica sì, perché non può esserci lieto fine nonostante lui la ami completamente ma si scusa perché sa che lei l'ha già persa.

E il Se ti amo ripetuto e urlato, con le chitarre che esplodono e logorano, perché in fondo lui sa di non essere ricambiato. E la sua speranza termina con la musica che si placa. Insieme all'illusione del lieto fine.

Il tema di questo gala mi ha messo in difficoltà. Quando ho letto l'assegnazione ho subito pensato di scegliere una ballad, ma dopo essermi confrontato con il mio tutor mrnace, grazie ai suoi input, ho optato per qualcosa di totalmente opposto.

Il brano che vi propongo oggi è "Scheiße", settima traccia del secondo album in studio di Lady Gaga, "Born this way", pubblicato nel 2011. Senza dubbio fra le canzoni più "folli" della sua discografia.

La base eurodance influenzata dal genere electroclash, si scontra con un frenetico ritmo techno... generi e sottogeneri che presero vita e si diffusero in Germania, la terra attorno alla quale ruota questo pezzo.

Il punto focale del brano è infatti l'utilizzo di due strofe in finto tedesco ripetute più volte per tutta la durata della canzone.

Ich schleiban austa be clair, es kumpent madre monstère,
aus-be aus-can-be flaugen, begun be üske but-bair.

Ich schleiban austa be clair, es kumpent üste monstère,
aus-be aus-can-be flaugen, fräulein uske-be clair.

Non un vezzo inserito a caso. Gaga si serve di un linguaggio "immaginario", spigoloso, che ricordi il tedesco, per donare musicalità al brano. Una lingua che richiama il luogo e le circostanze ad aver ispirato il brano.

In un'intervista del giugno 2011 Gaga afferma che "Scheiße" nacque dopo un party al Lab.Oratory, un nightclub di Berlino. Il titolo è una reale parola tedesca, l'equivalente di "shit" in inglese, con un'ambivalenza di significato, usata sia come imprecazione che come esaltazione di un concetto.

Impossibile quindi non sottolineare il tema del pezzo, la liberazione femminile, la celebrazione della forza delle donne che non vogliono sottostare ai dettami maschili e lottano per i loro diritti.

Now there's objectified, by what men say is right (...)
Express your woman-kind fight for your right.

Il beat ossessivo, il ritmo calzante e la potenza dell'arrangiamento costellato di synth sincopati trasmettono alla perfezione i concetti di potenza e libertà, tanto che la canzone non avrebbe quasi bisogno di essere supportata dal testo per trasmettere il proprio messaggio. È l'istinto a prendere il sopravvento.

When I am on a mission, I rebuke my condition
If you're a strong female, you don't need permission.

A "Scheiße" lego il ricordo del mio primo e finora unico concerto di Gaga, la data al Mediolanum Forum di Assago del "Born This Way Ball Tour" del 2 ottobre 2012.

Quando penso a quel giorno, la prima canzone che mi viene in mente è proprio questa. Il boato del pubblico alla partenza di questo brano fu forse il più rumoroso di tutta la scaletta, il sottofondo perfetto per un momento di inebriante e liberante felicità.

Non nascondo che questa tema mi abbia messo davvero in difficoltà: una delle caratteristiche che più apprezzo delle canzoni di Kelly è proprio il testo e non è stato semplice analizzare quale canzone potesse lanciare un messaggio preciso solo grazie alla musica.
Fino alla fine sono stato indeciso su quale canzone portare, ma poi mi sono convinto a portare People Like us.
Non è la tipica canzone che ti aspetteresti da una come Kelly: inizialmente si sente questo messaggio quasi futuristico che ti fa dire "Wow, cos'è successo a Kelly?", poi ritorni alla realtà con un suono tipico delle sue canzoni perché molto intimo e dolce. Tutto poi viene spazzato via con un ritornello forte, travolgente e trascinante.

Se dovessi fare un parallelo con altri suoi brani, direi che People like us potrebbe essere una versione più innovativa e moderna di Stronger. Però, bisogna dire che lancia un messaggio totalmente diverso: quanti di noi si sono sentiti diversi e non accettati in un contesto in cui eravamo gli unici ad avere una determinata particolarità che ci rendeva strani rispetto agli altri?
People like us è un inno all'unità: non sentiamoci soli quando effettivamente non lo siamo, pur avendo qualcosa che ci rende differenti, non dobbiamo pensare di essere un caso isolato. Ci saranno tante persone con la nostra stessa particolarità, magari viviamo soltanto in un contesto diverso in cui questa caratteristica diventa come un'etichetta che viene vista come qualcosa di negativo.
Basta solo cambiare contesto per capire che non siamo soli: esistono tante Persone come noi e, unendoci a loro, possiamo sconfiggere chi ci ha sempre visti come qualcosa di diverso.
Pur iniziando lentamente, la canzone esplode nel ritornello: qui è il punto chiave che mi ha fatto pensare all'unità e allo scoprire di non essere tanto diversi da tutti gli altri. Dopo, però, abbiamo un ritorno a un ritmo più cupo come a sottolineare che il passaggio verso la collettività non è tutto rose e fiori.

Uno dei momenti in cui mi sono sentito quasi fuoriluogo e diverso dagli altri è stato durante i miei anni al liceo: non è stato facile essere uno dei pochi della classe ad avere la passione per lo studio. Mentre tutti parlavano di calcio o di fumo, io me ne stavo con pochi altri a studiare o a fare i compiti per il giorno successivo. Quando c'erano le lezioni ero uno dei pochi che le seguiva, che non ridacchiava o che semplicemente portava rispetto a chi stava spiegando. Potrebbe essere banale, però, non ho mai capito per quale motivo un ragazzo studioso dovesse essere visto diverso dagli altri. Nella mia scuola funzionava tutto al contrario: chi non studiava, era visto come un fighetto da elogiare; mentre chi si applicava per ottenere qualche risultato veniva quasi lasciato da parte.

Fortunatamente, la mia svolta è arrivata quando sono andato all'università: qui ho davvero capito di non essere diverso dagli altri, ho trovato tante persone che condividono le mie stesse passioni e non devo più sentirmi speciale o diverso. Qui è dove ho avuto il mio passaggio da grigio a colore e la mia Kelly Clarkson è stata proprio l'università!

Cari giudici e prof, non nascondo che il tema di questo gala mi ha messo molto in difficoltà. Ho pensato subito che il mio amato Ed fosse un cantautore e, come tale, la sua forza espressiva risiedesse soprattutto nei testi. In realtà però mi erano subito balenate possibili canzoni in mente, dove al testo si univa anche un accompagnamento musicale che ti colpisse dentro. Dopo un bellissimo consulto con il mio tutor, ho deciso alla fine di optare per I see fire.

I see fire è il brano composto da Ed, come colonna sonora del film “Lo hobbit - la desolazione di Smaug”.
È un brano molto semplice dal punto di vista musicale visto che ha soltanto una linea melodica della chitarra ad accompagnare la voce di Ed. Sappiamo tutti però che molto spesso less is more, ed io direi che è proprio questo il caso. Il riff che accompagna il brano è uno di quelli a mio avviso indimenticabili, che ti colpiscono subito e richiamano la tua attenzione. La canzone parte in maniera lenta e malinconica con la voce di Ed fino a che non è raggiunta al secondo 31, dopo la fine della prima strofa,dall'ingresso della chitarra. L’ingresso dona dolcezza e pienezza a quella che sembrava una sorta di ode malinconica, che invece si trasforma in qualcosa di più intimo e rilassante.

Se guardiamo al testo della canzone ci accorgiamo subito che i riferimenti sono al film, nonostante ciò anche per chi non ha visto il film è facile appassionarsi comunque proprio perché l’aspetto musicale è predominante e colpisce subito. Tornando proprio a parlare di questo, vi faccio notare quanto l’intesità della chitarra aumenti sempre più dopo l’inizio un po’ più lento, fino a raggiungere il climax finale nel bridge che poi raggiunge il suo apice nel ritornello arricchito dalla presenza di cori (dal minuto 3:31 fino alla fine del brano). Per quello che mi riguarda si passa da una sensazione di calma ad una sorta di grido disperato, ma non è quell “I see fire” il grido, bensì quell’incessante aumento dell’intesità musicale che ti porta poi ad arrivare ad assaporare una sensazione piena di malinconia.
È una canzone a mio parere epica, perfetta colonna sonora del film per cui è stata scritta. In più sono molto legata a questo brano perché è stato il primo di Ed che ho imparato a fare bene alla chitarra.

Per il momento, Il mio percorso con Ed sembra legato ad una sorta di filone cinematografico (tra lo scambio con l’attore di Harry Potter e la scelta di un brano colonna sonora). Vi faccio notare questo per dire che la mia passione musicale per Ed, è nata ed è cresciuta in maniera abbastanza particolare. Io sono sempre stata una fan del Signore degli Anelli e quindi avevo guardato il primo prequel del “Lo Hobbit”. Quando ho scoperto che l’autore, della canzone principale del secondo film, sarebbe stato Ed l’ho percepito come una sorta di segno. Il cantante che stavo iniziando a conoscere ed amare sempre di più (in quel periodo avevo preso i biglietti per il suo concerto a Roma), era in un certo senso legato a doppio filo alle mie saghe preferite. Si può chiedere di meglio? Io credo proprio di no

Ora mi rivolgo come sempre ai giudici, ai prof e al pubblico: spero che questo secondo episodio del mio rapporto con Ed vi sia piaciuto. So che ancora una volta ho scelto qualcosa di mainstream e che vi avevo promesso un Ed diverso, ma se mi date fiducia vi prometto che ve lo farò conoscere!

Music first è la parola d’ordine di questo terzo Gala e non potevo non schierare il brano di Mia che, a mio parere, più fonda la sua essenza sulla sua composizione musicale.

Pubblicato in Italia nel 1973, ‘Minuetto’ vede la collaborazione di due grandi nomi: Franco Califano per il testo (anche se prima di lui ne avevano tentato la scrittura Maurizio Piccoli, Bruno Lauzi e Luigi Albertelli) e Dario Baldan Bembo per la composizione musicale.

I cori invece, altro elemento caratteristico di questo brano, vedono la collaborazione di Bruno Lauzi, Maurizio Fabrizio, Loredana Bertè e Adriano Panatta.

Il brano è presentato qui nella sua versione in lingua francese ‘Tu t’en vas quand tu veux’, pubblicato per il mercato francese nel 1974 (a fronte del grande successo che ebbe la versione italiana anche all’estero). La scelta di presentare il brano in francese nasce dalla mia volontà di far conoscere una versione magari inedita a molti, in una delle lingue (insieme all’arabo) che personalmente trovo essere la più musicale al mondo e in una lingua meno ‘immediata’ dell’italiano che potesse far concentrare l’attenzione su quello che è l’elemento di forza del brano (nonché l’elemento chiave di questo Gala).

Dario Baldan Bembo crea per Mia e questo brano una partitura musicale complessa, dove si fondono chitarre, tastiere, basso, piano e batteria e diverse influenze musicali (da Bach alle ballate pop d’oltreoceano). La composizione musicale, rivisitazione moderna di un minuetto (danza originaria della Francia il cui nome deriva da ‘pas menu’, i piccoli o minuti passi che caratterizzavano la danza), si tramuta in una ballata lenta e malinconica.

Il ritmo cadenzato del pezzo sottolinea in modo funzionale le ore tutte uguali vissute dalla donna protagonista del brano (schiava di un uomo che non fa che prendere ciò che vuole lasciandola ogni volta sola) e il crescendo musicale del brano non è altro che lo specchio dell’altalena emotiva della protagonista stessa. La donna, infatti, passa dal giustificare il proprio partner affetta da un’insana dipendenza affettiva a provare forti sentimenti di solitudine e dolore a causa di quello stesso uomo.

Mais trop souvent j'ai peur
Peur de la solitude
De ce grand vide où disparaît mon cœur
Je suis là à mendier ton amour
Enchaînée depuis le premier jour
Devant toi je suis sans volonté
Je suis prête à tout accepter et je m'en veux
Chaque soir est une longue attente
Une agonie lente
Jamais tu n'imagines un seul instant
Combien je suis seule et perdue
Dans la vie
Toi tu viens en passant
Et tu t'en vas quand tu veux
Je suis là qui t'attends
Et tu t'en vas quand tu veux
Je te plais tu me prends
Et tu t'en vas quand tu veux
J'oublie l'heure et le temps
Et je suis à toi
Rien qu'a toi
Même quand tu t'en vas, rien qu'à toi
Complètement, rien qu'a toi

Sul finale il ritmo cadenzato lascia spazio ad un ritmo differente e più lento, dal sapore malinconico; la protagonista, infatti, arriva alla consapevolezza dell’impossibilità di un epilogo positivo per quella storia d’amore in cui aveva fortemente creduto e si abbandona all’amarezza per il tempo perduto.

Mais rien ne se dessine à l'horizon
Tous mes rêves meurent au petit jour
Combien de fois m'a-t-il semblé perdre la raison
Que de chagrin m'as tu donné pour un peu d'amour
Je n'ai jamais plus profité de rien
Et tu es là indifférent à tout
Je n'ose pas imaginer que sera demain
Mais je ne pourrais pas te perdre
Et je te suivrai partout
Je passe mes jours à pleurer mon tort d'entendre
Je ne sais pas bien où je vais
Je cherche à comprendre
Je ne peux me passer de toi
Et je pleure, je pleure et je t'aime
Bien tu peux partir quand tu veux
Pourvu que tu viennes

E la vita sta passando su noi, di orizzonti non ne vedo mai!
Ne approfitta il tempo e ruba come hai fatto tu
il resto di una gioventù che ormai non ho più...
E continuo sulla stessa via, sempre ubriaca di malinconia
ora ammetto che la colpa forse è solo mia
avrei dovuto perderti, invece ti ho cercato.
Minuetto suona per noi, la mia mente non si ferma mai.
Io non so l'amore vero che sorriso ha...
Pensieri vanno e vengono, la vita è così...

L'ambizione, la libertà, la felicità.

Audioguida (cit.)
Nel 1971 Fabrizio De André pubblica un concept album ispirato all'Antologia di Spoon River di Edgar Lee Masters, raccontando in nove brani la vita vissuta da alcuni ospiti di un cimitero, e lo chiude con il brano che ho deciso di sottoporre al vostro ascolto, Il suonatore Jones. É un album MERAVIGLIOSO!

Jones ha scelto di destinare la sua esistenza all'inseguimento della sua passione: vuole suonare come e quando vuole, accontentandosi di coltivare il suo piccolo terreno solo quando capita. Vuole andare in giro, stare in mezzo alle persone, suonare alle feste, vedere ballare. Vuole essere libero.

Un po' come il giovane Faber che ha abbandonato la facoltà di giurisprudenza per "fare il cantautore".
Un po' anche, con le dovute proporzioni, come un altro ragazzo che la laurea in legge l'ha presa, ma ha abbandonato quella strada per inseguirne una più romantica, meno sicura ma che privilegiasse l'affermazione umana e di coppia, un lavoro da svolgere fianco a fianco, anziche quella più ambiziosa e concreta per la gioia anche di mammà e papà.

(Io Jones non lo volevo portare, sapevo che sarebbe finita così.)

Il suonatore Jones, un violinista nell'originale testuale, un flautista nel nostro caso, potrebbe tranquillamente intitolarsi Il sognatore Jones: un uomo che sa vedere nella polvere la ruota di una gonna che volteggia al rirmo di una danza di paese.

E la musica, la danza, le note, l'atto del suonare, il compiacimento dell'ascolto, lo strumento come compagno fedele della vita e diventa poi personificazione della vita stessa, permeano dall'inizio alla fine il brano, che ho scelto come "Music first" proprio perché il testo, ed il concetto alla sua base, non avrebbero avuto la medesima efficacia a condizioni diverse.
D'altronde é la storia di un musicista posseduto da un fuoco, da una passione bruciante.

Nel citare doverosamente l'arrangiamento, tra gli altri, di Nicola Piovani, premio Oscar per La vita é bella, tre passaggi musicali necessitano menzione.

L'intro del brano. Le note scandite in maniera così netta creano l'attesa, il pathos del racconto: personalmente (opinabilissimo, quindi) ci ho sempre visto come il ticchettio di un orologio, che scandisce tutte le vite, ma non quella di Jones che ha scelto un'altra via, e infatti quando comincia a raccontarsi l'atmosfera mi giunge rarefatta, quasi sovradimensionale.

L'assolo di flauto centrale. Jones ha scelto la sua strada, quell'assolo puo essere inteso come un'esibizione a una festa di paese, o come tutta la sua vita, la vita che si é scelto. Ho sempre visto nella seconda ipotesi un'apertura ariosa, che comunica determinazione e al contempo pace. Il flauto si innesta nel tappeto musicale fino alla fine del racconto, che ci presenta un uomo che muore (il flauto spezzato) in miseria (i campi alle ortiche, da lui stesso abbandonati) ma raggiunta la vecchiaia (le risate rauche) dopo aver vissuto tutta la vita senza nemmeno un rimpianto.

L'epilogo. Cala il sipario, il flauto riprende indisturbato a suonare, ed un soprano gorgheggia fondendo la voce nella sinfonia, l'individuo nella musica. Ed io mi sciolgo generalmente in un sospiro di sollievo, perché quando vivi chiedendoti di quando in quando se hai fatto la scelta giusta, vedere che chi ha seguito il suo cuore é vissuto felice per tutta la sua vita dà un grande conforto. Anche se é solo una canzone.

Per cui grazie, suonatore Jones. Grazie, sognatore, per aver provato che quello che gli altri chiamano vento, per te é libertà, e che quello che gli altri chiamano illusione, per te è felicità.

Quando Alessandrino ha proposto il nuovo tema, mi sono trovato subito indeciso su due brani in particolare che in un certo senso si trovano agli antipodi dello spettro musicale. Il primo ha un sound molto particolare, inusuale non solo per i Coldplay ma per la stragrande maggioranza degli artisti di oggi e del passato, il secondo invece ha un sound fatto di antitesi ed emozioni. Con l'aiuto del mio coach Vike, ho deciso di tenermi il primo brano per il futuro e ho optato per il secondo, ed è dunque con piacere che vi presento "Atlas", pezzo che si può ascoltare nei crediti di Hunger Games: Catching Fire. E' un brano che mi ha stregato fin dal primo ascolto e che merita di avere molta più visibilità di quanto non lo sia in realtà. Per questa volta vi risparmierò i drammi della mia vita e mi concentrerò quasi esclusivamente sull'aspetto musicale del pezzo. 

Nella breve introduzione sentiamo il pianoforte suonare tre note che portano subito l'ascoltatore a pensare che il pezzo sia scritto in una tonalità maggiore. In realtà appena inizia la strofa si capisce che siamo in una tonalità minore. Questa cosa coglie di sorpresa l'ascoltatore, perché la nostra mente cerca sempre la perfezione e l'equilibrio, cosa che inconsciamente associamo alle scale maggiori, nonostante sia impossibile capire dalle sole note dell'introduzione la tonalità del pezzo. 

La strofa cantata da Chris e accompagnata solo dal pianoforte è malinconica e drammatica. Si parla di conflitto, di lotte, di un mondo fatto di fumo, pistole e archi, ma qualcosa si smuove verso la fine si essa. Entrano in gioco un paio di sintetizzatori che all'inizio sono quasi impercettibili, ma che lentamente crescono finché...

I'm about to explode!

La malinconia lascia spazio alla speranza nel ritornello, che cambia la tonalità da maggiore a minore. I'll carry your world: così come Atlante (Atlas) sorregge il mondo sulle sue spalle, io sosterrò te nei tuoi momenti di difficoltà. 

Si torna sulla tonalità minore nella seconda strofa, che a differenza della prima ha una base strumentale più complessa: oltre al pianoforte sentiamo già da subito i synths e anche un velo di batteria. Si parla di ciò che vogliono ottenere i colpevoli del conflitto (some search for gold, some dragon to slay) e ciò che desiderano le vittime (Heaven we hope).

Il secondo ritornello è ancora più potente del primo, più forte, più ritmato, più strumenti, più desiderio di aiutare chi è in difficoltà e sostenerlo. Si raggiunge il climax. Questa sensazione di fiducia e di determinazione è ancora più potente durante la parte instrumental, che precede la parte finale del brano.

La coda del brano si mette in contrapposizione all'introduzione: sembra che il pezzo stia per terminare in una tonalità minore e che quindi l'esito del conflitto sia negativo, che tutto sia stato inutile, ma l'ultimo accordo è, inaspettatamente, maggiore. La sensazione di appagamento che si prova quando il brano termina in questo modo è indescrivibile, fa quasi sospirare.

Atlas è un brano costruito su antitesi, alti e bassi, potenza e fragilità, speranza e sofferenza, pace e guerra. Il continuo tiro alla fune tra tonalità maggiore e tonalità minore rappresenta proprio il conflitto di cui si parla, nonché tutte queste contrapposizioni. Ma la cosa importante è che al termine di tutto ci sia un finale lieto.