La scelta più ovvia per questo tema sarebbe stato accoppiare un brano di "The fame" e uno della produzione più recente di Gaga. Non nascondo che questo sia stato il mio primo pensiero, ma arrivato a un passo dalla finale, credo valga la pena osare.

Ho perciò deciso di presentarvi un pezzo antecedente al debutto ufficiale della cantante. "Wish you were here" è una ballata inclusa in "Red and blue", EP pubblicato nel 2006 da Gaga con il suo vero nome, Stefani Germanotta, in poche copie, vendute più che altro nei suoi primi concerti nell'area di New York.

Ho voluto affiancarlo al più recente dei suoi singoli, "Always remember us this way", tratto dalla colonna sonora di "A star is born", perché a mio parere va a sconfessare una delle convinzioni che spesso ritorna fra i fan di Gaga.

Fin dalla pubblicazione di "Joanne", molti seguaci di Gaga sono rimasti piuttosto sorpresi, alcuni delusi, dal cambio così evidente di genere musicale, rispetto alle ere precedenti. "I miss the old Gaga" è una delle frasi che più spesso si leggono sotto i commenti dei suoi video, e una delle "diatribe" che impazza di più nei forum a lei dedicati.

Io personalmente non concordo. Con questa affermazione non voglio certo rinnegare la bellezza e l'importanza delle ere "The fame", "Born this way" o "Artpop", dischi in grado di influenzare il panorama pop e alzare anche le aspettative generali da un punto di vista sia musicale che estetico.

Non credo che Gaga lì fosse un'altra, o fingesse un personaggio per conquistare una certa fetta di pubblico. Gaga ha dimostrato di essere in grado di approcciarsi ai genere più disparati, dall'elettronica al rock, dal jazz all'r&b, dalla disco alle ballate, rimanendo sempre credibile e fedele a se stessa, anche con addosso i capi più strampalati del mondo. È proprio questa capacità di spaziare, e il coraggio di provocare, a farmela amare.

Allo stesso tempo però, non nascondo che il mio rapporto con lei è profondamente cambiato, e in questo senso migliorato, nel momento in cui ha tirato fuori perle più introspettive come "Joanne" o "Million reasons". Il tutto culminato poi con l'arrivo di capolavori come "Shallow", "I'll never love again" e, per l'appunto, "Always remember us this way".

Ascoltando questi pezzi più acustici, più classici se vogliamo, ho scoperto quella che io reputo l'essenza profonda di Gaga. Quando la sento cantare questi brani più minimalisti rispetto al passato, senza orpelli, riesco a connettermi con lei su un piano più umano, spirituale.

In realtà la domanda che mi pongo è: qual è la vera Gaga e quale la "old Gaga"? Difficile rispondere nettamente, perché lei è tutto quello che ci ha mostrato, una cosa non esclude l'altra.

Quello che è certo è che ascoltando un brano come "Wish you were here", è possibile ritrovare, sebbene in maniera più acerba per ovvi motivi, la Ally di "A star is born" o la Joanne col cappello da cowboy rosa. Ma questa sfaccettatura è poi così diversa da quelle di "Brown eyes", "Speechless" o "Dope"? Sono convinto che una "old Gaga" non esista.

Stefani Germanotta è sempre stata questo. Fin dagli esordi ha proposto al pubblico versioni al piano dei suoi successi, proprio per donare al pubblico una parte di sé che nelle incisioni in studio veniva fuori solo in parte.

E qui arriviamo al tema di questa semifinale. L'evoluzione di Lady Gaga per me sta nel coraggio di abbracciare la sua vulnerabilità e proporla in musica e parole, senza il bisogno di nascondersi dietro costumi fantasmagorici e trovate pubblicitarie stravaganti.

Lo faceva già in maniera pura e ingenua la Gaga 20enne di "Wish you were here", spaesata e vittima delle proprie paure ("Where is home? I wish you were here"), sola in una stanza piena di gente ("This room is crowded but I'm so alone"), che piange provando a farsi forza ("I will be strong, I won't give in, I was so much more then all of my fears, then all of these tears").

La Gaga di oggi, 33enne, è cresciuta e affronta i propri periodi bui e i colpi della vita con una maturità diversa, sia umana che artistica.

In tredici anni molte cose sono cambiate nella vita di Gaga, tanti dischi, molteplici tour, una caterva di collaborazioni e premi... e tanti gli amori provati, quelli finiti, le lacrime versate, poi tramutate in musica.

Nei suoi racconti rivivo anche io le mie vicissitudini. È come se fossimo cresciuti insieme, solo tre anni ci separano. Mi rispecchio in quello che cantava e canta ancora oggi. La colonna sonora della mia vita è piena di brani da lei scritti.

Anche io ero pieno di paure, con una fragilità interiore che ho spesso cercato di nascondere con un carattere estroverso, con l'ironia, il sarcasmo e l'autoironia, che oggi come ieri, a volte portano a farmi fraintendere e a creare una barriera.

Perciò quando in "Always remember us this way" canta "The part of me, that's you, will never die" ho sempre la pelle d'oca e un brivido lungo la schiena, perché immagino di rivolgermi io stesso a Gaga, per dirle che lei, e la sua musica, sono una parte di me, che non morirà mai.

Quando metto le cuffie e parte una canzone di Stefani, tutto attorno scompare e dentro di me le emozioni più disparate si fanno spazio, si confondono tra loro, combattono e fanno pace.

When you look at me
and the whole world fades
I'll always remember us this way

Oggi, per il tema Evoluzioni vi propongo un percorso tematico che si prefigge di guardare come la Donna sia stata raccontata da Faber nelle sue canzoni, prendendo un brano del primo disco e un brano dell'ultimo per vedere, a parità di tematica, cosa sia cambiato nell'approccio e nella composizione in generale nel corso di un trentennio.

In tutta la sua carriera artistica De Andrè ha raccontato figure di donne estremamente differenti tra loro, dalla Madre di Dio all'ultima delle prostitute, sempre con un taglio unico e caratteristico, ma ovviamente un percorso ed una vita così ricca ed intensa come la sua, hanno portato ad una metamorfosi, che, se certo non ha tradito la peculiarità di fondo della sua arte, riserva comunque sorprese e offre spunti di discussione.

Il primo brano che vi propongo è La canzone di Barbara, che fa parte del primo album pubblicato da Faber nel 1966 contenente i vari singoli precedentemente usciti. Un album di importanza capitale per la discografia italiana, basti pensare che contiene capisaldi come Via del Campo e Bocca di Rosa, oltre a Preghiera in gennaio di cui vi ho già parlato e perle meno note come La stagione del tuo amore e appunto Barbara stessa.

Senza mai dimenticare che siamo a metà degli anni '60, Faber ci parla di una ragazza moderna, e prima ancora di dirne il nome la appella come bocca infedele, ma invitante e disponibile. Barbara è una che se ne frega, lei vuole divertirsi! È presto per sposarsi, perché sa cosa vuol dire essere sposa negli anni '60 (un po' quel che si diceva nella presentazione scorsa), quindi gioca all'amore con gli uomini, contando sul suo fascino. L'ultima strofa è un delicato omaggio alla giovinezza, di Barbara e di tutte le ragazze come lei: per ogni petalo che sfiorira', ne nascerà un altro: il tempo è dalla sua parte, può godersela, flirtare!

Ricordo perfettamente la prima volta che ho sentito Barbara. Generalmente Faber lo ascoltiamo in casa col mio compagno, che è abbastanza talebano in quanto a gusti musicali, però aveva dimenticato nell'autoradio questo cd e mi son trovato giocoforza ad ascoltarlo mentre guidavo verso Viareggio.
Io non ho mai giocato all'amore, ricordo di aver pensato. Prima ero troppo insicuro, fragile. Anche imbranato. Poi mi sono innamorato, e mi è andata bene al primo colpo. Non cambierei nulla, davvero, mai nella vita. Ma se Barbara è giovinezza, anche questo è giovinezza, e talvolta, come quel giorno, mi chiedo se forse non mi sono perso qualcosa, forse di effimero, ma comunque qualcosa. E quindi il retrogusto amaro che lascia la melodia, per me avrà sempre questo significato.

Pur essendo un brano tra i meno famosi di quel glorioso album, nella sua concisione racchiude un po' tutti gli stilemi deandreiani che siamo abituati a conoscere.
Ben lontano dal censurarla, Faber è moderno quanto Barbara nell'assecondarne l'atteggiamento, che più che libertino mi sento di definire Libero.
Se del testo, esaustivo e asciutto, si é detto, va prestata attenzione alla melodia del pezzo. Qualche sfumatura lievemente malinconica, per il gioco dei contrasti da sempre caro a Faber, ma una linearità quasi austera, con l'obiettivo di mettersi in secondo piano rispetto alle parole, per non distrarre dal messaggio.

Fabrizio è un cantautore idealista, che non canta né scrive per mestiere (non ne avrebbe bisogno, viene da una famiglia molto benestante) ma per esigenza di comunicare il suo pensiero, e attraverso i suoi testi può trasmettere il suo sentire, precorrendo i tempi.
Questa avanguardia creativa non lo abbandonerà mai, né nel raccontare la vita in generale né le donne nello specifico.

Tutte, le donne.

Con un salto temporale di circa tre decenni vi porto all'ultimo album di inediti di De Andrè, Anime salve, un must have della discografia per parlarvi di Princesa.
Innanzitutto due parole sull'album: Anime salve è un inno alla diversità come sinonimo di ricchezza e unicità. I personaggi cari a Faber sono sempre gli stessi dei primi tempi: gli ultimi, gli emarginati, ma in questo lavoro si evidenzia come la loro condizione di diversità li porta ad essere unici, e quindi liberi da vincoli e convinzioni.
In questo senso, Princesa è un pezzo emblematico.
Ispirato ad una storia vera, racconta la storia di Fernanda, nata Fernando, transessuale che lotta per l'affermazione della propria personalità.
È un brano superlativo, magnetico, sconvolgente. Un cortometraggio.

Fernando è un ragazzino che sta male nel suo corpo, si sente donna, si immagina donna, convivere con un corpo che non sente suo è terribile e la vita in famiglia è altrettanto faticosa perché gli ricorda quel che è, e quel che non potrà essere. Una serie di gabbie concentriche da cui ci vuole un coraggio immenso per provare a scappare.
Fernando lo fa. Parte con un bagaglio pieno solo di sogni, speranza e un po' di follia, ed intraprende il percorso che lo porterà ad essere davvero chi vuole.
Soffre per le cure e per l'intervento, arriva metaforicamente a partorirsi e dà alla luce Fernanda.
Princesa è il suo nome d'arte, perché anche la cronaca insegna che una transessuale sola, senza soldi, in una città che non è la sua, cosa può fare se non prostituirsi?
Ma il destino per Fernanda ha in serbo ancora una sorpresa, certo non il jackpot ma pur sempre qualcosa.
Un avvocato si incapriccia di lei, la affranca, la toglie dalla strada e la sistema nella sua garconniere al riparo da occhi indiscreti, trasformandola nella sua amante. Non è propriamente un lieto fine, anzi nasconde più di un'amarezza, ma chi ci dice che la scalata al trionfo per Fernanda si fermi qui? La canzone finisce, ma la vita prosegue, e il coro finale sembra suggerire questo pronostico. Una sequenza di parole in portoghese, lingua natia di Fernanda, che ripercorrono la sua vita fino a quel momento, e dopo tanti sostantivi un verbo, granitico, perentorio: viver. Vivere. Questo è il futuro di Fernanda: vivere, vivere come Fernanda, vivere come ha sempre voluto essere.

Anche questo brano tocca alcune mie corde, ma penso sia normale quando si parla di Favourite Singer! E pure in questo caso è una scoperta relativamente recente; spesso sentendolo mi chiedo se l'esempio del coraggio di Fernando non mi sarebbe stato utile tante volte durante l'adolescenza, quando la presa in giro mi portava a somatizzare tutto, e invece che fregarmene cercavo di rendermi piccolo piccolo per non farmi notare. Come quando un ragazzino alle medie, di ritorno da scuola, mi sputo' su una scarpa gridandomi frocio e poi corse via, e invece che fregarmene feci per mesi una strada diversa, molto più lunga, per tornare a casa.
Nella canzone sarebbe stato mandato a fanculo, urlandolo forte magari. E sarebbe stato giusto così.

Non nego che il brano mi emoziona molto quindi non solo nel raccontarlo: é magico.
Le sue peculiarità testuali e musicali sono però il punto nevralgico che mi interessa affrontare, poiché segnano quel punto di arrivo dell'evoluzione della carriera di Fabrizio De Andrè.
Nel raffronto con Barbara, è evidente come esso non lasci più nulla all'immaginazione, non ci sia allusione ma verità.
Sono la pecora sono la vacca, esordisce, non due animali a caso, ma precisi richiami al sesso, ripresi dall'immaginarsi davanti allo specchio una minuscola fica. Ancora, il racconto del periodo in cui Fernanda è Princesa e si prostituisce è al contempo brutale e soffuso nella descrizione dei maschi che si insinuano tra le sue natiche, tra le sue labbra, nella sua carne. Nulla è lasciato all'immaginazione, ma nelle parole di Faber non c'è volgarità compiaciuta, ma solo bisogno di verità, e in questo aspetto coabitano sia l'evoluzione del linguaggio rispetto ai primi lavori, quell'avanguardia artistica che sempre l'ha contraddistinto: non riesco a vedere cosi lontani dal suo mondo i rapper contemporanei, e sono anzi convinto che il Faber del 2020 li vedrebbe assolutamente di buon occhio.
Anche da un punto di vista melodico l'evoluzione è evidente: se in Barbara vi era un'asciuttezza, qui l'essenzialita' lascia spazio a una ricchezza in cui non si può non sentire l'influenza della collaborazione di Ivano Fossati. Il finale con il coro è un trionfo di sensazioni benefiche, ti porta a Rio e ti ci fa sentire bene come a casa, la sensazione che prova Fernanda pensando alle sue origini.

Faber non è cambiato nella sua essenza, nei messaggi che vuol veicolare, nella sua coerenza, ma sicuramente trent'anni di vita l'hanno cambiato. Le donne, innanzitutto, che sono il fil rouge della presentazione: due mogli, altre avventure, le prostitute in giovinezza. Il sequestro, mirabilmente raccontato in quella perla che è Hotel Supramonte. L'alcol, divenuto una dipendenza, ma che gli ha dato modo di trovare la forza di esibirsi in pubblico, cosa che ha iniziato a fare tardissimo.
Mi piace pensare che la sua evoluzione abbia accompagnato quella della parte sana del nostro paese, che lavora quotidianamente per migliorarsi ed arricchirsi pur avendo sempre un punto fermo attorno cui muoversi: i propri principi ed il proprio modo di essere.
Quello che certo non ho tradito io nei tredici anni da quando io e Faber ci conosciamo, e che non ho intenzione di mutare da qui ai prossimi diciamo trecento.

Dopo lo shock del passaggio del turno (grazie a tutti ancora), mi sono dovuto scervellare per la scelta dei brani da presentare per questa semifinale. Il tema parla di evoluzione, argomento molto interessante e motivante, ma un pò complesso quando si parla di Stromae.

Il problema principale che ho trovato è il fatto che lui ha solo due album all'attivo, di cui l'ultimo risale all'ormai lontano 2013. Inizialmente ho pensato di scegliere due brani ognuno di un determinato disco, ma poi mi sono reso conto che effettivamente non c'è una vera evoluzione tra lo Stromae di Cheese (album 2010) e di Racine Carree (2013). Certo qualche cambiamento\evoluzione c'è stata ma essendo appunto solo due album ritroviamo un pò le caratteristiche tipiche di Stromae (migliorate) che non denotano una metamorfosi così netta.

Per tale motivo ho deciso (anche se rischiando probabilmente molto) di scegliere due brani che sono rispettivamente il primo e l'ultimo pubblicato dall'artista belga. Il primo (2007) si intitola "Promoson" ed è una sorta di free-style con l'obiettivo di promuoversi al grande pubblico 

Il secondo "Defiler" (2018) è anche a sua volta una sorta di promozione, per la sua linea di abbigliamento, dalla semplice durata di 9 minuti , che è presentata come sottofondo (ma non per questo non protagonista) di una sfilata di moda alquanto particolare.

Nel primo brano troviamo uno Stromae acerbo, istintivo, energico che vuole tramite un classico free-style di rap\hip-hop farsi conoscere, presentarsi al grande pubblico. Subito riconosciamo gli elementi che sono in lui innati, ritmo incalzante , forte personalità e un testo non scontato. 

Hey, y'a alerte                                    Ehi, c'è un avviso
Stromae, y'a alerte                             Stromae, c'è un avviso
Sur le net ou dans les bacs                  In rete o nei negozi
Y'a alerte                                           C'è avviso
Maxi 2007                                          Max 2007

Ouais c'est simple, tu verras que tout se tient
Ecoute bien vu que ça ne coute rien
Ouais c'est téléchargeable gratuitement
Sur stromae.net si t'as plus le lien
Ouais mais pas si vite, c'est que celui-ci .....
..... J'ai même vendu des frites, des burgers et des glaces sa mère

Sì, è semplice, vedrai che tutto si adatta perfettamente
Ascolta bene poiché non costa nulla
Sì, è un download gratuito
Su stromae.net se non hai più il link
Sì, ma non così in fretta è questo ......
...... Ho persino venduto patatine, hamburger e gelati di sua madre

Stromae con il "ritornello" e la prima strofa ci dice che la sua musica è spontanea, non costruita , non costa ed è semplice , per arrivare a ciò ha fatto disparati lavori, proprio per mostrasi meno pretenzioso possibile. 

 

Des meufs nues? Pas de ça                     Ragazze nude? Niente di tutto ciò  
Les revenus? C'est pas ça                        Ricavi? Non abbastanza
Des tas de thunes? Pas de ça                  Un sacco di soldi? Nulla di tutto ciò
J'te le jure, y'a pas de ça                         Lo giuro, non c'è niente di tutto ciò
 

C'est clair non?                                                 È chiaro giusto?
Stromae, ouais ouais                                         Stromae, sì sì
Juste un cerveau, un flow, un fond, un mic         Nient'altro che un cervello, un                                                                                messaggio, un flusso, un microfono
C'est le titre                                                     Questo è il titolo Stromae
Stromae

 

Con la seconda strofa ci dice invece che il suo rap è diverso da quello main-stream , non parla di ragazze nude, i soldi e i ricavi non gli interessano , c'è solo lui , il suo cervello , i messaggi che vuole veicolare , insomma c'è Stromae.

Possiamo quindi notare che da questa semplice promozione Stromae ha già in mente che musica portare, una musica d'impatto , di successo , orecchiabile ma nello stesso tempo non vuota, non solamente estetica.

Tutto ciò con le varie canzoni che ho mostrato all'interno del gioco , penso sia stato esaustivamente dimostrato , Stromae nei suoi primi due album parla di amori malati, accusa i social e la società di oggi, parla di malattie come il cancro, o l'aids quando tutti fanno finta che non esistano, della mancanza del padre, di ambienti familiari problematici, ma anche canzoni che hanno come obiettivo quello di rilassare , di dimenticare i problemi, di glorificare le persone che hanno contribuito alla nostra formazione. 

Dopo però il successo internazionale avuto con il secondo album , Stromae cade in profonda crisi, come da lui espresso in diverse interviste, questo boom così imponente lo ha portato quasi ad impazzire, tutto quello che per lui era naturale stava diventando un oppressione , ciò insieme a dei seri problemi di salute (malaria durante un concerto in Ruanda) spingono l'artista a ritirarsi dalla musica a tempo indeterminato nel 2015. 

D'allora Stromae non pubblica più nessuna canzone, ma si dedica nella musica in altre forme , è lui il compositore di Meltdown (colonna sonora di Hunger Games cantata da Lorde insieme ad altri artisti).

Nel 2018 dopo ben 5 anni dal suo ultimo disco pubblica Defiler , una sorta di canzone\flusso di coscienza che viene presentata in occasione del lancio della linea di abbigliamento firmata dall'artista. Come siamo abituati Stromae ha un piano sempre preciso, quella che sembra solo un chiara mossa di marketing , nasconde al di sotto dei motivi ben precisi. 

Stromae infatti gioca come sempre con il significato delle proprie parole , usa il termine defile , non solo per presentare una modella che sfila , ma anche come la vita passa e come sia impossibile arrestarla. 

Elle défile                                                  lei sfila
On voit nos vies défiler                               noi vediamo le nostre vite sfilare
Sur le fil                                                    sul filo
On voit les années filer                               vediamo gli anni filare
On essaye de filer droit                               cerchiamo di tessere dritto
Et on n’peut pas rembobiner                       e non possiamo riavvolgere
Tout ces nœuds dans nos vies                     tutti quei nodi nelle nostre vite
Si on pouvait les dénouer                            se potessimo dipanarli
Alors dites-moi comment ça marche             allora ditemi come funziona
Dites-moi comment ça marche                     ditemi come funziona

Stromae quindi parte dallo sfilare per presentare come la vita è in continua evoluzione, lui stesso spiega che non comprende la direzione dell'esistenza , fa riferimento a come sia difficile evolversi al giorno d'oggi in relazione alle tempistiche richieste dalla società odierna

Qu’on l’veuille ou pas on a une valeur marchande, du plus jeune âge au linceul
Marche ou crève mais marche droit, marche à l’envers ou ne marche pas
Et le business, ça marche
La santé, la famille et le reste, ça marche
Dites-moi comment ça marche

abbiamo un valore di mercato, dal più giovane al più esperto
cammina o muori ma cammina dritto
cammina all’indietro o non camminare
e il business, funziona
la salute, la famiglia e il resto, quello funziona
ditemi come funziona

Je me demande après toutes ces années, encore et encore
Je l’sais bien là où je vais pas, mais pas encore là où j’vais aller
J’me doute bien qu’si j’me laisse aller, ça me ferait pas tort
Je ferais bien de franchir le pas, en tout cas j’aurais tort de ne pas essayer

mi chiedo dopo tutti questi anni, ancora e ancora
io lo so bene dove non vado, ma non ancora dove andrò
dubito che se mi lascio andare, non sarà per me un male
dovrei allungare il passo, in ogni caso mi potrei pentire di non aver provato

Defiler continua per 9 minuti come un unico flusso di coscienza, in un moto perpetuo, dove Stromae continua con la sua riflessione accusando i canoni estetici imposti 

La tête dans son téléphone
Sans écouteurs, on la croirait folle
Sans Google, on la croirait conne
Et sans filtres, on la croirait bonne
C’est trop facile de juger, c’est trop facile de juger
Si son but dans la vie c’est de ressembler à Gigi
Mais sans chirurgie c’est plus Gégé que Gigi
Si l’école nous apprenait à faire des beaux selfies
Pour mieux démarrer dans la vie, pour mieux démarrer dans la vie
Sans savoir où on va, où on est

la testa sul suo telefono
senza auricolari, si potrebbe pensare che è pazza
senza Google, si potrebbe pensare che è stupida
e senza filtri, si potrebbe pensare che è buona
è troppo facile giudicare, è troppo facile giudicare
se il suo obiettivo nella vita è assomigliare a Gigi
ma senza chirurgia è più Gegé che Gigi
se la scuola ci insegnasse a fare dei bei selfie
per iniziare ingranare nella vita

C’qui compte c’est c’qu’on a dans l’cœur, et c’qu’y a sur le compte
L’argent ne fait pas le bonheur non, y sert à fabriquer des bombes
Être belle quand on a de l’argent (on a de l’argent), c’est plus facile nan
L’argent pourrit les gens et il les rend beau en même temps, c’est fascinant

ciò che conta è quello che abbiamo nel cuore, e quello che c’è nel conto
i soldi non fanno la felicità , servono solo a fabbricare bombe
essere belle quando ci sono i soldi è più facile vero?
i soldi distruggono le persone e le rendono belle allo stesso tempo, è affascinante

In questo interminabile brano Stromae riesce quindi nel presentare l'apoteosi della sua evoluzione , non è più quel semplice ragazzino geniale che tramite il solo rap cerca di veicolare messaggi a lui cari, ma ora in un unico progetto al messaggio che vuole esprimere (criticare l'eccessiva attenzione della società per i canoni estetici) accompagna la sua stessa rappresentazione , tutto sotto forma di una sfilata di moda.

Ecco l'evoluzione di Stromae si può percepire oltre che dal punto di vista concettuale, anche dal punto di vista melodico, mentre il primo stromae era molto più basico, basava molto il tutto su un ritmo incessante e martellante, in defile si può notare come ad un'apertura dal ritmo lento lascia poi il posto a una progressione di suoni di synth, ritmi alternati e inflessioni vocali di Stromae, proprio per rappresentare la canzone come un continuo flusso, in moto perpetuo simbolo quindi della completa evoluzione di questo artista nella sua totale interezza. 

La discografia di Grignani è lunga venticinque anni, con alti e bassi, e se per certi versi lui non ha mai cambiato totalmente stile, un'evoluzione, musicale e testuale, si può riscontrare nei suoi lavori. Musicalmente ha iniziato con un puro pop rock, passando per il rock psichedelico, accarezzando leggermente il blues, per tornare poi negli ultimi anni a un rock più classico e maturo. Ho sempre amato la sua scrittura, sin dagli esordi, e negli ultimi anni forse ha perso un po' di originalità, ma se in Destinazione Paradiso era un ventenne alla ricerca di se stesso, disilluso e a volte scoraggiato, con gli anni ha maturato una diversa sensibilità, dovuta anche all'essere diventato marito e padre e dall'uscire dalle dipendenze, sempre alla ricerca di se stesso ma con consapevolezza.

Così dopo aver ascoltato i pezzi che preferisco, pezzi che avevo dimenticato e pezzi che non ho mai amato ho deciso di descrivere la sua evoluzione attraverso due canzoni che parlano di un amore finito: Ci vuoi tornare con me e Rimani acqua di mare.

Ci vuoi tornare con me è contenuta in Destinazione Paradiso, il suo album d'esordio del 1995. Gianluca scrisse questo pezzo poco più che ventenne, l'ho sempre vista come una lettera semplice e sincera di chi ama ancora, chi vuole tornare insieme nonostante le difficoltà e le paure. Una sincerità e sfrontatezza che spesso solo i giovani hanno.
Nel 1995 avevo dodici anni e non sapevo nemmeno lontanamente cosa fosse l'amore, avevo cottarelle ma non capivo il senso, l'amore era solo quello tra Miki e Yuri. Se non capivo quello come potevo comprendere un amore finito?

Qualche anno dopo, durante il liceo, ebbi invece la prima storia con un amico d'infanzia. Lui non amava particolarmente Grignani, mi prendeva in giro perché “L'ascolti solo per la moda e per il bel faccino!”. Quando però una volta litigammo e decisi di lasciarlo, lui mi dedicò questo pezzo.
Avevo diciassette anni e quello era il gesto più bello e romantico che qualcuno avesse mai fatto per me. Lui si era aperto, con le parole di Gianluca, mi aveva permesso di vedere oltre, mi aveva fatto capire che teneva davvero a me. Si era comportato da innamorato per la prima volta, mi fece sentire importante.

Lo sai davanti a me
Ho sempre cercato di apparire
Più forte nella parte del vincente
Per poi scoprire che ti perdo sempre

Queste parole me le ripetevo sempre. Anche quando poi lui mi perse davvero del tutto. Sia come fidanzata sia come amica.
E parole che solo tre anni dopo io dedicai a una ragazza, per farmi perdonare. Gianluca aveva la capacità di andare dritto al punto, cosa che a me mancava del tutto all'epoca. Non ottenni nulla e odiai per anni il pezzo. Risentirlo dopo vent'anni mi provoca però tenerezza, parole dolci, quasi ingenue, colme però di speranza.

Dopo quindici anni Grignani ha scritto una canzone che ritengo l'evoluzione naturale di Ci vuoi tornare con me: Rimani acqua di mare. Il pezzo è contenuto in Romantico Rock Show, album che musicalmente rispolvera il classico rock italiano senza esagerare con le sperimentazioni. Il testo della canzone è diretto come nello stile Grignani ma più profondo e maturo, anche nell'analizzare il dolore della perdita.

Se in Ci vuoi tornare con me che salta subito agli occhi è la semplicità e la speranza di Gianluca, in Rimani acqua di mare invece lui parte rassegnato, sa benissimo che non è ricambiato, solo non riesce a lasciare andare colei che ama. E la speranza è flebile.

Quattro anni fa è finita la storia con colei che è stata la donna della mia vita, nonostante la consapevolezza che non riuscisse più a stare con me, stavo là, in attesa di un suo cenno, di un suo forse.

Perché ancora sai ci credo
E spero anche... se sto male

La speranza di un suo ripensamento, di un suo “no dai, ho fatto una cazzata”, mi ha perseguitato per mesi. Ed ero lì, anche se sentivo bruciare e il dolore era immenso.

La ragione non comanda al cuore Non seguirla, lascia stare...

Quante volte ho sperato che mettesse da parte la razionalità, che provasse a vivermi e non a dirmi “in un mondo perfetto saresti mia moglie”. Le parole bruciavano, ma come Grignani imperterrita speravo di riconquistarla, di provare a non perderla per sempre.

Ma perché... che ho fatto?
Che ho sbagliato... che...?
Aspetta... ti prego un altro po'!
Non andar via... vedrai che capirò!

Mi sono chiesta, cosa avessi di sbagliato per averle fatto prendere quella decisione. Perché non potevamo parlare? Perché non potevamo stare insieme? La risposta l'ho trovata tempo dopo, perché semplicemente “Tu... tu non m'ami più”, la risposta era sotto gli occhi, chiara e concisa. Non volevo vederla, era più semplice ignorare.

Ma ci sono storie che ti segnano, anche se le superi, anche se vai avanti, anche se non piangi più la notte e non fissi il display in attesa di un suo messaggio, nonostante tutto bruciano.

Sulla ferita sei come acqua di mare Che non voglio più asciugare..

Vogliamo farle bruciare perché ci ricorda cosa siamo stati, ci ricorda che quell'amore resterà sempre, anche se in un angolo. Forse è sbagliato ma resta. Ed è solo la maturità, e la nostra evoluzione, che ci permette di gestirlo.

Nel 2000 un ragazzino rossiccio che si faceva chiamare Professor Macklemore cerca di farsi notare con un EP intitolato “Open Your Eyes”. Tra i suoi brani si fa notare uno in particolare: Wake Up.

Wake up è un pezzo che sembra essere interpretato dal figlio del Macklemore che vi ho raccontato fino ad ora. Una timbrica estremamente adolescenziale, una maturità sorprendente per i suoi allora 17 anni e una melodia che rappresenta la purezza e la mancanza di sovrastrutture dell’hip-hop dei primi anni 2000.

Pur con una produzione meno curata e raffinata a quelle a cui ci ha abituato, Macklemore si distingue sin da subito da molti suoi colleghi per la profondità dei suoi testi e la sensibilità con cui li affronta. Wake Up racconta gli ostacoli che un ragazzino bianco deve affrontare per cercare di farcela nel mondo nell’Hip-Hop, tra pregiudizi e stereotipi di insegnanti, vecchie signore e ragazzini arroganti che amano questo mondo solo per la sua parte più superficiale. MC sottolinea la differenza tra la sua vera passione per questo genere e i tentativi di emulazione degli artisti più in voga di tanti altri.

MC è stato preso poco sul serio da chiunque: bianchi, neri, giovani e adulti. Gli afroamericani avevano difficoltà ad accettare che un ragazzino bianco privilegiato potesse sfondare, mentre i bianchi non conoscevano e accettavano altro se non Eminem.

Il suo amore per l’Hip-Hop non ha nulla a che vedere con il colore della pelle, ma deriva dalla sua necessità di scrivere rime potenti che possano aiutare chi lo ascolta. Benjamin si dà forza da solo e con grande determinazione cerca di abbattere i muri del pregiudizio fin troppo presenti anche nell’ambito musicale.

A 17 anni Benjamin è già in grado di educare chi lo ascolta e chi lo contesta, mostrando la vera essenza della cultura Hip-Hop e non facendosi condizionare da ciò che la società vorrebbe che facesse.

Pensando al me diciassettenne, un po’ mi rivedo in quel ragazzino che nessuno riesce a prendere sul serio. Lui è riuscito a non farsi condizionare da tutti quelli che gli remavano contro, io invece a quell’età non sono stato abbastanza forte, ho avuto bisogno di più anni per maturare.

L’evoluzione di Macklemore come artista, ma anche come uomo, è particolarmente evidente con l’album “The Heist”, nel 2012.  A questo proposito il brano “Wings” è senza dubbio uno dei più rappresentativi del  Macklemore maturo.

Con Wings Macklemore esplora il consumismo che condiziona fortemente la società americana. La crescita è già evidente per il tema più complesso, con continue citazioni alla cultura pop e un’analisi specifica della società che lo circonda. In Wings si sottolinea l’idea che il valore di una persona sia collegata al valore monetario e che dei semplici oggetti possano migliorare l’umore o aumentare la propria sicurezza. 

Macklemore  racconta di come da bambino si sentisse al settimo cielo dopo aver acquistato un paio di Jordan per fare sport. Un semplice paio di scarpe, dopo le martellanti pubblicità in cui si prometteva che tutto sarebbe cambiato dopo l’acquisto, erano state in grado di farlo sentire libero e capace di volare e che tutti i suoi sogni si sarebbero realizzati.

La realtà però è diversa, e MC si accorge presto che non potrà mai volare grazie ad paio di Jordan.  Potremmo essere uccisi  per quel paio di scarpe, come il fratello di uno degli amichetti di Benjamin o come tanti altri che gli fanno capire come un semplice paio di scarpe possa portare disperazione, invidia e ossessione. I sogni si realizzano solo attraverso dedizione, impegno e sacrificio.

Vorrei aver scoperto e compreso questa canzone da ragazzino, dove l’ossessione di acquistare cose di cui non avevo bisogno mi ha fatto perdere la percezione della realtà. MC paragone le scarpe ad una droga ( “I got so high”, ““Consumption is in the veins”) e io mi sono sentito per tantissimi anni un drogato.
Il sogno che ci viene promesso è falso e noi non siamo ciò che indossiamo o possediamo, conta solo come ci comportiamo e quanto crediamo in cosa stiamo facendo.

Macklemore, sia da adolescente che da adulto, ha lottato contro un sistema che voleva renderlo uno dei tanti, annullando la sua vera assenza. L’ha fatto in passato con una produzione inferiore, con una voce molto più sottile e con una scrittura più semplice e immediata. La voglia di rompere le barriere e non ascoltare ciò che la società vuole imporci però è però sempre la stessa, la forma si evolve ovviamente, ma la sostanza rimane quella.

Non riusciranno a farci sentire come tutti gli altri, non finché ci saranno artisti come Macklemore che sono in grado di salvarci.

Melanie ha fatto il suo ingresso nel mondo musicale a soli 17 anni. Era una giovane ragazza, come tante altre, che sognava solo di fare della musica il suo lavoro. Così per caso, si è ritrovata coinvolta in una macchina gigante, che era appunto The Voice. Dopo tanti anni passati a coltivare la propria passione in silenzio ha deciso finalmente di condividere la propria voce. Sostenuta da tutta la sua famiglia ha così scelto di iscriversi alla terza edizione di The Voice USA. Dopo una serie di provini è finalmente sbarcata nel programma vero e proprio. Ha deciso di giocarsi tutto presentandosi con una delle canzoni più inflazionate di sempre, ossia Toxic di Britney Spears. Tale contrasto tra l'immagine di Melanie e la scelta ha inizialmente confuso molti di loro, eppure appena ha aperto bocca per iniziare a cantare ogni dubbio è scomparso. Sul palco Melanie è arrivata da sola, accompagnata solamente dalla sua chitarra e un tamburello, poggiato ai suoi piedi. Melanie una volta sul palco non si è limitata a svolgere il compitino e quindi realizzare una copia carbone, ma ha cercato di personalizzare il pezzo, prendendolo e stravolgendolo completamente. Scordatevi le atmosfere danzerecce e squisitamente pop del brano originale, infatti Melanie ha completamente cambiato la natura della canzone trasportandola in atmosfere decisamente più acustiche e folkeggianti. Il brano in studio presenta le stesse caratteristiche della versione live, l'arrangiamento si basa tutto sulle chitarre, il tamburello e la batteria. La canzone si libera di tutte quelle "sovrastrutture" che caratterizzano la versione originale, donandogli una nuova luce. Il punto di forza della canzone trovo però sia su tutti la voce di Melanie. Si percepisce la genuinità in questa versione, che appare più morbida e introspettiva.
Il timbro di Melanie svolge un ruolo importantissimo all'interno della canzone. La grande leggerezza con la quale Melanie sembra sussurrare le parole rende questa versione ancora più originale, e la voce, che appare spesso "rotta" è una delle caratteristiche peculiari dell'intero pezzo. I coach sono rimasti estremamente colpiti dalla maturità e dal coraggio dimostrato dalla giovane, girandosi addirittura in tre per lei. Sotto la guida di Adam Levine, si è fatta spazio nella competizione arrivando ai live show e diventando ben presto una delle fan favorite. Sfortunatamente la sua corsa si è fermata al quinto live, ma ciò non ha l'ha scoraggiata, anzi, ha rappresentato un incentivo in più per migliorarsi. Melanie non sapeva che da lì a poco la Warner le avrebbe offerto il contratto che avrebbe cambiato per sempre la sua vita.

Guardando la Melanie del 2020 sembra non sia apparentemente cambiato nulla. Il suo diastema è rimasto, così come i suoi capelli bicolore; la sua aura creepy continua a fare di Melanie lo stesso personaggio stravagante degli inizi. Eppure, per me che la seguo ormai da un bel po', è molto chiara la trasformazione che ha subito. Evoluzione, cambiamento, crescita...perché solo una di queste? Melanie nel suo percorso ha superato tutte queste "tappe", che l'hanno resa ciò che è oggi. Dalla sua blind audition la vita di Melanie è completamente cambiata. Finalmente può fare della sua musica il centro della sua vita dedicandogli tutta la maggior parte del suo tempo. Sono ormai passati 8 anni dagli inizi, e Melanie è cambiata più di quello che potrebbe effettivamente sembrare. Dal punto di vista vocale è cresciuta, grazie anche alle numerose lezioni di canto. La voce "bambinesca" e acerba degli esordi ha dovuto far spazio a una vocalità più forte e consapevole, che permette a Melanie di spaziare in più generi. Sul piano musicale definirei Melanie camaleontica. In quasi dieci anni è riuscita a muoversi sapientemente in moltissimi generi, uscendo anche spesso dalla sua comfort zone. Dopo il percorso piuttosto classico e acustico intrapreso a The Voice, è passata da un album dalle influenze pop ed elettroniche ad uno con un apporto orchestrale maggiore, con una componente hip hop e alternative sempre più forte. Ogni volta Melanie si presenta in una nuova veste, diversa dalla precedente. Ma quella di Melanie non è stata solo una crescita artistica, ma anche umana. Durante la sua carriera Melanie ha dovuto affrontare tanti ostacoli, che in un certo senso l'hanno resa più forte ma allo stesso tempo più sensibile. Ha affinato la sua penna, e la crescita è visibile anche nei suoi testi. Non si sente più ingabbiata nei suoi vecchi schemi. Con il tempo ha iniziato a scrivere in maniera sempre più consapevole, raccontando spesso la sua storia e quella di tante altre persone. È cambiato l'approccio, che negli anni è diventato sempre più deciso e provocatorio, e possiamo notarlo soprattutto nei suoi testi.
Melanie appare sempre come la dolce ragazza degli inizi, eppure come ben si sa, gli anni passano e le persone cambiano. Si matura, si cresce, è il normale processo di "evoluzione" umano. Un cammino che potrebbe sembrare semplice e che per molti risulta spontaneo, naturale, ma che in realtà nasconde delle difficoltà e problematiche, che molto spesso risultano difficili da abbattere. Melanie però ci è riuscita, ha raggiunto una nuova maturità e la sua musica è proprio lo specchio della sua crescita. 

Per evidenziare tale crescita ho scelto di portare Nurse's Office il primo brano rilasciato da Melanie dall'ultimo progetto. È considerato un po' come il brano simbolo dell'intero progetto K-12, dato che ha "aperto" l'era segnando definitivamente il comeback di Melanie.
Sempre presente il pianoforte e gli immancabili effetti sonori, che caratterizzano quest'ultimo lavoro di Melanie. Tra cerotti e sciroppi Melanie ci racconta una storia di bullismo, legata essenzialmente all'ambiente scolastico. Cry Baby supplica i suoi bulli di lasciarla in pace, finge più volte di star male pur di andarsene in infermeria e ottenere il suo "permesso rosa", per essere riportata a casa. Fugge dai suoi bulli simulando dei malori che in realtà non esistono e l'infermeria appare come l'unico posto sicuro in tutto l'edificio scolastico.

Nei primi due versi si rivolge proprio verso i suoi bulli, chiedendogli di lasciarla in pace, lei vuole solamente andare in infermeria per fuggire dalle loro cattiverie :

"Don't cut me, punch me, just let me go
Into the nurse's office where I float away"

Melanie finge di star male, tossisce e sanguina, eppure i cerotti sembrano non avere effetto, sottolineando che in realtà il male che l'attanaglia in realtà non è fisico. Melanie preferisce mentire, vuole solo il permesso rosa che le concederà l'uscita da scuola. Parla di questa storia definendola "vecchia", probabilmente perché ormai è diventata un'abitudine e ammette di essere stanca di tutto ciò. :

"Yeah, I'm coughing, I'm bleeding
Band-Aids won't heal it
'Cause they hate me, so I'm fakin'
All, all of this so they take, take me

Take me home
Give me that pink slip of permission
This is old
I'm tired of wishing I was ditching
Ooh, ooh-ooh, ooh
Ooh, ooh-ooh"

Nella canzone viene anche mossa una critica verso il sistema scolastico, colpevole di trattare il "bullismo" in maniera sbagliata. I ragazzi non vengono adeguatamente tutelati e spesso ignorano le loro richieste d'aiuto :

Teacher, can I sit right there?
This bitch behind me is cutting my hair
"No, just sit your ass down at the chalkboard you stare"

Scrivendo questa presentazione, mi sono reso conto che parallelamente alla crescita di Melanie, c'è stata anche una crescita in Salvatore. In particolare, è come se Nurse's Office fosse stata scritta apposta per me.
Negli anni non ho mai subito episodi particolarmente gravi di bullismo, eppure non sono mancate le cattiverie gratuite. Ogni azione ha un peso, anche una semplice battutina. Il bullismo va condannato in ogni sua forma e ho vissuto gran parte della mia vita con la preoccupazione di essere giudicato male dagli altri. È estremamente mortificante ricevere insulti  anche solo per il proprio modo di parlare. Nonostante non lo mostrassi, ho dovuto conviverci per tanto, e lo faccio tutt'oggi. Ho rinunciato a tante opportunità, mi sono completamente annullato pur di non affrontare queste persone. Non sono mai stato al campo estivo, né tantomeno ho partecipato ai progetti scolastici o preso lezioni di musica, per paura di trovarmi faccia a faccia con uno di loro. Ovunque andassi mi ritrovavo accerchiato dai miei demoni. Crescendo ho capito che in realtà prima ancora dei bulli, il mio più grande nemico ero proprio io. Non sono stato abbastanza forte per combatterli ed è per questo che in Melanie rivedo una figura sicura. Ho stretto una connessione speciale con lei e non nego che spesso la sua musica ha rappresentato un posto sicuro, nel quale trovare conforto. A volte sottovalutiamo il potere che può avere la musica su di noi e nel fare questa presentazione ho capito quanto Melanie mi abbia fatto bene.
Quella di Melanie è una storia di rivalsa, che mi dà speranza, e mi incoraggia a dare sempre il meglio di me, indipendentemente da tutte le insidie che incontrerò nel mio cammino.

MELANIE MARTINEZ con @Salva

LADY GAGA con @Krishoes