Se si parla di canzoni criminalmente sottovalutate, Vipassana è al primissimo posto per quanto riguarda Macklemore. Passata abbastanza in sordina nella sua versione originale, ha ricevuto un minimo di attenzione in più da parte dei suoi fan in questa versione remixata. Non abbastanza purtroppo, ma questa più che una canzone, è una vera e propria esperienza sensoriale. Vi consiglio di chiudere gli occhi mentre e ascoltare attentamente il rap stranamente disteso di Macklemore.

Vipassana è un’antica tecnica di meditazione buddista, la più antica in India, che si concentra sulla meditazione, sul rapporto tra mente e corpo. Ci mostra le cose come sono in profondità, la loro vera natura. Macklemore ha abbracciato questa filosofia di vita, utilizzando la sua straordinaria penna per raccontare la sua esperienza.  

MC sottolinea l’importanza di vedere il presente come un regalo, perché la vita è un regalo. Concentrandosi sul respiro si può raggiungere un tale livello di concentrazione che ognuno può raggiungere una consapevolezza maggiore di tutto ciò che gli circonda.

Ogni volta che si pensa al futuro MC, come anche me d’altronde, ha  delle aspettative sul suo futuro che sono diventate quasi ossessioni. Non abbiamo la sicurezza di poter realizzare questi desideri, in caso di non raggiungimento dell’obiettivo arriva la sofferenza e la delusione per non esserci riusciti. Le aspettative negli insegnamenti della Vipassana servono a poco perché portando inevitabilmente a sensazioni negative.

Macklemore riprende alcuni concetti della Vipassana, come quello di eliminare tutte i desideri superficiali e le sovrastrutture di una persona. Dovremmo concentrarci sul nostro presente e sulla verità, non sui trucchetti che ci gioca ogni tanto la nostra mente.

Vi ho già raccontato la lotta contro la dipendenza da sostanze stupefacenti di MC e della sua sofferta riabilitazione. La tecnica Vippassana nel suo processo riabilitativo gli è stata utile proprio per concentrarsi solo ed esclusivamente sul suo presente e cercare di non farsi condizionare dal suo passato e dalle dipendenze che hanno dominato gran parte della sua vita.

Ogni volta che si pensa al futuro MC, come anche me d’altronde, tende a fare speculazione e a pretende di raggiungere sempre il massimo in ogni situazione. Non abbiamo la sicurezza di poter realizzare queste nostre aspettative, in caso di non raggiungimento dell’obiettivo arriva il dolore. Le aspettative negli insegnamenti della Vipassana servono a poco, bisogna vivere la vita alla giornata.

Macklemore pensa che la cos più importante sia come il modo con cui trattiamo gli altri. Piuttosto che interrogarci se ci sia o meno un Dio pronto a perdonarci, bisogna agire in modo tale da stare in pace con stessi e con gli altri.

I don't control life, but I can control how I react it
Macklemore sottolinea come la cosa più importante non è quello che ci succede, perché non possiamo controllarlo, ma è come reagiamo e come controlliamo queste reazioni.

Macklemore abbraccia la filosfia Vipassana, che evidenza come la verità sia più importante delle aspettative e distingue cos’è vero e cosa vogliamo che sia vero. Ciò non significa accontentarsi, ma impegnarsi nel presente per poter raggiungere quando si sarà pronti l’obiettivo, come il suo con la musica.

Truth, the only thing that I ever use in moderation
Contrariamente alle droghe e all’alcol di cui ha abusato per gran parte della sua vita, la verità è l’unica cosa che ha usato con moderazione, intendendo che ha mentito molto spesso per cercare di proteggere chi lo circondava. L’effetto è stato inevitabilmente disastroso e l’ha portato ad un passo dalla morte.

La verità è sempre fondamentale, non importa quanto possa essere dura da affrontare. Non si può cercare eternamente la gloria, bisogna cacciare fuori ciò che si ha dentro. Solo così si può raggiungere la vera pace interiore.

Mi rendo conto che la complessità del pezzo possa aver influito a non renderlo estremamente popolare. Il testo non è di facile comprensione, il ritornello forse non è sufficientemente trascinante per poter essere una grande hit internazionale. Il sound è molto raffinato, ha un che di rilassante e tensivo allo stesso tempo.

Questo è un Macklemore totalmente differente a quello che conoscono tutti, ma proprio per questo Vipassana avrebbe meritato maggiore rilevanza e considerazione. Non per diventare una hit da ascoltare in radio tutti i giorni, ma per coinvolgere un tipo di pubblico differente che non è abituato a considerare il rap come un genere capace di poter toccare determinati tasti con una tale raffinatezza e senza retorica. 

Per questo Galà volo alto, e seppur consapevole della difficoltà cui vado incontro nel veicolarne il messaggio, porto un tassello fondamentale nella storia del mio Fav Singer, perché sarebbe un tradimento verso Faber non farlo.

Siamo nel 1970, Fabrizio De Andrè è un cantautore che sta acquisendo popolarità ma che, per i suoi limiti caratteriali, per la timidezza che lo blocca solo all’idea di cantare in pubblico e per i generi musicali che si vanno radicando nella società italiana, non ha ancora fatto il grande salto. Non è Faber, ecco.
Ciononostante, incide un’opera concettuale che non si può non definire altissima, un progetto assolutamente rivoluzionario per tematica, contenuti e coraggio: La buona novella.

Il disco è un concept album molto complesso, che concentra il focus sulle tappe principali della vita di Maria Madre di Dio, partendo dalla sua infanzia, le prime mestruazioni, il matrimonio, l'Annunciazione, il parto, la crocifissione di Gesù, il dolore e le lodi finali. Prende ispirazione dai Vangeli Apocrifi, che si dissociano cioè in parte dalla versione ufficiale della Bibbia e per questo vengono esclusi dalla liturgia ufficiale. E cinquant’anni fa la censura della Chiesa era una mannaia molto più affilata di oggi.

Del suo lavoro, Faber orgogliosamente dice:

«Quando scrissi "La buona novella" era il 1969. Si era quindi in piena lotta studentesca e le persone meno attente - che sono poi sempre la maggioranza di noi - compagni, amici, coetanei, considerarono quel disco come anacronistico. Mi dicevano: "Ma come? Noi andiamo a lottare nelle università e fuori dalle università contro abusi e soprusi e tu invece ci vieni a raccontare la storia - che peraltro già conosciamo - della predicazione di Gesù Cristo." Non avevano capito che in effetti La Buona Novella voleva essere un'allegoria - era una allegoria - che si precisava nel paragone fra le istanze migliori e più sensate della rivolta del '68 e istanze, da un punto di vista spirituale sicuramente più elevate ma da un punto di vista etico sociale direi molto simili, che un signore 1969 anni prima aveva fatto contro gli abusi del potere, contro i soprusi dell'autorità, in nome di un egalitarismo e di una fratellanza universali. Si chiamava Gesù di Nazaret e secondo me è stato ed è rimasto il più grande rivoluzionario di tutti i tempi. Non ho voluto inoltrarmi in percorsi, in sentieri, per me difficilmente percorribili, come la metafisica o addirittura la teologia, prima di tutto perché non ci capisco niente; in secondo luogo perché ho sempre pensato che se Dio non esistesse bisognerebbe inventarselo. Il che è esattamente quello che ha fatto l'uomo da quando ha messo i piedi sulla terra. Ho quindi preso spunto dagli evangelisti cosiddetti apocrifi. Apocrifo vuol dire falso, in effetti era gente vissuta: era viva, in carne ed ossa. Solo che la Chiesa mal sopportava, fino a qualche secolo fa, che fossero altre persone non di confessione cristiana ad occuparsi, appunto, di Gesù. Si tratta di scrittori, di storici, arabi, armeni, bizantini, greci, che nell'accostarsi all'argomento, nel parlare della figura di Gesù di Nazaret, lo hanno fatto direi addirittura con deferenza, con grande rispetto. Tant'è vero che ancora oggi proprio il mondo dell'Islam continua a considerare, subito dopo Maometto, e prima ancora di Abramo, Gesù di Nazaret il più grande profeta mai esistito. Laddove invece il mondo cattolico continua a considerare Maometto qualcosa di meno di un cialtrone. E questo direi che è un punto che va a favore dell'Islam. L'Islam quello serio, non facciamoci delle idee sbagliate.»

Lo ha sempre considerato il suo lavoro migliore, ma vendette relativamente poco, sia in rapporto all'ambizione dell'opera che al lavoro profuso, oltre un anno di fatica. Forse i tempi non erano maturi, forse la complessità e il tema sacro (come è chiaro dalle sue parole) frenarono l’utente medio. Se si esce dalla cerchia degli appassionati di De Andrè, il grande pubblico tendenzialmente non lo conosce o non lo ha mai ascoltato. Purtroppo, perché é un opera prestigiosa che meriterebbe molto più onore.

Premesso questo, e detto che quasi tutti i pezzi dell’opera si prestano quindi alla consegna del Galà, ho scelto di proporvi quella che considero una piccola gemma, l’Ave Maria.

Il brano è di una dolcezza disarmante, e nella sua brevità è uno dei più delicati omaggi alla figura della donna, ed in particolar modo della madre, nella storia della musica italiana.

La melodia è incredibilmente soffusa, sognante, e se già vi è un’unicità di fondo nel raccontare una simile tematica nella musica leggera, ancor oltre si spinge nella rivoluzionarietà Faber, che non cambia di una virgola il suo stile, tanto che il tappeto musicale per Maria non è così dissimile dall’evocatività di quello di Marinella, Bocca di Rosa o le sue altre donne assolutamente terrene. La parte strumentale sul finale lascia l'atmosfera sospesa, ed il giusto tempo per metabolizzare il messaggio.

Maria qui non è la Vergine: è una ragazza del popolo. Ed è incinta. Se nei brani precedenti De Andrè aveva alluso al fatto che il concepimento non fosse stato propriamente divino, qui continua sulla medesima strada e presenta la madre di Dio in una veste del tutto inedita rispetto alla storiografia classica: una giovane donna, punto e basta.
E come una ragazza qualsiasi, viene guardata dalle altre donne perché bella, giovane e gravida, ma a lei non importa nulla, perché darà alla luce la sua creatura. E’ felice, Maria, ride! Avete mai visto Maria ridere nelle classiche raffigurazioni? Di più, è talmente umanizzata che Faber ce la fa immaginare nel momento del travaglio, preda del dolore. Ma sappiamo che sarà così felice da far sfumare il confine tra i due sentimenti.
Ora che Maria è umanizzata, Faber fa un passo ulteriore, e la accomuna alle altre donne, neanche troppo prima inter pares , omaggiandole tutte nella loro duplice figura di femmine con pulsioni e desideri, e madri o future madri portatrici di vita.

"Femmine un giorno, e poi madri per sempre" è però anche una nettissima denuncia della condizione femminile di allora (va sempre tenuto conto che il Sessantotto era dietro l’angolo, ma per i veri cambiamenti occorrono lunghe gestazioni): la Donna è tenuta a reprimere la propria femminilità per il resto della sua vita, perché la Madre per la società è asessuata, è tenuta solo a badare alla casa, a crescere i figli, a sacrificare se stessa e le sue passioni in nome della famiglia, del marito, della società stessa che a questo l’ha destinata.

Quanto sono cambiate le cose in cinquant’anni? Tantissimo per certi versi, pochissimo per altri. Viviamo un’epoca in cui ci riempiamo la bocca di grandi parole, pubblici proclami, raccolte fondi, ma la mentalità patriarcale e maschilista è ancora ben radicata nel tessuto sociale, e non mi spingo oltre i confini italiani se no si aprirebbe una parentesi infinita. Un’epoca in cui forse brani come questo, se si fossero radicati nel comune sentire già cinquant’anni fa, forse le cose sarebbero diverse.

Io poi sono circondato da queste complesse incredibili figure. Penso a una donna che trentatré anni fa (Santo Cielo, finchè non l’ho scritto non mi sono accorto della biblica analogia!) ha dato alla luce un figlio molto voluto, che della figura di Maria ha l’insita dolcezza, e quella forza interiore dell’acqua che erode la roccia in un abbraccio inesorabile. E ora penso ad una che ancora mamma non è, ma manca poco: è una delle mie migliori amiche e tra meno di un mese mi renderà simil-zio. E sarà una fighissima mamma pop!

Sono stato molto indeciso sul pezzo da portare per questo gala, perché penso ci siano moltissimi brani della ampissima discografia dei Coldplay che non hanno ottenuto il successo che meritavano. Ma tra tutti, per me spicca Glass of Water. La canzone fa parte dell'EP Prospekt's March, il quale contiene molte canzoni scartate o pensate come extra per l'album principale Viva la Vida or Death and All His Friends. Tra questa c'è appunto Glass of Water, che secondo me sarebbe potuta essere una hit mondiale e invece non era nemmeno stata rilasciata come singolo. E' dunque un brano che è finito un po' nel dimenticatoio della discografia del gruppo, ma il caro DGS è qui per riportarlo in luce per chi non lo conoscesse e dargli l'importanza che si merita!

Perché questa canzone meriterebbe molto più successo di quanto ne abbia avuto? 

1. E' estremamente orecchiabile, l'ascolto è facile e smooth, non ha nulla di troppo complesso che richieda particolare concentrazione o analisi, perciò sarebbe stata una canzone che facilmente avrebbe raccolto i consensi degli ascoltatori.

2. Il mood è energizzante, positivo, sincero. Mette il sorriso in faccia alle persone e le fa sentire bene. I Coldplay sono conosciuti per questo genere di canzoni e Glass of Water avrebbe fatto la sua dignitosa figura vicino alle loro hit più famose.

3. La base strumentale SPACCA, ok? Tutto, il riff di chitarra della strofa e del ritornello, il pianoforte, il ritmo della batteria... E' la confezione perfetta per una canzone up tempo del genere. Poi ci sono anche un paio di chicche, come il fatto che il ritornello sia interamente in 7/4, un tempo irregolare difficile da gestire che però in questo caso nemmeno sembra irregolare per come scorra liscio. E poi c'è l'outro di pianoforte che chiude il pezzo in modo più soft, permettendo all'ascoltatore di respirare dopo quattro minuti di pura energia. Insomma, è un gioiellino l'arrangiamento!

4. Il messaggio è molto bello, ovvero di non pensare al futuro come qualcosa di incerto e di cui avere paura, ma di vivere ogni giorno con positività. Nella canzone c'è una persona che chiede a un amico di leggergli il futuro osservando il suo bicchiere d'acqua e se ci sarà il paradiso ad aspettarlo, ma quest'ultimo gli dice di non fare questa domanda, indipendentemente da quanto il bicchiere sia pieno (ovvero quanto sia felice). Nell'outro Chris canta What are we drinking when we're done, just glasses of water , nessuno può prevedere il futuro, dobbiamo smetterla di preoccuparcene o di trovare il modo per conoscerlo: un bicchiere d'acqua non ci farà scoprire cosa è in serbo per noi, è solo un semplice bicchiere d'acqua. 

5. E' un pezzo dal potenziale commerciale enorme. Se fosse stato più esposto al pubblico sono sicuro che sarebbe diventata una hit. Ci sono molte canzoni dei Coldplay che in certi periodi si sentivano ovunque: in radio, in tv, come background music nei negozi eccetera... Se solo avessero riservato a Glass of Water un trattamento solo lontanamente simile invece che di gettarlo nell'oblio! E' una canzone che mi immagino cantato da un gruppo di amici in macchina mentre vanno in vacanza. Posso immaginarmela nella soundtrack di qualche film, o in qualche pubblicità. E sicuramente potrebbe essere un pezzo adatto ai concerti dei Coldplay, con il pubblico in visibilio che salta e si diverte...

Insomma, credo che questa canzone sia la definizione di underrated. Nonostante sia perfettamente in stile Coldplay e abbia un potenziale enorme è stato deciso di nasconderlo piuttosto che di esprimerlo al massimo. Rimarrà comunque una canzone che mi sta a cuore, perché tutt'ora il futuro mi spaventa ma lei riesce a darmi la forza di scacciare via i pensieri negativi e di godermi la vita giorno dopo giorno. 

Quando ho iniziato il gioco ero convinta di portare soprattutto pezzi dei primi lavori di Grignani, ritengo ci siano capolavori dimenticati o sconosciuti, col procedere delle settimane, e con l'ascolto di dischi che avevo messo nel cassetto, mi sono dovuta ricredere anche su dischi più recenti. Soprattutto su alcune tracce.

Per questo ho deciso di portare Il mostro, pezzo contenuto in A volte esagero del 2014.

Il disco è caratterizzato da suoni rock stile Grignani che alterna ballate a canzoni più ritmate.  

Nel 2014 avevo già ripreso a seguire Grignani e, nonostante mi piacesse il disco, non ho mai apprezzato del tutto la gestione dei singoli estratti (A volte esagero in primis). E non ho mai capito perché non abbiano deciso di far diventare singolo Il mostro, il miglior pezzo del disco e tra i più interessanti dell'intera discografia grignana e che richiama le sonorità di Campi di popcorn. 

Perché Il mostro sarebbe stato un singolo perfetto? 

Per la musica prima di tutto, musicalmente è un pezzo che ritengo perfetto, che ti cattura sin dalle prime note lente e quasi oscure, per poi salire di potenza con le chitarre (con la presenza di Alberto Radius) nel ritornello e con un assolo di sax che è qualcosa di meraviglioso e unico, che ti incanta e ti rapisce. Sax che poi ritorna anche alla fine dove si mischia con le chitarre in qualcosa di quasi orgasmico. Musicalmente lo ritengo uno dei suoi lavori più riusciti e se l'avessero estratto dopo L'amore che non sai avrebbe contrastato la dolcezza di quest'ultimo in una maniera quasi perfetta.

Il testo non è immediato, anzi è abbastanza criptico e con un significato un po' oscuro (che comunque si sposa perfettamente con la musica) ma con un ritornello molto potente e con la voce di Gianluca che scandisce le parole e che non puoi non cantare. Dopo alcuni ascolti però assimiliamo il tutto e iniziamo...

Guarda e osserva sono un mostro

Io vengo e ti porto via

Guarda e osserva

E stai attenta la mia è una malattia

Io lo so che stai cercando qualcosa che ti tira su

Ma non l'hai ancora ammesso la droga ti butta giù 

Un brano che parla di tentazione, probabilmente di droga (argomento cui Grignani è sensibile), di delusione, un brano che si può prestare a diverse interpretazioni, come penso debbano essere in generale i brani, ma che avrebbe funzionato perfettamente come descrizione intera dell'album e come tassello importante della discografia di Grignani. 

Perché doveva essere singolo? Semplicemente perché è un brano con l' impatto più forte, testuale e musicale di A volte esagero e perché avrebbe dimostrato ancora una volta quanto Grignani possa passare dal parlare d'amore a parlare dei problemi esistenziali in maniera perfetta e sempre credibile. 

E perché in fondo tutti abbiamo avuto un mostro o siamo stati il mostro 

Arrivato a questo punto del gioco sento di aver dato quello che potevo. Ho centrato il mio obiettivo personale, quello di proporre un brano da ogni album in studio di Gaga. Nel farlo, ho voluto mostrare il suo eclettismo, permettendovi di conoscere il suo lato più umano oltre il "genio" musicale e tramite parte del suo repertorio, raccontare anche di me.

Questa volta ho scelto di schierare "Dance in the dark", incluso nell'EP "The fame Monster", lanciato per la promo radiofonica solo in Australia e Francia. Nei piani della Interscope, il brano avrebbe dovuto seguire "Telephone" come terzo singolo estratto, sostituendo così "Alejandro", poi selezionato su insistenza di Gaga.

Dal punto di vista musicale, "Dance in the dark" è un manifesto della Gaga prima maniera. Una piccola perla europop con spiccati richiami alla new wave e un nostalgico arrangiamento retrò, da alcuni critici ritenuta il miglior momento del disco, secondo solo a "Bad romance".

Il brano è universalmente considerato - all'interno della fanbase di Gaga - una mancata occasione di inanellare un'altra hit nella discografia della cantante. La canzone ha comunque avuto la sua importanza, venendo scelta per aprire le date del secondo tour di Gaga, il "The Monster Ball Tour", ottenendo inoltre un'importante nomination ai Grammy Awards del 2011 nella categoria "Best Dance Recording".

Scritta e prodotta da Gaga assieme a Fernando Garibay, "Dance in the dark" rientra fra i miei brani preferiti perché riassume diversi aspetti che trovo affascinanti nella proposta artistica della cantante.

Oltre alla celebrazione degli anni '80 sul piano melodico, nel testo ricco di metafore affronta svariate tematiche: la libertà sessuale, i pregiudizi puritani sulle donne, le debolezze dell'animo umano, la difficoltà nell'affrontare l'ansia.

Nella prima parte del pezzo Gaga paragona un rapporto sessuale a un ballo al buio. All'interno della metafora i problemi che molte donne affrontano nell'accettazione del proprio corpo. Il confronto con la propria fisicità è vissuto talmente male da arrivare a nascondere il corpo nel momento più intimo d'incontro con l'altro, tenendo le luci spente.

Baby loves to dance in the dark
'cause when he's lookin' she falls apart

A rendere insicure le donne spesso gli stessi partner, che sottolineano i loro difetti fisici denigrandole, e minando la loro autostima, invece di apprezzarne le particolarità.

She looks good, but her boyfriend says she's a mess
Now the girl is stressed

Nella seconda strofa la protagonista della canzone viene paragonata ad un lupo mannaro ("The moon lights her way while she's howlin' at him"), con un sorriso da vampiro ("Her kiss is a vampire grin").

Le metafore tenebrose si riferiscono alla parte animalesca che, nell'oscurità della stanza, la donna fa uscire fuori, vivendo a pieno il suo desiderio carnale. Rimane però vittima del pregiudizio che a volte ricorre nel pensiero maschile: nel momento del sesso tutto è lecito, ma a posteriori la donna viene tacciata di essere una poco di buono.

She looks good, but her boyfriend says she's a tramp, she's a vamp
But she still does her dance

"Questi testi sono il mio modo di parlare di come credo che le donne, e alcuni uomini, si sentano sempre innatamente insicuri di se stessi, non in un solo momento, non nell'adolescenza e basta, ma per tutta la vita" ha dichiarato Gaga in riferimento al brano.

Nell'interludio parlato Gaga cita per questo diverse figure iconiche ma fragili che sono andate incontro a una morte tragica, come Marilyn Monroe, Judy Garland, Sylvia Plath e la principessa Diana.

Come dissi già nel primo gala, la forza di Gaga è la capacità di unire la semplicità dei ritornelli a messaggi capaci di scuotere l'opinione pubblica, ma anche far riflettere. "Dance in the dark" a mio parere racchiude quanto sopra e avrebbe meritato di diventare una hit mondiale.

Per questo Gala avevo le idee confuse. Ero indeciso se scegliere un singolo o una semplice album track, ma alla fine ho scelto la seconda,  perché mi sentivo maggiormente ispirato. Mi piace proporre qualcosa di sconosciuto, scavare nella discografia degli artista e riportare a galla pezzi dimenticati e poco considerati.

Ho scelto Strawberry Shortcake, un brano appartenente all'ultimo album di Melanie, K-12. K-12 è un album più introspettivo rispetto a Cry Baby, e Strawberry Shortcake è uno dei pezzi più rappresentativi (e a mio parere anche uno dei più belli) dell'intero progetto.

Il brano è una semplice album track, eppure trovo sia una canzone estremamente trascinante e affascinante. Il pezzo presenta ancora una volta le caratteristiche peculiari appartenenti al progetto K-12, partendo dall'utilizzo di effetti sonori fino ad arrivare alla produzione musicale, caratterizzata principalmente dall'uso del pianoforte e degli archi.
La canzone presenta così un ritornello estremamente catchy e radio-friendly, eppure il brano conserva la sua anima profonda, grazie a un testo coraggioso, ricco di figure retoriche.

La canzone parla di quante ragazze hanno imparato fin da giovani che sono apprezzate solo se sono attraenti per gli uomini. Questo fa sì che si sentano regolarmente insicure sul loro aspetto poiché non si adattano agli standard della società. Cry Baby adotta diverse misure per cambiare il suo aspetto in modo da essere considerata più attraente, come ad esempio fare la ceretta e imbottire il reggiseno in modo che il suo seno appaia più grande. A causa di ciò, attira un'eccessiva attenzione da parte dei ragazzi, facendola sentire come se fosse colpa sua se sono distratti da lei. Pertanto, la canzone affronta le molestie sessuali e porta una critica alla cultura dello stupro e alla colpa delle vittime.

Il pezzo si affaccia a tematiche universi, tra le quali anche quella della pubertà. Nella prima strofa Melanie confessa la sua insicurezza riguardo al suo corpo. Il cambiamento del suo corpo provoca timore, e insoddisfatta della forma che sta prendendo inizia a domandarsi perché non assomiglia a una Barbie :

"Feeling unsure of my naked body
Stand back, watch it taking shape
Wondering why I don't look like Barbie
They say boys like girls with a tiny waist"

In questo passaggio Cry Baby esprime tutto il suo rammarico verso il trattamento che le viene riservato da parte dei ragazzi. Il loro desiderio sessuale è troppo forte e a causa della sua gonna corta viene mandata a casa.
Viene vista come un oggetto tanto da arrivare a paragonarsi a una torta di fragole. È considerata eccessivamente provocatorio, e viene così accusata ingiustamente, colpevole di averci messo "la glassa", in questo modo i ragazzi sono autorizzati ad assaggiarla  :

"Got boys acting like they ain't seen skin before
Got sent home to change 'cause my skirt is too short

It's my fault, it's my fault 'cause I put icing on top
Now, the boys want a taste of the strawberry shortcake
That's my bad, that's my bad, no one taught them not to grab
Now, the boys want a taste of the strawberry shortcake"

Melanie vuole essere apprezzata dagli altri, curandosi maggiormente, cerando la sua pelle per renderla più splendente. Successivamente si accorge di aver commesso un errore e che ora la gente le si avvicina solo per il suo aspetto fisico, non andando oltre l'apparenza :

"Gotta make sure that my legs are shiny
Hot wax melting, burn my skin
People all around me watching closely
'Cause it's how I look and not what I think"

Nel bridge però Melanie affronta questa situazione, finalmente si impone e muove un'aspra critica nei confronti degli uomini che non riescono a tenerselo nei pantaloni :

"Instead of making me feel bad for the body I got
Just teach him to keep it in his pants and tell him to stop"

Il brano avrebbe decisamente meritato una maggiore attenzione. Non rispecchia il prototipo del singolo perfetto, ma questa sua "imperfezione" credo sia proprio il suo punto di forza. Nonostante il brano non nasca come canzone spacca-classifiche, io lo trovo adatto a diventare un singolo. Non si ferma solo a un bel ritmo e un motivetto orecchiabile, ma il testo così particolare riesce a rendere la canzone ancora più piacevole e interessante. Il pezzo lancia un messaggio universale, rivolto a tutti, e non solo ai ragazzi. Tenta di educare il suo pubblico, dicendo che le donne non possono essere viste solo come uno spuntino. Non devono giustificarsi se si vestono in maniera attraente, né tantomeno gli uomini possono essere giustificati se rispondono in modo non etico. Il brano affronta una tematica importantissima, che spesso viene tratta in maniera sbagliata. Sono convinto che il brano avrebbe potuto riscuotere un buon successo, grazie anche alla tematica, nella quale possono immedesimarsi milioni di adolescenti (e non solo).

La discografia di Stromae non è ampissima, ma nonostante ciò possiede numerosi brani che avrebbero potuto ottenere molto successo. La canzone da me scelta è un brano estratto dal primo album di Stromae , e si intitola "Te Quiero".

Questo brano fu pubblicato nel 2010 , pochi mesi dopo il successo di Alors on danse, ma non ebbe il successo sperato (solo un oro in francia) . Il testo descrive di un amore finito male , dopo il colpo di fulmine iniziale e il successivo mettere su una famiglia , si arriva al declino che porta la coppia al divorzio. L'amore descritto da Stromae è però un amore non comune, un amore morboso, malato nel testo fa riferimento infatti a un sentimento ossessivo:

Te quiero
Je voudrais être son ombre
Mais je la déteste
Te quiero

Ti voglio
Vorrei essere la sua ombra
Ma la detesto
Ti voglio

Il brano continua con immagini molto d'impatto parlando che il loro bambino diventerà solo di lei, che lui diventerà un senzatetto , con i jeans sporchi e puzzolenti, sull'orlo della disperazione  :

Notre enfant deviendra aussi le sien ensuite
Enfin c'est le juge qui insistera j'imagine
Imagine-moi,
Télé sous le bras et mes jeans sales et puis tout ça

Anche nostro figlio diventerà suo
Alla fine il giudice insisterà, immagino
Mi immagino,
La tv sotto il braccio, i miei jeans sporchi e tutto il resto

Disperazione che arriva al culmine con il verso simbolo della canzone: 

Je l'aime à mort

come solito fare Stromae usa questa frase in maniera ambivalente, in tal forma significa ti amo fino alla morte, ma volutamente può essere vista come:

Je l'ai ma mort

che invece significa "ho la mia morte" , questo insieme a dei versi successivi

Le moral bas en haut d'un pont, d'une falaise ou d'un building
J'aurais l'air d'un con quand je sauterai dans le vide

Giù di morale in cima a un ponte, di una scogliera o di un edificio
Sarò stupido quando salterò nel vuoto

fa riferimento a un possibile suicidio, dando quindi la connotazione di un amore malato e pericoloso. 

A mio modesto parere, questo brano è molto all'avanguardia in relazione alla data di pubblicazione. Si parla del 2010 e oltre a trattare una tematica che negli anni successivi è sempre salita più alla ribalta (amore malato che porta a un suicidio\omicidio), anche dal punto di vista esclusivamente musicale possiamo ritrovare tutte le caratteristiche della musica di successo degli anni avvenire. Sound potente, orecchiabile, forte uso (ma ben equilibrato) dell'elettronica.

Dispiace che gran parte del primo album di Stromae sia a molti sconosciuto, come dissi infatti nel primo gala , io stesso ho iniziato a capire l'imponenza di Stromae come artista solo dal suo secondo lavoro, ma andando poi a ritroso si può notare che tutti gli elementi che hanno reso  Formidable\Papatoui\Tous le meme vere hit mondiali erano già presenti anni prima, e che quindi anche diversi brani presenti nel suo primo disco avrebbero meritato maggior fortuna. 

1. MACKLEMORE

2. FABRIZIO DE ANDRE'/LADY GAGA/GIANLUCA GRIGNANI

5. COLDPLAY/MIA MARTINI

7. MELANIE MARTINEZ

8. STROMAE