Il primo pensiero che mi è passato per la mente leggendo il tema di questa nuova prova è stato che i Beatles sono conosciuti principalmente per le loro melodie. Questo non perché non fossero in grado di scrivere lyrics efficaci, tutt’altro. Il fatto è che, semplicemente, soprattutto nella prima parte della loro carriera i Fab Four (ragazzi poco più che ventenni) erano concentrati a trasmettere la loro energia e la loro passione per la musica più che contenuti particolari. E questa etichetta, forse, non se la sono mai tolta del tutto.

Mi è venuta in mente la risposta di Paul in un’intervista del 1965:

Intervistatore: “They referred to Day Tripper as being about a prostitute, and Norwegian Wood about a lesbian. I just wanted to know what your intent was when you wrote it”

Paul (ironico): “Well, we were just trying to write songs about prostitutes and lesbians, that’s all”

come a prendere in giro chi pensava ci fossero metafore o significati ulteriori dietro testi che per loro erano solo un accompagnamento a una musica.

Ciò che però mi è rimasto in mente è un titolo ben preciso: The Fool on the Hill.

Questo brano del 1967 si colloca in un processo evolutivo del gruppo, che pian piano esce dalla sua comfort zone di canzoni d’amore e inizia a fare riflessioni più ampie, più profonde, dando maggiore rilevanza al testo. È lo stesso processo che avrebbe portato John a scrivere, dopo lo scioglimento dei Beatles, pezzi caratterizzati dalla forza incontenibile delle loro parole, come Imagine, Working Class Hero e Woman is the N**** of the World.

The Fool on the Hill è un quadro, uno spaccato di umanità che si lascia osservare: si tratta di un pazzo che parla al vento, un escluso. È un brano che mi ha sempre colpita per la sua espressività, e mi piace anche pensare che, a un livello più profondo, la canzone stessa parli della forza delle parole, sia in positivo che in negativo.

Day after day, alone on a hill

The man with the foolish grin

Is keeping perfectly still

But nobody wants to know him

They can see that he’s just a fool

And he never gives an answer

But the fool on the hill

Sees the sun going down

And the eyes in his head

See the world spinning round

Questa è un’esperienza universale: chi di noi non si è sentito almeno una volta un “pazzo sulla collina”? Mettere etichette è qualcosa che l’essere umano fa per dare un ordine al proprio mondo, ma quando si etichettano le persone le si chiude, le si imprigiona in una gabbia fatta di una sola parola. Il personaggio è “solo un pazzo” per tutti quei “they” che rappresentano il branco, la massa. E non importa che lui riesca a vedere le cose più lucidamente, rimane giorno dopo giorno solo sulla collina perché nessuno vuole conoscerlo: non è sempre facile andare oltre una parola.

Well on the way, head in a cloud

The man of a thousand voices

Talking perfectly loud

But nobody ever hears him

Or the sound he appears to make

And he never seems to notice

But the fool on the hill

Sees the sun going down

And the eyes in his head

See the world spinning round

And nobody seems to like him

They can tell what he wants to do

And he never shows his feelings

But the fool on the hill

Sees the sun going down

And the eyes in his head

See the world spinning round

Parlare con la sensazione che nessuno ci stia a sentire e che nessuno abbia voglia di capirci è una sensazione angosciosa, dolorosa. Fa male l’idea che, per quante voci abbiamo e per quanto chiaramente ci esponiamo, non ci sia volontà di ascolto o dialogo dall’altra parte. La libertà di espressione a volte non è abbastanza: se non c’è la certezza di trovare un orecchio favorevole e delle parole di conforto il più delle volte tendiamo a non rivelare i nostri sentimenti, la parte più intima che abbiamo. E magari, in silenzio, soffriamo. E nel silenzio mi è capitato di sentire questa canzone, e di identificarmi con il fool, circondata da una barriera di parole mai dette o mai veramente comprese.

He never listens to them

He knows that they’re the fool

They don’t like him

The fool on the hill

Sees the sun going down

And the eyes in his head

See the world spinning round

The Fool on the Hill parla di alienazione umana, dei muri che creiamo con le parole e contro le parole, dell’incapacità di comunicare tra noi e della sofferenza che ne deriva; e qui sì, in questo pezzo struggente sì che i Beatles ci permettono di ascoltare la loro vera voce.

Quando ho letto il tema di questo secondo galà, ho pensato subito ad una frase di Oscar Wilde: La prima tragedia della vita sono le azioni, la seconda le parole. Le parole, forse, sono la peggiore. Le parole sono spietate. Possono ferire, far del male oppure racchiudere dentro di se l’essenza di noi stessi. Proprio per questo ultimo motivo  , per il testo profondo in cui mi sono ritrovato con il tempo, per questo secondo galà ho scelto un brano del 1992.

 L’album “di questa vita” da cui è tratto il brano, esce dopo 2 anni di silenzio di Anna dovuto alla nascita di Francesca, la prima figlia.

Tutti i brani sono firmati da Berlincioni e Belleno, Arrangiati da Jeff Wesley. A proposito  dell’album Anna  racconta che tutti i brani parlano di quello che ha vissuto e che vive quotidianamente. In particolar modo “Figli di nessuno”   possiede un evoluzione musicale e interpretativa. E’ un album in cui Anna affronta temi sociali, religiosi, l’indifferenza che attanaglia uomini e donne, E’ un Anna musicalmente più aggressiva.

Testo

E si spingono da soli

Con le loro grandi mani
Aggrappate al ferro freddo

Di due ruote disuguali
Gambe esili di cigno
Come fragili armature
E il palazzo dei pensieri
A volte, ha tante stanze buie.
Sono i figli di nessuno
Sono uomini in germoglio
Sono anime più grandi
Obbligate al loro orgoglio
Ma vorrebbero cantare
Ma vorrebbero ballare
E scottarsi sulla sabbia
Per tuffarsi in mezzo al mare
Anche i figli di nessuno
Hanno i cuori disarmati
Ed accettano la vita
Perché sono innamorati
E non contano i gradini
Però contano le stelle
Solo dentro i loro occhi
Puoi vedere le più belle.
Sono i figli dei problemi
Che non hanno mai risposte
Accavallano paure
Ma le tengono nascoste
Hanno i sogni ipotecati
Da un presente che li azzera
Ma il sogno di sognare
è la loro arma vera.
E noi in quante cose li abbiamo aiutati
Di quante promesse li abbiamo vestiti
Soltanto uno sguardo per dire "peccato".
Sono i figli di nessuno
Sono barche senza porto
Ancorate ad un ormeggio
Che li fa sentire a fondo
Ma sanno vivere in salita
Sanno essere importanti
Sanno usare i sentimenti
Forse più di tutti quanti.
Sono i figli di nessuno
Sono statue mutilate
Sono linee di profili
Solamente tratteggiate
E nascoste sotto il vetro
Di quel corpo che li impaccia
C'è un sogno di dolcezza
Che si legge sulla faccia.
E noi in quante cose li abbiamo aiutati
Di quante promesse li abbiamo vestiti
E poi quante volte li abbiamo ascoltati
E noi in quanti discorsi li abbiamo venduti
Soltanto uno sguardo per dire peccato
Avrebbero potuto non essere mai nati.
Sono figli di nessuno
Solo per chi non li ha accettati
Per me son piccoli fratelli
Dai destini delicati.

Lo specchio

Ascoltare questo brano è come rivedere la propria vita attraverso uno  specchio. Ci sono quelli che “ Avrebbero potuto non essere mai nati Sono figli di nessuno Solo per chi non li ha accettati” che sono i ragazzi che incontro quotidianamente. Ragazzi che si sentono diversi, che vivono ai margini. Quelli che vogliono da te delle risposte. E non sai mai se quelle che darai sono quelle giuste.  Poi  Ci sono quelli  che hanno un sogno di dolcezza Che si legge sulla faccia. E noi in quante cose li abbiamo aiutati Di quante promesse li abbiamo vestiti E poi quante volte li abbiamo ascoltati e uno di loro è stato adottato e vive con noi.

 Ed è proprio questa esperienza che ti fa crescere, Cresci insieme a loro.  Non c’è niente da aggiungere a queste parole. La loro forza è travolgente, ti avvolge e riempie le tue giornate.

Raccontare i The Cranberries attraverso un brano che abbia “un bel testo indipendentemente dalla melodia” è un po’ come chiedermi di mostrarvi le mie doti culinarie preparandovi una carbonara che sia buona anche senza metterci le uova: l’unico modo è stato tentare di rivisitare la ricetta.

I testi delle canzoni della band di Limerick, scritti per lo più dalla stessa Dolores, sono sempre (ma proprio sempre) estremamente ermetici, giocati tutti sulle anafore (cit.), e le ripetizioni ossessive. La rima è un caposaldo imprescindibile, il lessico è semplice e talvolta sfiora l'infantile. Questo lo scrivo con estrema stima e invidia nei confronti di uno stile testuale così minuziosamente scolpito da diventare iconico.

Non potendo puntare sulla complessità o sulla ricchezza di concetti, ho deciso di evidenziare in questa prova quello che per me è il vero punto di forza di questi testi: il loro potere evocativo.

Cronaca del giorno in cui
L´aquila volò
Su confini dove l´aria è polvere
Storia di un bambino che
Quell´aquila incontrò
E tese le sue braccia
A chi le braccia gli rubò
Ed un soldato raccontò
Di come il cielo si oscurò
E in terra pianse lacrime
Urlando ruggine
Ma che cos'è la libertà?
E che significato ha?
Non si può credere a una bandiera se
è il sangue a vincere
L´aquila non dorme mai
Sacrifica i suoi eroi
Mette in mostra le sue stelle e suoi trofei
il bambino è orfano di casa e di poesia
Per l´indifferenza che
La guerra ha dentro se
Ed un soldato raccontò
Di come il tempo si fermò
La terra pianse lacrime
D´aceto e grandine
Ma che cosè la verità
E che significato ha?
Non si può credere a una bandiera se
è il sangue a vincere
Ma che cos´è la libertà?
E che significato ha
è il sole che non sorge mai?
è il buio addosso a noi?
Ed un soldato raccontò
Di come il cielo si oscurò
Di come a vincere c´è una bandiera che
Ha il sangue dentro se
dentro se... dimmi che cos´è la libertà... cos´è?

Per questo Galà avrei potuto portare una  canzone simbolo di Cyndi, quella famosa "True Colors" che tanto negli anni proprio grazie alle parole che recita le è valsa anche grandi riconoscimenti dal mondo LGBTQIA oltre che dal mondo della musica in generale. Invece ho deciso di presentare quella che credo in assoluto sia la mia canzone preferita di questa grande icona della musica, una canzone che amo talmente tanto da aver tatuato il titolo sul mio corpo..."Shine".

Sicuramente sconosciuta ai più, fa parte di un periodo particolare della carriera di Cyndi. Un momento poco fortunato, dovuto alle scarse vendite del precedente album "Sisters of Avalon", un lavoro più sperimentale e meno pop, pubblicato nel 1997. A causa del fallimento dell'etichetta discografica, "Shine", e le tracce del disco omonimo, riescono ad avere il loro spazio solo nel 2004, grazie a un'uscita mirata al solo mercato Giapponese, paese in cui Cyndi tuttora ha un discreto successo.

"Shine", grazie al suo messaggio edificante e a un ritornello preceduto da una bellissima introduzione di archi, potrebbe essere definita una sorta di proseguimento o evoluzione di "True Colors" in chiave uptempo.

Anche la traccia che vi propongo, infatti, è indirizzata a chi si trova in un momento di difficoltà ed ha bisogno di qualcuno che gli stia accanto e lo aiuti a tirare fuori il diamante che porta dentro di sé, affinché possa risplendere ed irradiare la sua benefica energia.

Proprio le parole in questo caso arrivano dirette, in alcuni punti addirittura urlate come a voler scolpire il messaggio direttamente nel cuore degli ascoltatori senza giri di parole, proprio come quel fantastico "SHINEEEEEEEEE" urlato all'inizio del brano e che in modo quasi martellante ma mai banale o fastidioso verrà utilizzato spesso all'interno del testo proprio per far ben capire, sentire e provare quel messaggio all'ascoltatore.

"Shine I'll stand by you
Don't try and push me away
'Cause I'm just gonna stay
You can shine I won't deny you
And don't be afraid it'll all be OK"
(Brilla, io ti sarò accanto e non provare a  respingermi perché io comunque resterò e non avere paura di brillare perché andrà tutto bene)

Quindi il messaggio che Cyndi vuole mandare con questo testo semplice e diretto è sii forte, io sarò accanto te nel bene e nel male, ti sorreggerò e non rinnegherò mai te e quello che sei, anzi voglio che brilli come un diamante e devi mostrarlo perché sennò è come se fossi sepolto sotto terra quando invece devi mostrarti perché meriti di esistere più di ogni altra cosa al mondo.
"Gonna call down to this diamond
Buried underground"

"Gonna call out to these embers
waiting to ignite (...)
I can see the frown you wear
All around like some faded crown"
Anche in questa frase si sente la voglia di Cyndi di spronare l'ascoltatore, cercando di fargli capire di credere più in se stesso altrimenti andrà a spengere l'ardere della propria anima evitando di farla diventare una corona sbiadita.

Questo vero e proprio inno mi ha aiuto a essere ciò che sono, senza vergogna e senza paure, libero di brillare nonostante tutto e tutti. Arrivato in un momento cruciale della mia vita, come molti altri, che potrei raccontare attraverso le canzoni di questa grande Artista.

"When it's said and done
What you need will come
and time won't let me, let you
waste it this time"

Di questo pezzo ne esistono due versioni, la versione originale e la versione acustica altrettanto bella e con un'atmosfera diversa ma di uguale impatto emotivo contenuta nel disco "The Body Acoustic" del 2005.

Vi lascio con un'ultima piccola curiosità, che inquadra ancora di più l'importanza sociale di questo brano e della produzione di Cyndi. La versione Babylon Remix di "Shine" è contenuta nella colonna sonora di una delle serie TV a tematica omosessuale più iconiche di tutti i tempi: "Queer As Folk USA". Cyndi è presente in uno degli episodi finali dell'ultima stagione, in cui viene chiamata a cantare di fronte a un grande pubblico. Un segno di stima per una delle artiste più legate alle cause del mondo LGBTQIA.

Ci sarebbero molte canzoni che vorrei portare per questo Gala, alcune sono più importanti nella discografia degli Afterhours mentre altre sono fondamentali per quella di amers. Ho deciso di proporre un pezzo fondamentale per me, tratto da Quello che non c'è, disco del 2002 e il primo senza la chitarra di Xabier Iriondo: Sulle labbra.
Una canzone può avere diversi punti di forza, questo brano riesce col suo testo semplice e immediato a non farsi divorare dalla melodia e a portare chi l'ascolta a pensare e a ritrovarsi nelle parole di Agnelli.

Non so cosa intendesse in realtà Agnelli mentre la componeva, io l'ho sempre vista come la descrizione della perdita dell'innocenza nel passaggio dalla pubertà all'età adulta.

La tua primavera è un incubo

In cui lo stato cede alla pornografia

Il niente e il niente da distinguere

Finché poi non sai più cosa sentire

La primavera intesa come l'adolescenza, dove tutto sembra andare storto e dove ci sentiamo più vulnerabili e a rischio. Sopraffatti a volte dalle emozioni.

Pensi di avere un credo poi lo adatti a quello che sei

Parole disarmanti nella loro semplicità, da adolescenti a volte non abbiamo ancora ben chiaro cosa vogliamo e cosa aspettarci dalla vita e quindi lo plasmiamo al nostro essere. L'amers adolescente aveva necessità di far aderire un credo alla sua persona per essere omologata ai suoi coetanei e non sentirsi esclusa. Un credo nel modo di vestire, di pensare, il non essere etichettata come sfigata, solo per i gusti differenti.
A volte guardandomi allo specchio rivedo ancora quell'adolescente, consapevole però di essere riuscita ad avere un pensiero proprio anche se spesso vuol dire lottare contro i mulini al vento.

E come può il mio amore essere limpido

Se è la mia nazione che l'inquina

So come un uomo deve decidere

Ma ora non so più cosa sentire

Il giovane vorrebbe amare senza pregiudizi ma non sempre riesce nel suo intento. E lì amers diciannovenne si rivide del tutto: quel sentimento che provava non era giusto. Sapeva chi amare e perché ma il sentirsi sbagliata e in difetto la facevano vergognare. Perché provare dei sentimenti per una come te non era sano, emozionarsi per il sorriso di Valeria e non per quello di Alessandro non era ben visto. Non sarebbe stato capito.
Quell'amore era inquinato.
E più passava il tempo più...

Ti ritrovi sulle labbra

A giustificarti quel che sei

Scuse su scuse perché non si riesce ad accettare la realtà. Si ha paura di essere se stessi. Soprattutto a quell'età. Quindi dovevo fingere di provare qualcosa per il figo della scuola perché altrimenti sarei restata sola, fingere di essere in una fase perché così nessuno poteva dirmi nulla.
Fingere di essere ciò che non sei e non potrai mai essere.

Anche odiare è un diritto sai

Poi la voce di Agnelli sentenzia: provare odio non è qualcosa di negativo. Quindi potevo odiare chi e cosa mi facesse sentire inadeguata, non dovevo sentirmi in colpa. Né amando né odiando.
E questo mi ha accompagnato anche nelle fasi successive, insegnandomi di non aver paura di provare sentimenti negativi, non aver paura che possano divorarti.

La tua primavera è un incubo

Disobbedire acquista un senso in più

Infine un senso di speranza. L'adolescenza sarebbe stata ugualmente infernale ma potevo, e dovevo, ribellarmi.
Disobbedire agli schemi prefissati da una società dove non mi riconoscevo, aver coraggio di prendere in mano la vita e scegliere di essere me stessa senza paura.

Disobbedire è vivere.

Come dice Freud “è impossibile conoscere gli uomini senza conoscere la forza delle parole“.

Le parole hanno un valore che spesso si da per scontato. Possono ferire, se pungenti come lame o pesanti come pietre. Possono essere di conforto al pari di un abbraccio e dare sicurezza a chi le riceve. Oppure, come vedremo insieme, essere lievi come in questa manifestazione d'amore. All'inizio della sua carriera Elisa ne era consapevole.

“Io non scrivo cose da cantautrice. Ho studiato fino alla terza media, all’inizio non facevo nemmeno le interviste perché temevo di sbagliare i verbi. Uno deve maneggiare la storia e la lingua prima di dirsi sicuro di qualcosa. Non sono cantautrice ma non significa che scrivo cose leggere”.

Così rispondeva Elisa quando nel libro Fairy girl del 2008 le si chiedeva qualcosa su alcuni suoi testi e si alludeva al fatto che non fossero impegnati. Al riguardo diceva: “Poi mi chiedo: impegnato rispetto a cosa e a chi? Io sono molto seria in quello che faccio, e questo mi rende impegnatissima”.

Elisa ha iniziato la sua carriera scrivendo in inglese perché le piaceva di più il suono e la musicalità di quella lingua e perché si sentiva più sicura nell’esprimersi con un linguaggio che non tutti comprendevano.

Caterina Caselli però voleva che lei provasse a presentarsi anche in italiano così nel 2001 portò il brano “Luce (tramonti a nord-est)” a Sanremo dove vinse e si fece conoscere al grande pubblico. Si pensava che dopo quel successo Elisa avrebbe cantato ancora in italiano ma per lei non era ancora il momento, non la sentiva ancora come la sua lingua artistica, e ad eccezione di pochi brani la maggior parte dei suoi album successivi contengono canzoni anglofone.

Bisogna aspettare il 2013 perché Elisa senta l’italiano la sua lingua espressiva e con la quale vuole portare la sua musica al pubblico. In quell’anno infatti pubblica il suo primo album totalmente in italiano “L’anima vola” che contiene il brano che vi presento che è “Non fa niente ormai”.

Una cosa a cui Elisa ha sempre tenuto è quella di non raccontare troppo della storia di come nascono le sue canzoni perché vuole che un ascoltatore le faccia sue e che ci riveda qualcosa di sè stesso così da renderle proprie. 

In questa canzone però ci sono delle parole in particolare che ci fanno capire bene di cosa si tratta: “ Ora che ti hanno appoggiata a me sai di ferro e di biscotto”. La canzone è dedicata a Emma Cecile che è la prima figlia di Elisa e lei ci racconta come da quando lei è nata e l’hanno appoggiata a lei tutto ha cambiato prospettiva. “Ho visto bene da vicino l’abito che indosso e ne ho visto più di un motivo, più di un difetto ma non fa niente ormai”. Non importa più essere vestiti bene perché ora le priorità sono diverse.

Dice che ”niente riesce più a ferirmi, a farmi male, arrivare a distruggere, scalfire o anche solo minacciare quel che c’è di buono in me”. Ci sono tante cose per le quali ora dice “Non fa niente ormai”, cose che prima considerava problemi con l’arrivo della figlia diventano futili, assumono una luce diversa e la vita cambia, si trasforma e in un certo senso riparte. L’arrivo di un figlio ti scompiglia la vita e volenti o nolenti ti obbliga a rivederla.

“Il tempo scorre, la mia barca taglia l’acqua e fa la schiuma su quel mare che si scioglie piano dietro a noi. Tutto viene va, lascia dietro la sua scia da tenere impressa o da dimenticare, chissà la tua e la mia.” La nascita di un figlio è un avvenimento che divide la vita in un prima e in un dopo. Guardi la scia che la tua nave lascia dietro di sè e ti dici "Non fa niente ormai" perchè ora l'importante è guardare avanti e vedere quale sarà la futura scia della madre, del figlio e quella insieme.

Ascoltando questa canzone ho pensato subito a due cose.

La prima è che ad agosto dell’anno scorso è nata la mia prima nipotina (figlia di mia sorella) e anche se non sono madre lei ha portato in tutta la famiglia un’immensa gioia. Si chiama “Sole” di nome e di fatto perché è un’amore. Anche solo guardare delle semplici espressioni che fa mi suscita un sorriso e mi ha proprio trasmesso l’energia di dire “Non fa niente ormai” a cose che non meritavano importanza e anche da zia mi sono ritrovata in quello che dice Elisa.

La seconda è pensare a quando mia madre ha avuto me perché sono la prima di tre figlie e anche la prima femmina di tutta la famiglia. I miei genitori mi raccontano sempre di quando sono nata. Mia mamma aveva 21 anni e si era sposata un anno e mezzo prima. Il giorno in cui sono nata mio papà era a lavoro ma appena avvisato è corso in ospedale per vedermi nascere e quando mi hanno portato a casa mio nonno ha avvisato tutto il vicinato per la gioia che provava. Mi dicono sempre che ero magrissima e lunghissima. Anche ora quando sento mia mamma parlare con mia sorella di come sia avere la prima figlia ci penso. Mia mamma mi ha sempre voluto bene e ho una famiglia fantastica anche se non sempre ci siamo capite. La scia di cui parla Elisa mi ha fatto molto riflettere perché con mia mamma è stata una scia che ha visto vicinanza e lontananza. La figura materna è fondamentale per un bambino e ne segna in positivo e in negativo anche il percorso di vita. Mentre sei piccolo non ci fai caso o non ci dai importanza ma quando sei grande le cose le vedi e capisci in modo diverso. Io so che parte delle difficoltà caratteriali e relazionali che ho avuto negli anni sono dovuti anche al rapporto con mia madre. Dall’anno scorso sono andata a vivere da sola e ho avuto modo di valorizzare meglio il mio rapporto con lei. Ora che siamo entrambe adulte io la capisco e comprendo alcuni suoi atteggiamenti e comportamenti avvenuti negli anni. La lontananza mi ha permesso di dire anche in questo caso "Non fa niente ormai". Io so che lei mi vuole bene e lo fa a modo suo e se sbaglia non lo fa per farmi male ma perché semplicemente alcune cose non le capisce e sta a me farmi capire da lei e comprenderla.

(semotina con la mamma)

Devo ammettere che, appena ho letto il tema del Gala, mi sono un po’ preoccupato perché Katy non è nota per avere dei testi importanti e in molti pensano che il punto centrale delle sue canzoni sia rappresentato solo da melodia e musica.
Superata la preoccupazione iniziale, però, mi sono reso conto che questo Galà potrebbe permettermi di rendere ancora più concreto il percorso che intendo fare con la mia favourite singer.
Katy è una cantante che mette l’anima in tutti i brani che rilascia e un punto che le sta molto a cuore è il testo dei brani, le parole delle canzoni. Le parole hanno una forza incredibile: si fissano dentro di noi, ci fanno arrossire, agitare, accelerano il respiro e il battito, ci immobilizzano. O, come in questo caso possono essere d'aiuto. Certo, ci sono dei brani con testi più leggeri e meno impegnati, ma ce ne sono altrettanti che parlano di eventi ben precisi della sua vita: Katy spesso utilizza la musica per processare ciò che le capita. Scrive per sfogarsi, per liberarsi da qualsiasi ansia e per cercare di aiutare le persone che magari stanno attraversando una situazione che lei stessa ha sperimentato.
Uno degli eventi più importanti della sua vita che l’ha segnata nel profondo è stato sicuramente il divorzio da Russell Brand, noto attore e comico, che ha incontrato nel periodo di nascita della sua carriera, sposandolo poi proprio nei mesi in cui lei è riuscita a raggiungere la fama a livello mondiale. Katy ha sempre descritto questo matrimonio come un qualcosa di miracoloso e importante, perché amava Russell come non aveva mai amato nessun uomo, condividendo con lui la sua stessa voglia di spingersi oltre e non fermarsi davanti agli ostacoli. Pur avendo vissuto una storia sotto i riflettori, i motivi della fine del loro matrimonio sono ancora un po’ misteriosi, anche se sembra che Russell abbia preso questa drastica decisione perché non riusciva a sopportare i ritmi della vita di Katy. Ventiquattrore al giorno assediati dai fan, dai media, dai paparazzi. Alcuni pensano addirittura che Russell fosse geloso del successo di sua moglie, tant’è che lei stessa ha rivelato di non aver mai visto il marito ad un suo concerto.
Il divorzio l'ha segnata profondamente trascinandola nella spirale della depressione: intere settimane all’interno di un letto inerme, consapevole del fatto di aver affidato totalmente la vita in mano a una persona, evidentemente quella sbagliata, scoprendosi poi un giorno improvvisamente vulnerabile come non era mai stata prima. Scoprendosi sola. Decisamente sola. Nel documentario girato proprio nei mesi del divorzio, una delle scene più significative è quella nella quale una Katy devastata e in lacrime forza sé stessa per prepararsi a salire sul palco. Un dettaglio che mi mette sempre a disagio, segnale chiarissimo di ciò che provava, è quel sorriso finto che fa poco prima di entrare in scena:

Pur vivendo nel periodo di maggior successo e splendore della sua carriera allo stesso tempo Katy sperimentava anche uno dei suoi periodi di maggior buio che l’ha anche portata a pensare al suicidio. Nel 2011 aveva sì raggiunto i suoi obiettivi nel lavoro, ma sentiva di aver fallito immensamente nel privato. Fortunatamente, però, Katy non ha mai concretizzato nessuna azione e ciò le ha anche permesso di lasciarci uno dei miei brani preferiti di PRISM, cioè By the Grace of God.
Devo continuare a vivere? Devo continuare a sopportare questo dolore?
Da questo due domande nasce una delle ballad più sincere e personali dell’intera sua discografia in cui emerge il ritratto di una donna che riesce a trovare la forza di rialzarsi, di essere sé stessa e andare avanti nonostante tutto il dolore che sta sopportando.
Probabilmente, se PRISM è diventato il mio album preferito è anche dovuto a questa canzone che ho sempre trovato di un’immediatezza rara, dovuta a un testo autobiografico scritto da lei.

"Was 27 surviving my return to Saturn
A long vacation didn't sound so bad
Was full of secrets locked up tight like iron melting
Running on empty, so out of gas”

Fin dalla prima strofa, possiamo notare che il brano non corrisponde alle tipiche ballad di Katy Perry: il divorzio tra lei e Russel è avvenuto proprio quando Katy aveva 27 anni e lei nel brano lo associa al Ritorno di Saturno che in astrologia sappiamo essere riferito a quel momento della vita in cui il pianeta ritorna nella stessa posizione in cui era presente nel giorno della tua nascita e si ipotizza che durante il ritorno le tue insicurezze vengono in superficie, mettendo in discussione la direzione della tua vita e facendoti analizzare il tuo vero essere.

“Thought I wasn’t enough
Found I wasn’t so tough
Laying on the bathroom floor
We were living on a fault line
And I felt the fault was all mine
Couldn’t take it anymore”

Solo in questa strofa possiamo capire quanto Katy si sentisse colpevole di essere stata la causa del divorzio, ma anche del dolore da lei provato.
In un’intervista a Billboard, Katy ha rivelato che la parte in cui si ritrova distesa sul pavimento del bagno è realmente accaduta ed è interessante il fatto che la sua rinascita riparta proprio in quel posto che è stato sede del suo dolore e che ora diventerà sede della sua forza.

"By the grace of God (there was no other way)
I picked myself back up (I knew I had to stay)
I put one foot in front of the other and I
I thank my sister for keeping my head above the water
When the truth was like swallowing sand
Now every morning
There is no more morning oh I
Can finally see myself again"

Un dolore (ripetuto nel ritornello e in chiusura) con cui non ha dovuto lottare da sola, ma è stata aiutata dalla fede e dalla famiglia. Katy ha scritto sia dell’aiuto ricevuto da Dio e della sorella e questo, per me, è sempre stato funzionale per l’obiettivo della canzone. Come ho detto prima, Katy ha scritto questo brano anche per aiutare quelle persone che stanno attraversando un periodo di difficoltà ed è importante il fatto che lei abbia sottolineato di non essere riuscita a superarlo da sola.
E' proprio per questo che nel brano il testo, le famose parole di cui parlavo in apertura, è il vero punto di forza. Katy è riuscita a spogliarsi di ogni corazza, mostrando sia la sua fragilità, ma anche la forza che ha avuto per rialzarsi da un momento così difficile.
Grazie a By the Grace of God, Katy ha mostrato di non rappresentare un essere superiore o speciale rispetto a tutti noi: non è importante quanto tu possa essere famoso, perché il dolore non fa discriminazioni e colpisce chiunque indistintamente. Così facendo, Katy ha potuto ridurre quella distanza che spesso si può formare tra l’ascoltatore e il cantante: lei soffre come tutti noi, lei è come tutti noi. By the Grace of God è una canzone che non potrà mai andare fuori moda: anche tra cinquanta anni rappresenterà un porto sicuro, una testimonianza scritta e una fonte di coraggio per tutti quelli che avranno modo di rifugiarsi nelle sue parole.

Per questo secondo Gala sulla forza delle parole ho scelto Prosopagnosia, la traccia di apertura dell'ultimo album di Caparezza Prisoner 709, prodotto nel 2017.
Trovo che questa canzone abbia un testo forte, intenso ma soprattutto scomodo e disturbante.

La canzone, e più in generale l'album, vedono la luce dopo un intenso lavoro di autoanalisi che Michele è costretto a fare mentre la sua carriera viveva un periodo di incertezza a causa di un problema all'orecchio, l'acufene, che gli rende impossibile anche l'ascolto di musica in cuffia.
"In un momento in cui non riuscivo a riconoscermi è nato il disco" afferma in un'intervista per Repubblica, e ancora:
“Mi sono posto ogni genere di domanda, ho riflettuto sulla mia vita e sulla mia carriera, mi sono chiesto se davvero io sia fatto per fare musica. Il disco è una lunga seduta di autoanalisi, in cui c’è molto più Michele che Caparezza. È un tentativo di fuga dalla prigionia dei ruoli che ci viene imposta"
"Il disco parte da Prosopagnosia, che è l’incapacità per problemi neuronali di riconoscere i volti. Io invece non riuscivo più a riconoscere me stesso."

In questa canzone, infatti, troviamo un Michele più adulto e maturo, non c'è il Caparezza giocherellone, non c'è la critica sociale, non ci sono "rulli di tamburi" e "nuovi calembour". Non c'è quella sorta di pudore o vergogna che lo porta a smorzare l'atmosfera che diventa pesante spostando l'attenzione su altro, non c'è quella comfort zone a cui mi ha abituato. I sorrisi sono pochi e hanno tutti un sapore agrodolce, le parole sono spigolose, ferme, pesanti.
C'è sempre quell'urgenza di raccontarsi già presente nei primissimi brani, e questa volta Michele lo fa in maniera cruda, senza filtri, senza scudi, questa volta non si scappa da se stessi.
Le sue parole colpiscono e affondano con una forza del tutto inedita e con una consapevolezza tale da rappresentare un dialogo con se stessi onesto e duro, senza mezzi termini.
Se gli invidio questa consapevolezza e questa forza? Assolutamente sì.
Fin dal primo ascolto questo brano mi ha messo molto in difficoltà e continua a farlo tutt'ora mentre cerco di spiegare perché sia importante per l'intensità delle sue parole. Si dice che per stare bene con gli altri bisogna prima stare bene con se stessi. Ed è vero. Per me, infatti, le parole più potenti, quelle in grado di smuovere il mondo sono quelle che in primis smuovono noi stessi, che ci mettono in discussione, che ci insinuano dubbi, che ci mettono di fronte ad una realtà che non vogliamo vedere.
Questa canzone mi colpisce con così tanta violenza semplicemente perché io, a differenza di Michele, ancora non ho raggiunto quella maturità tale da poter fare pace con le mie insicurezze, tutte le verità di cui parla Michele nel brano d'un tratto diventano difficili da ascoltare.
Sono tutte lì presenti in questa confessione a cuore aperto, nero su bianco.
Le aspettative alte, gli ingranaggi bloccati, l'immobilità, la prigione dorata in cui si è ingabbiato, so di cosa parla ma non riesco a spiegarlo.
"Scrivo va bene, rileggo non va bene"
C'è un conflitto che vivo sempre quando cerco di buttare nero su bianco quello che penso, perché spesso le parole muoiono prima di arrivare alla tastiera del pc.
Io mi soffermo sempre su dettagli piccoli e insignificanti e assorbo come una spugna tutti gli stimoli negativi dell'esterno, li interiorizzo non lasciando spazio ai segnali positivi, che ci sono e sono anche tanti (dicono gli altri).
"Non ha senso recitare la parte degli incompresi, con tutti dalla mia parte, con tutti così cortesi"
Le parole hanno un ritmo serrato e suoni duri.
Con l'avvicinarsi della fine le parole diventano sempre più inusuali: "prosopagnosia", "chirurgia", "sgradevole", "disprezzo", "sputato",  chi mai le infilerebbe dentro una canzone?
Io non so cosa Michele abbia visto guardandosi allo specchio, ma so esattamente cosa non voglio vedere io quando evito di guardarci dentro e so esattamente perché quelle strofe le sento così mie.
Non è una questione di esteriorità di cui ormai poco mi importa e di cui credo non mi sia mai importato veramente, è una paura che somiglia tanto ad un senso di colpa nel non vedere riflessa un'immagine che credo sia fedele al mio essere interiore di cui in realtà nutro poca stima e quindi puff "If I look at my face/I don’t recognize it"

Cercare un brano dei London Grammar che abbia come protagonista il testo non è così scontato, in quanto i suoni, sia vocali che strumentali, costituiscono una parte fondamentale in molti dei loro pezzi, tanto da dedicargli minuti di intro e finali. Ma fra tutti ne spicca uno che colpisce proprio perché la voce e le parole riescono a catturare l’attenzione dell’ascoltatore, più di qualunque altro suono. Per questo secondo gala, infatti, ho optato per questa traccia, intitolata Rooting For You, che fa da apripista al secondo album della band (Truth is a Beautiful Thing).

Rooting For You, scritto dalla leader dei LG Hannah Reid, nasce come un brano a cappella e solo successivamente, per inserirlo nell’album, sono state aggiunte le parti strumentali. Infatti, nei live solitamente viene cantata a cappella e solo nella seconda parte la musica si mescola alla voce, restando comunque sempre un leggero sottofondo.

Rooting For You è una sincera canzone d’amore che affronta il tema della solitudine e della mancanza di comunicazione all’interno di una coppia, ma allo stesso tempo della voglia di ritrovarsi e di non arrendersi di fronte ai problemi che possono ostacolare una storia.

I'd love to always love you
But I'm scared of loneliness
When I'm, when I'm alone with you

Essere accanto alla persona che si ama ma sentirsi soli, parlare ma non ascoltare o non essere ascoltati, cercare stimoli che ci incoraggino nella vita di tutti i giorni e non trovarne: un vuoto inizia ad annidarsi dentro di noi portando a una sensazione di malessere. Rooting For You sembra raccontare un periodo dell’ultima mia relazione, in cui il peso della routine, a lungo andare, ha fatto diventare tutto meccanico, tutto ovvio, tutto un dovere. I segnali sono evidenti, ma si preferisce continuare a vivere facendo finta che va tutto bene.

And where did she go?
Truth left us long ago
And I need her tonight because I'm scared of loneliness with you, baby
And I should let it go
But all that is left is my perspective, broken and so left behind again

Il messaggio che vuole dare Hannah, però, è positivo: se ti senti solo quando sei con la persona amata, se inizi a vedere tutto nero e nessuna prospettiva futura e se perdi quella complicità di un tempo, allora c’è qualcosa che non va. Ignorare la situazione o decidere di rompere il rapporto piuttosto che impegnarsi per la sua risoluzione sembra la soluzione migliore e più semplice, ma la vera sfida sta nel comunicargli questo stato di infelicità e trovare un modo per oltrepassare questo grande muro.

I know it's hard
Only you and I
Is it all for me?
Because I know it's all for you
And I guess, I guess
It is only, you are the only thing I've ever truly known
So, I hesitate, if I can act the same for you
And my darlin', I'll be rooting for you
And my darlin', I'll be rooting for you

Rooting For You suona come una preghiera che vuole infondere speranza, fiducia e positività, in cui Hannah si interroga sull’esistenza dell’amore che prova e sulla sua corrispondenza. Ci si è persi per strada, il rapporto ha subito dei cambiamenti, ma una connessione emotiva e un certo tipo di equilibrio si possono ancora recuperare se davvero lo si desidera: se pensiamo possa funzionare, proviamoci e ricominciamo a sostenerci, a darci forza e a fare il tifo l’uno per l’altra.

Within Temptation Pale

Il punto forte di "The Silent Force", terzo CD di inediti della band, sono indubbiamente le ballad.
In generale, i primi due brani con i quali conobbi i WT nell'estate del 2005 furono proprio "Somewhere" e "Pale".

La ballad che rappresenta al meglio il concept dell'album ossia quella forza silenziosa che ci permette di andare avanti nonostante le avversità della vita è di sicuro "Pale"